Blog Musica Retroriff

Thrill Jockey reedita el DVD de Boredoms "77Boadrum"

El 7 de julio del 2007 Boredoms ofrecieron un singular concierto en el parque Empire Fulton Ferry State de Brooklyn, NYC. Lo hicieron acompañados de 74 bateristas de la escena avantgarde rock, integrantes de bandas como Lightning Bolt, So ft Circle, White Magic, First Nation, No-Neck Blues Band, Jah Division, God Is My Co-Pilot, Gang Gang Dance, o The Delta 72. De tal estruendo surgió el DVD "77Boadrum" publicado en Japón y que el sello Thrill Jockey ha recuperado para lanzar el próximo 7 de septiembre. El documental contiene las grabaciones del director Jun Kawaguchi así como las tomas de VBS.tv, Viva Radio y material encontrado en Youtube. También contiene escenas de los ensayos y entrevistas a los músicos.

Reid Miles: un homenaje al diseño

Desde 1939, año en el que un joven diseñador de 23 años creara la primera portada ilustrada para Columbia, la industria discográfica se dio cuenta de la importancia de cada aspecto de un disco. Desde la música hasta el packaging, pasando por la fotografía y el diseño de portadas, cualquier detalle por más nimio que fuese, iba a ser crucial si un sello quería tener éxito. La repercusión tuvo tal respuesta entre el público que todos los sellos discográficos empezaron a contratar diseñadores gráficos, fotógrafos y directores de arte.

Posiblemente el más influyente e innovador de todos fue el principal responsable del diseño de Blue Note entre 1956 y 1967: Reid Miles. Igual que Miles Davis redefinió el estilo musical de la música jazz, Reid Miles tiene el honor de haber creado una nueva perspectiva en el diseño con un trabajo tan estilizado y reconocible como el mismísimo timbre de la trompeta de Davis o la inconfundible voz de Billie Holiday. El uso de bitonos, el reencuadre, la selección y manipulación fotográfica (durante tiempo junto a Francis Wolff) y sobre todo la inagotable creatividad tipográfica conviertieron a Reid en un adelantado a su tiempo. Con la venta de Blue Note en 1971, Miles se retiró del diseño gráfico para comenzar una nueva carrera de fotógrafo en Los Ángeles; una carrera que le acompañaría hasta su muerte en 1993.

Acompaño la siguiente recopilación de sus trabajos con el vídeo homenaje que el director Bante rindió al maestro animando algunos de sus sorprendentes, simples y atemporales diseños.

• Reid Miles: un homenaje al diseño

Composición para Bassoforte (bajo+piano)

Hace unos días me puse a pensar en cómo podría volver a montar el teclado del piano desmontado el que tenía en el jardín, así que pensé en construir un nuevo instrumento combinándolo con partes de otros que tenía por ahí. Al final me quedó este híbrido que bauticé "Bassoforte". El mástil es de un bajo eléctrico, mientras que el puente es el picaporte de un armario y las pastillas están sacadas de una vieja guitarra...

Este curioso experimento de Diego Stocco recuerda ineludiblemente al instrumento de cuerdas muy común en la India conocido como "bulbul tarang". Ambos emplean dos conjuntos de cuerdas, el primero únicamente para la melodía y un segundo para el drone de acompañamiento.

Laurie Anderson ofrece un concierto a una audiencia de perros

Alrededor de 1.000 perros asistieron al concierto que ofreció el pasado 5 de junio Laurie Anderson en el recinto exterior de la Sydney Opera House para el Festival Vivid que comisarió junto a su marido Lou Reed. La música presentada fue una pieza de 20 minutos escrita especialmente para la audiencia canina. Music for Dogs contiene sonidos electrónicos cuya frecuencia es tan alta que no puede ser percibida por humanos. La idea original de la artista fue que esta composición únicamente incluyera este tipo de sonidos, pero finalmente decidió combinarla con instrumentación apta para nuestros oídos con la intención de que todos los asistentes pudieran apreciarla.

"Kick that habit": Peter Liechti + Voice Crack

"Kick that habit" es una película dirigida en 1989 por Peter Liechti con la única intención de retratar su industrializada Suiza natal. El argumento –como en otros de sus experimentos cinematográficos– no tiene una forma lineal y tampoco sigue una narrativa convencional; Liechti delinea un mundo a través del paisaje geográfico y el sonido del dúo experimental suizo Voice Crack.

Formados a finales del año 1972 por Andy Guhl y Norbert Möslang, Voice Crack fue un dúo de free jazz hasta que comenzaron a incorporar efectos de cinta magnética y hacer uso del procesamiento de sonido en directo. A partir de 1983 eliminaron toda instrumentación en favor de lo que ellos mismos llamaron "electrónica crackeada", a saber: objetos cotidianos, transmisores, máquinas de escribir –que una vez manipulados– les ofreciera la libertad para producir nuevos sonidos mediante un sistema controlado por los movimientos de sus cuerpos y la luz. A menudo la música resultante ha sido comparada con los primeros conciertos Fluxus y algunas de las obras de John Cage. De lo que no cabe duda es que su música ofrece el acompañamiento perfecto en la búsqueda de Peter Liechti por el detritus de nuestra cultura y esa fatalidad del progreso.

• "Kick that habit": Peter Liechti + Voice Crack

Tristan Perich, "1-Bit Symphony"

Siguiendo la idea de su antecesor, Tristan Perich ha compuesto una nueva pieza electrónica a 1-bit, esta vez con cinco movimientos en género sinfónico. La obra se materializará en un circuito electrónico ensamblado dentro de una caja de CD que ejecuta la música en lugar de reproducirla. Es un álbum en sentido literal pero no es una grabación, sino un objeto que ejecuta música previamente programada y que puede escucharse gracias a una salida minijack.

"1-Bit Symphony" (Cantaloupe Music) saldrá a la venta el 24 de agosto del 2010 pero ya pueden reservarse copias a través de Bang on a Can.

Recordemos que Tristan Perich presrentara en el Sónar 2010 su obra "Active Field", para 10 violines y 10 calanes de electrónica a 1-bit. La agrupación BCN216 interpretará la composición en otras dos ciudades catalanas.

June 17, 2010, 17:00 (39€)
SonarHall, Montalegre, 5
Barcelona

June 19, 2010, 21:00 (10€)
Auditori of Girona (Sala de Cambra)
Girona

June 22, 2010, 21:00 (10€)
Teatre Bartrina, Placa del Teatre, 1
Reus

Squarepusher: "Delta-v"

En astrodinámica delta-v es una medida escalar para la cantidad de "esfuerzo" necesario para llevar a cabo una maniobra orbital, el cambio desde una órbita hasta otra. El valor temporal de la delta-v es la cantidad de la aceleración, es decir, el empuje por kilogramo de la masa del cohete en ese momento. El valor real de la aceleración es la suma del vector gravedad y el vector empuje.

Música: Tom Jenkinson (Squarepusher)
Vídeo dirigido por ZCFL

10 álbums seleccionados por Carlos Casas

El acto de protesta que llevó a Serge Gainsbourg a quemar un billete de 500 francos

El 11 de marzo de 1984 el compositor francés Serge Gainsbourg protagonizó un curioso acto de protesta para denunciar los altos impuestos sobre la renta y la inflación galopante que sufría el país quemando un billete de 500 francos ante millones de telespectadores. En respuesta a las preguntas de los periodistas Erik Gilbert y Jean-Louis Burgat, el polémico cantautor sacó de su bolsillo el billete de mayor valor para mostrar "lo que queda de el una vez los impuestos han cobrado su parte". El gesto además de ilegal fue considerado de mal gusto, más en una época en el que el desempleo era alto. Aunque hay quien ha querido ver en ello un gesto artístico para hacer hincapié en la inutilidad intrínseca del dinero. 26 años después esta accion forma parte de la memoria colectiva del pueblo francés, incluso generando una leyenda urbana que asegura que el billete era falso.

• El acto de protesta que llevó a Serge Gainsbourg a quemar un billete de 500

El underground espectral de oOoOO

Repateándose la blogosfera con la misma obstinación con la que rebuscábamos en las recónditas estanterías de las tiendas de discos de antaño, uno puede hallar proyectos tan interesantes como oOoOO. No ha hecho falta merodear demasiado porque la revista The Wire nos ha puesto en la pista de este sorprendente artista californiano, que a veces actúa como dúo, al hablarnos de un CD-R homónimo publicado por Disaro. El formato físico llega después de haber compartido durante un año sus canciones en internet. Su música es oscura y su imaginería críptica como códigos masónicos. Un halo de misterio entela sus canciones, a la vez que una belleza melancólica nos cobija cual hipnotizante parabrisas bajo la tormenta.

En una reciente entrevista a Vice Magazine, oOoOO cuenta que un amigo les dijo que "sonaban como la música de una escena de película en la que un hombre ha entrado en un abarrotado restaurante en Mumbai y ha disparado a todo el mundo. Y ahora está caminando, a cámara lenta, bajo una intensa lluvia, a media noche, a través de las mugrientas calles de la ciudad, llorando y torturado por los remordimientos de lo que acaba de hacer." Y de ahí surgió el título de “Mumbai”, que junto a otros cinco temas impronunciables conforman el citado CD-R de edición limitada ya inencontrable. The Wire los emparenta con las power ballads de los 80, con DJ Screw y con John Oswald por su apropiacionismo en piezas como "Pckrfcrmx", en la que reconoceréis el "Pockerface" de la omnipresente Lady Gaga. Aunque yo diría que harían mejores migas con V/Vm que con Oswald.

Podéis descargar algunas de sus canciones gratuitamente en The Hype Machine. Y en formato físico creo que aun quedan copias de un 7" compartido con White Ring publicado por el sello Emotion y en el que figura "Seaww". Y precisamente escogemos este tema como colofón porque su videoclip ha sido realizado nada más y nada menos que por Daniel Lopatin, el artista repsponsable de Oneoxtrix Point Never.



OrganOOn: "hackeando" el espacio publico

Electrified 02 – Hacking Public Space es el nombre con el que el S.M.A.K. (Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Gante) y el centro de arte Vooruit han propuesto para hackear la ciudad de Gante con intervenciones artísticas no anunciadas. El proyecto que fue inaugurado el pasado 3 de abril y que se extenderá hasta mediados de junio, además de sondear los límites entre los diferentes ámbitos del arte y el modo en que los artistas trabajan en el espacio de dominio y uso público, es también un análisis de las diferentes tendencias que han mantenido en boga durante los últimos años el concepto de 'espacio público'. Entre todas las presentadas hasta hoy, cabe destacar la obra OrganOOn donde la autora Roberta Gigante examina "las frecuencias de resonancia de diversos objetos y cómo el sonido se comporta como una 'imagen'". Se trata pues, de un inmenso órgano formado por doce tuberías de metal que una vez amplificadas dan un imponente efecto monofónico.

Nueva sesión de brut-rock a cargo de Zs

Como álbum estelar ha calificado The Wire el nuevo trabajo del trío neoyorquino Zs. La revista cree acertado el uso de la electrónica que han incorporado en sus grabaciones desde su predecesor "Music Of The Modern White" (The Social Registry, 2009). El inclasificable "New Slaves" (The Social Registry) se acontece como otra interesante plasmación en estudio del vigoroso potencial de un trío que bebe de fuentes tan heterogéneas como el free jazz, el punk o el rock progresivo, y cuya música ellos mismos describen como un desafío a los límites físicos y mentales del intérprete y del receptor.

Cuentan que el minimalismo repetitivo y disonante que Zs lleva forjando desde el 2000 suele apreciarse mejor en directo. Algo que quienes asistieron a la última edición del Primavera Club pudieron comprobar. Así que para complementar la recomendación discográfica, dejo aquí una actuación que realizaron en un jardín de Austin durante el SXSW 2010.

Craftsman Music Experiment

Puede que una de las publicidades más creativas de los ultimos tiempos sea la que ha unido en un mismo anuncio al músico Kutiman y a la empresa de máquinas y herramientas pesadas Craftsman. Obra de la agencia de publicidad Young & Rubicam Chicago, el anuncio consiste en el ensamblaje de fragmentos de herramientas en funcionamiento, mezclados y editados hasta llegar al sorprendente resultado final... Y es que toda construcción es como una hermosa composición musical, siempre y cuando se utilicen las herramientas Craftsman.

10 álbums seleccionados por Tristan Perich

Fallece el pianista y compositor Hank Jones

Hank Jones, una de las últimas leyendas del jazz, falleció ayer a los 91 años de edad en un hospital de Manhattan a raiz de las complicaciones de una breve enfermedad. Hermano del baterista Elvin Jones y del trompetista Thad Jones, con la figura de Hank Jones se nos va un testigo privilegiado de la historia de la música moderna, uno de los pocos músicos que a lo largo de su dilatada trayectoria tocó con figuras clave del jazz como Art Tatum, Teddy Wilson, Coleman Hawkins, Charlie Parker, Miles Davis, Lester Young, John Coltrane y Ella Fitzgerald entre otros; amén de haber protagonizado un sinfín de anécdotas y momentos que han pasado a la historia: fue él quien el 18 de mayo de 1962 acompañó a Marilyn Monroe en el "Happy Birthday Mr. president" al por entonces presidente estadounidense John F. Kennedy.

En palabras de su representante, "el mundo del jazz está consternado, era un gigante, uno de los últimos de su generación". La música pierde así a uno de los grandes nombres de la historia del jazz, un hombre que aún a pesar de sus 91 años, gozó hasta los últimos días de su vida del incalculable don de la actividad.

Eberhard Kranemann y "NEU! 72 live - non-public test"

Tal y como anunciamos, Grønland Records acaba de publicar el catálogo completo de Neu! en una exquisita edición limitada en vinilo. Lo más destacado de esta publicación es la inclusión del álbum "Neu! 86" y del Ep "Neu! '72 Live in Dusseldorf", dos rarezas que hasta ahora han circulado de manera no oficial a través del sello japonés Captain Trip Records, y sin el consentimiento de Michael Rother. Este última referencia ha sido rebautizada como "NEU! '72 non-public test" porque no es exactamente un directo, sino la grabación de los ensayos del dúo de Dusseldorf junto al multiinstrumentista Eberhard Kranemann para llevar a los escenarios su música de estudio en una serie de conciertos que tuvieron lugar durante ese mismo año.

De este polifacético artista hemos encontrado una interesante entrevista que alguien ha publicado en Youtube y que hasta la publicación de este solo han visto 100 personas. Eberhard Kranemann habla de su paso por Kaftwerk, donde tocó la Hawaiian guitar entre 1967 y 1971, y de su porterior relación con Neu!. Estas contribuciones sucedieron después de interesantes proyectos como la formación Pissoff, que tanto gustó a Joseph Beuys. Posteriormente llegarían más iniciativas musicales como su alter ego Fritz Müller y colaboraciones con músicos de la talla de Nurse With Wound o Faust.

En la siguiente entrevista, Eberhard Kranemann improvisa sobre "NEU! '72 non-public test" con la Hawaiian guitar original que utilizó con Kraftwerk y Neu!. Y si no te has hecho con la "Vinyl Box", debes saber que está íntegramente disponible en Spotify.

Cuando las portadas adquieren vida propia

¿Alguna vez has imaginado como sería la animación de tu portada favorita? Pues bien, alguien con mucha imaginación y tiempo como para llevar a cabo la idea ha creado Animated Albums, una web donde algunas de las portadas más conocidas de la música popular adquieren vida propia. Un proyecto que posiblemente haya tenido en el hilarante vídeo producido por Ugly Pictures bajo el título de Album Cover Wars una fuente de inspiración.

• Cuando las portadas adquieren vida propia

La música a 1-bit de Tristan Perich

El compositor y artista sonoro neoyorquino Tristan Perich presentará en Barcelona "Active Field", una pieza para 10 violines, 10 canales y un circuito 1-bit, para la cual contará con la colaboración de la orquesta local BCN216. La cita tendrá lugar el jueves 17 en el Festival Sónar en su edición Barcelona.

Tomando este evento como excusa, hoy rescatamos uno de los proyectos más notorios del artista. "1-Bit Music" (Cantaloupe, 2008) es un singular álbum-objeto publicado por Cantaloupe Records en el 2008 en una edición limitada de 1.000 copias cuyas existencias fueron agotadas de inmediato. Su particularidad reside en que es una caja de CD que contiene un circuito electrónico que produce una composición del autor de 40 minutos a 1-bit, la más baja representación de audio digital concebible. Se trata de un objeto híbrido entre el álbum musical y el objeto sonoro que puede escucharse a través de una salida de auriculares mini-jack.

Para hacernos a la idea sobre las limitaciones acústicas de esta mínima unidad de datos, recordemos que la mayoría de música electrónica utiliza como mínimo información de 16-bits. Los ordenadores primitivos y consolas como Game Boy utilizaban sonido 8-bits, mientras que el uso de 1-bit suele estar limitado a despertadores u otros electrodomésticos.

Tristan perich actuará en el Sónar 2010

Sun Boxes, una escultura sonora en el desierto de Nevada

Sun Boxes es un intento por crear paisajes sonoros explorando las posibilidades ofrecidas por la naturaleza. Obra del artista Craig Colorusso, la instalación consiste en una veintena de altavoces equipados con placas solares y pequeños loops de guitarras que operan de forma independiente, dispuestos de tal forma con la intención de establecer una percepción nueva del lugar gracias al sonido. El contexto elegido es la ciudad fantasma de Rhyolite (Nevada) y la pieza se desarrolla en función tanto de la cantidad como de la duración y características de la luz natural; con los primeros rayos de sol los sonidos de guitarra se manifiestan a través del inmenso espacio del desierto para detenerse una vez el sol se pone.

"Cosmogramma" de Flying Lotus viene acompañado de una aplicación interactiva

Como la importancia de las portadas se ha visto debilitada en los últimos años por la hegemonía del formato digital, resulta interesante fijarse en las iniciativas que llevan a cabo algunos artistas para potenciar la creaciones visuales vinculadas a sus obras. El pasado día 3 de mayo tuvo lugar el lanzamiento oficial de Cosmogramma (Warp), el esperado nuevo álbum de Flying Lotus, y ha llegado acompañada de una aplicación gratuita de "realidad aumentada" (con un muy merecido "entre comillas"). Si descargas "Cosmogramma Fieldlines" apuesto a que interactuarás con él durante un minuto y que inmediatamente lo borrarás de tu disco duro. Pero a falta de objetos terrenales con los que recrear nuestra vista, bienvenido es.

"Cosmogramma Fieldlines" ha sido desarrollado por Aaron Meyers con música de Flying Lotus, y la colaboracion de la arpista Rebekah Raff. Está basado en el artwork de Leigh J. McCloskey.

• Descarga "Cosmogramma Fieldlines"

La caótica percusión de Alberorovesciato

En cierta ocasión –durante una entrevista para Coda magazine– a Han Bennink le preguntaron por su heterodoxo enfoque a la hora de elegir sus instrumentos de percusión y en especial a la caja de pizza utilizada en su dúo con Eugene Chadbourne. A lo que contestó: "ya no necesito una enorme batería, tampoco un kit de campanas, platillos, gongs o mierdas similares. Cualquier cosa de aquí o de allá, una cuerda encontrada en la calle o una caja de cartón de detrás del escenario... Lo más interesante para mí es el sonido y no el instrumento en sí; los sonidos están por todas partes y lo único que varía es su contexto. Cuando toco suelo utilizar las baquetas para que el público escuche la diferencia que hay entre los sonidos de una batería o el de un bote de basura, una caja de pizza, etc... Esa es la idea".

Una idea que tiene en el dúo italiano Alberorovesciato a un claro exponente y que hará las delicias de los entusiastas de la percusión más explosiva con una propuesta tan caótica como acorde al título de su último album: Tigers on Acid in the Hell of the Brushwood. Vía WFMU's Beware of the Blog

• Myspace de Alberorovesciato

Spotify se introduce en las redes sociales

El pasado martes se anunció la versión 0.4.3 del cliente Spotify con una substanciosa lista de novedades que la convierten en la mayor actualización hasta ahora. La más destacada es sin duda su conversión en red social. Con Spotify ya podemos hacer público nuestro perfil, enviar canciones a nuestros amigos a través de un inbox, o consultar y compartir playlists. Para ello la empresa sueca ha utilizado el potencial de Facebook para que los usuarios entren en contacto los unos con otros.

Suena interesante pero en realidad no ofrece nada que no pudiéramos hacer anteriormente con un par de clics de más. La buena utilización de las redes sociales nos aportan muchas ventajas, pero su abuso puede resultar un estorbo. Así que habrá que esperar para ver si realmente vamos a sacarle provecho a todo esto o simplemente va a funcionar para que Spotify pueda pescar nuevos clientes a través de la difusión viral.

Si hasta ahora la hegemonía de iTunes era la principal afectada por la gran aceptación que ha tenido Spotify, ahora es Last.fm quien también podría verse dañada. Esta nueva versión supone un gigantesco paso hacia el uso social de la plataforma musical e indica una gran voluntad de expandirse hacia estos lares. El programa de Apple también recibe otro golpe debido debido a que Spotify 0.4.3 permite importar y reproducir los ficheros musicales de nuestro ordenador. Por lo tanto, la molestia de tener abiertos dos reproductores podría desaparecer próximamente para decantarnos exclusivamente por el más completo de los dos, es decir, Spotify.

Con todo esto se le han visto los colmillos al lobo, pero no la dentadura. Estas novedades son un primer movimiento hacia unos ambiciosos objetivos que a largo plazo pueden condicionar seriamente nuestra usabilidad. Las opciones que nos ofrecen todavía son muy limitadas y por ahora no será necesario jubilar nuestro iTunes ni prescindir de Last.fm. Antes de seguir innovando, les animaría a perfeccionar las funcionalidades existentes. Seguimos echando en falta poder organizar mejor nuestros playlists.

• Perfil de Retroriff en Spotify 0.4.3
• Retroriff en Last.fm

Se anuncia la publicación de material inédito de Neu! y la remasterización de su discografía

El dúo formado en 1971 por los ex-Kraftwerk Michael Rother (guitarra) y Klaus Dinger (batería) apenas publicó tres álbums. Aun así, el legado que dejó la banda de Düsseldorf puede considerarse como una de las referencias más importantes no sólo del Krautrock sino de la historia de la música. Una herencia que cuatro décadas más tarde vuelve a estar de actualidad gracias a la publicación el próximo 10 de mayo de "NEU! Vinyl Box". Se trata de una edición limitada que publica Grønland con una cuidada retrospectiva del trabajo de Neu!.

La caja incluye los tres álbumes de estudio del dúo – Neu!, Neu! 2, y Neu! 75 – así como un disco inédito "Neu! 86", grabado originalmente entre 1985 y 1986 y remasterizado para la ocasión por el propio Rother. Otra pieza inédita contenida en la caja es la composición de 18 minutos registrada en directo y que verá la luz por vez primera en formato maxi-single con el título de "Neu! 72". Además de los vinilos el pack tendrá un código que permitirá la descarga directa en formato digital del todo el contenido, un libro de 36 páginas con artículos y reportajes fotográficos de Anton Corbijn y Peter Lindbergh, una camiseta y una colección de pegatinas con logotipos de la banda.

• Más información en la web de Neu!

James Leyland Kirby en el Espacio Cultural Caja Madrid (Barcelona, 23/IV/2010)

Conociendo los proyectos a presentar de James Keyland Kirby y siendo advertidos de su previo espectáculo en Madrid, no esperábamos de su concierto en Barcelona más que a un personaje políticamente incorrecto que se limitaría a ejecutar un playlist desde su laptop acompañado de Jorge Ballarin como responsable de las visuales. Y así fue, un Kirby con atuendos a lo Martin Rev nos introdujo en su obra memorística confesando que no recordaba, paradójicamente, nada de lo acontecido durante la última semana debido al abuso de alcohol, e invitando al personal a dar continuidad al desmadre una vez terminado el ¿directo?. Ciértamente la única interpretación instrumental de este exéntrico autor fue darle al play a una lista de canciones pertenecientes a los álbumes de The Caretaker y Leyland Kirby, Teniendo en cuenta que éstos son proyectos con escasos pasajes vocales, nos sorprendió cantando una canción con el habitual filtro de voz estropeado de V/Vm, firma desde la cual pervertió en su día un sinfín de hits poperos como el célebre "Lady in Red" o el irritable "Forever Young".

El concierto consistió en la reproducción de seis o siete temas largos con iTunes u otro software similar, algunos más acordes con The Caretaker y otros con Leyland Kirby, aunque no resulte clara su delimitación. Paisajes urbanos entremezclados con fotografías autobiográficas — que para nuestro infortunio se repetían una y otra vez — como interpretación visual de su evocación a la memoria, la suya en concreto. La misteriosa belleza de estos nostálgicos mashups requieren una cierta sensibilidad que se veía contrastada con la actitud de rockstar que profesaba el resacoso músico, acentuada con sus enormes gafas de espejo y su camiseta plateada de spantex. Explicado así no resulta muy atractivo, pero al que escribe el show le resultó suficientemente interesante.

A la salida algunos asistentes se sentían indignados por la falta de música en directo. Pero eso es pedirle peras al olmo. La propia naturaleza del computerized ambient releva a un segundo plano la interpretación en directo. Así que poco importa si estamos escuchando un CD o la mezcla a tiempo real de pistas pregrabadas. Al fin y al cabo el aura presencial del artista y la predisposición receptiva del público es lo que conforman la experiencia musical del directo. La tradición conciertística nos conduce a mirar hacia el artista y exigirle que suceda algo en ese instante y de manera irrepetible. Pero este comportamiento en la música hecha con ordenador sólo provoca frustración en el espectador, por muy buenas que sean las visuales. Este instrumento musical todavía tiene pendiente que nos desvinculemos de esa actitud heredada de otros géneros para los que sí resulta adecuada. Apuesto a que Kirby sabe que lo que más molesta es que nos engañen y no trató de disimular su inactividad Sentado en una mesa con la cabeza reposando sobre su mano y observando las proyecciones como un espectador más, el músico parecía indicarnos que sus directos pueden resultar absurdos si olvidamos que sirven para generar una situación a la que acudimos para prestar atención a cierta música durante un cierto tiempo, y en donde nuestra predisposición a la receptividad es superior a la de nuestros hogares.

• 10 álbums seleccionados por James Leyland Kirby

Music For Real Airports (2010)

Corría el año 1975 cuando Brian Eno –estando en el aeropuerto de Colonia– concibió su célebre "Music for the Airports", trabajo seminal que a la postre se convertiría en el origen del ambient. Al parecer en aquel espacio arquitectónico se preguntó qué tipo de música debía ser reproducida para no pertubar el sonido del entorno, una suerte de amalgama sonora que armonizase los distintos ruidos de todos los ambientes allí creados. Cuarenta años después se presenta "Music For Real Airports", un proyecto que bien podría considerarse la continuación de la obra de Eno, al menos al intentar convertir los aeropuertos en referentes claros de lo que se conoce como no lugares. Es decir, aquellos lugares de transitoriedad que no tienen suficiente importancia para ser considerados como lugares.

Durante tres años la banda The Black Dog realizó 200 horas de grabaciones en distintos aeropuertos. De esta cantidad de contenido sonoro y de la colaboración con el artista visual Human surge un proyecto que intenta hacer de todos los ruidos un todo y con ello examinar la naturaleza de los aeropuertos. "Music for Real Airports" se inauguró el pasado 24 de abril de 2010, en la Galería de Arte Millenium de Sheffield.

Descarga gratis el primer álbum de Fiera, alter ego de Pony Bravo

Fiera es un interesante proyecto liderado por Pablo Peña, bajista de los sevillanos Pony Bravo, y compuesto por los mismos integrantes de su otra formación. Si tuviéramos que elegir un género para etiquetar este álbum en nuestro iTunes, probablemente la más acertada sería post punk. Así también lo han creído ellos, y citan como influencias directas bandas como The Fall, PIL, Suicide, Liquid Liquid, Pere Ubu o Palais Schaumburg, y grupos nacionales como Derribos Arias y Parálisis Permanente. También se percibe el rastro de Einsturzende Neubaten en los instrumentos que conforman el sonido de Fiera, entre los cuales podemos escuchar aspiradoras, tubos de PVC o placas de chapa.

La primera presentación de Fiera tuvo lugar en Sevilla en agosto de 2008, donde el público pudo oír las primeras versiones de las canciones de Pablo Peña, cantante, bajista y autor principal del proyecto. Tras 3 años de preparación, Fiera lanza su primer LP, grabado por Raúl Pérez en su estudio La Mina. “Déjese llevar” (2010) ha sido editado por El Rancho Casa de Discos, empresa formada por los componentes de Pony Bravo para gestionar sus actividades. Al igual que el resto de material producido por El Rancho, “Déjese llevar”, está editado bajo una licencia Creative Commons y disponible para descarga de forma gratuita en la web del grupo.

La narración del tiempo en clave musical

¿Puede narrarse el tiempo, el tiempo en sí mismo, por sí mismo y como tal? No, eso sería en verdad una empresa absurda. Una narración en la que se dijera: "El tiempo transcurría, se esfumaba, el tiempo fluía" y así sucesivamente... Ningún hombre en sano juicio consideraría algo así como un relato. Sería, poco más o menos, como si se pretendiese mantener febrilmente una única nota, o un único acorde durante una hora y eso se hiciera pasar por música. La narración se parece a la música en que se desarrolla en el tiempo, "llena el tiempo de elementos con sentido", lo "subdivide" y con ello crea la sensación de que "pasa algo".

Texto: "La montaña mágica", Thomas Mann. Capitulo VII, Un paseo a la orilla del mar.
Música: "Quattro Pezzi"(1959), Giacinto Scelsi. Primo e Secondo Movimento. Vienna Radio Symphony Orchestra diretta da Peter Rundel.

Nike+ Free Run y el breakbeat de Hifana

Aunque no lo parezca, lo que sigue es una actuación en directo del dúo japonés de breakbeat Hifana. Forma parte de la campaña ideada por la agencia Wieden Kennedy para promocionar las nuevas Nike+ Free Run y sus innovadores y flexibles materiales. Para llevar a cabo el experimento han precisado la colaboración de Tomoaki Yanagisawa en el desarrollo de un hardware que conecta (mediante membranas flexibles) las zapatillas con la programacion y el diseño de sonido de Daito Manabe.

La música del luto

La semana negra. En estas páginas llevamos informando sobre las muertes desde la semana pasada (McLaren, Reid) y ahora el accidente trágico en Polonia. Los que atestiguamos esa catástrofe, sin duda enorme y dolorosa, podemos también observar unos fenómenos culturales insólitos. Como parte de las exequias, los medios de comunicación en Polonia celebran su “luto nacional”, de facto, oficialmente declarado por el presidente en funciones. La ley precisa las formas institucionales de esta situación extraordinaria, aunque no detalle las formas del comportamiento, ni de estética de duelo tras la muerte de decenas de políticos y cargos estatales. Ante este vacío, los ciudadanos, como siempre, “espontáneamente” interpretan lo ocurrido. O más bien debemos decir que durante el luto son los medios de comunicación que deciden sobre los colores, matices, ademanes y – como no – tonos musicales.

Y la música del luto es...clásica. Según la radio nacional que en los primeros días del shock tras la catástrofe, se limitaba a poner las condolencias separadas por las marchas fúnebres en un constante loop, las inmortalizadas obras “mortales” de Albinioni, Chopin, Mozart...De pronto hay un solo réquiem, un solo nocturno, un solo adagio. Los cinco canales, normalmente con programación musical muy delimitada y diversificada – desde Ricky Martin en la 1, Pearl Jam en la 3 hasta Jordi Savall en la 2 – de repente pierden su capacidad de distinción, selección, sintonización y proyección. El tono exclusivo es solemne, patriótico, austero y sobre todo lento, porque a ninguno de los programadores le cabe en la cabeza que el ritmo de las canciones/piezas podría ser más que moderatoestos días. Las emociones del pueblo deben encauzarse en la “reflexión, silencio y memoria”. Más fuerte que nunca oímos el desgarrado romanticismo en exclusiva para la banda sonora de la tristeza nacional, aunque de la programación normal haya sido casi desterrado, salvo las radios especializadas “clásicas”.

Días después el ambiente social empieza a corromperse. ¡Y la música también! La crispación del pueblo alrededor del entierro del fallecido presidente (se merece o no el panteón nacional) parece abrir las heridas y antiguas antipatías. Las radios más comerciales “se atreven” con las pálidas baladas de Madonna (“Bedtime Stories”), el llanto ñoño de George Michael “I’m Never Gonna Dance Again”, las confesiones de corazones adolescentes “It Must Have Been Love” de Roxette o incluso recuerdan los antiguos hits de Marillion “Kayleigh, is it too late too say I’m sorry”…Los éxitos consagrados pop, nada de novedades. Como si la muerte nos hiciera viajar en los tiempos. La radio nacional 3, antes más “indie”, ahora pone “el grupo más triste del mundo” – Radiohead intercambiándolo con Sting o...Simply Red . La radio 2 vuelve a su afición de música antigua, pero solo en clave ars sacra.

A la pérdida de personas habrá que añadir la pérdida de amor por la música. Falta lenguaje para describir tanta desgracia, ¿pero que falte lenguaje musical para acompañar este acontecimiento? La política del luto refleja la moderna incapacidad de percepción de la música de forma integrada, sin “alta”, “baja”, “clásica” o “folk”. En tiempos de crisis como ésta la vuelta al siglo XIX parece ser la única consolación a las almas en pena. O más bien su exasperación.

Los clichés, las etiquetas y la pauperización de la estética contemporánea llegan a triunfar a pesar de numerosas despedidas que fueron anunciadas a lo largo de las últimas décadas a estas exclusiones, clasificaciones y encierros de antaño. El puritanismo eclesiástico se impone irremediablemente y poco podemos hacer, incitados por las voces mediáticas para bajar las cabezas y echarnos cenizas. Junto con la cancelación de todos los conciertos, obras de teatro y películas en cine durante esta semana negra, la sociedad en luto se niega a sí misma experimentar una katharsis, encerrando sus sentimientos en una jaula romántica. Ya no conviene el jazz que tantísima carga emocional tiene precisamente en el país polaco, tampoco podemos expresar nuestras emociones más fuertes con rock... ¿Acaso ante la muerte no sentimos más que solemnidad a tempo moderato? ¿Es verdaderamente la música puramente estética y cuando hace falta condecorar la muerte con unos sonidos, los únicos predestinados a esta tarea son los temas lentos?

En el entierro de las víctimas este domingo en Cracovia tocarán los Filarmónicos de Berlín. Ojalá escuchemos algo más que el Requiem de Mozart.

• Radio Nacional de Polonia

Componiendo música con estructuras 3D

Sonic Wire Sculptor es una aplicación de composición musical creada en el 2003 por el artista digital Amit Pitaru. En su día fue presentada en numerosos centros de arte internacionales y posteriormente ofrecida gratuitamente a través de ejecutables para PC y Mac. Podríamos definirla como un programa de modelado 3D alámbrico con el que obtenemos unos pictogramas musicales que podemos escuchar y manipular a nuestro antojo.

Siete años después nos llega una versión adaptada para iPhone OS que aprovecha las ventajas de las pantallas táctiles, y que además del teléfono Apple, podrá ser usada cómodamente desde su primo Zumosol, el afamado iPad. Para ello su autor ha contado con la colaboración de Zach Gage, responsable de otras interesantes aplicaciones para iPhone como por ejemplo synthPond.

Sonic Wire Sculptor ha sido recodificado con ofxIPhone y librerías de código abierto openFrameworks. Está disponible en la App Store por 2,99€. Vía Boing Boing.

10 álbums seleccionados por Anki Toner

Fallece el baterista Steve Reid

Esta mañana DJ Gilles Peterson daba la triste noticia a través de Twitter: "Me encuentro devastado por la muerte de mi amigo Steve Reid. Una verdadera inspiración que echaremos mucho de menos". Aunque frecuentemente fuera considerado como un baterista de jazz, la carrera Reid destaca por su variedad de registros, una pluralidad que en la década de los sesenta le llevaría a formar parte de Martha And The Vandellas y a ser un fijo como músico de estudio en Motown. Ya en los setenta se codearía con lo más granado del jazz, desde Sun Ra hasta Ornette Coleman pasando por la banda de Miles Davis, amén de otras figuras prominentes en la música popular como James Brown y Fela Kuti. Como lider de banda también publicaría varios álbumes, algunos de ellos a través de su propio sello Mustevic. Del 2005 y 2007 son respectivamente "Spirit Walk" y los dos volúmenes de The Exchange Session, ambos en colaboración con el músico londinense Kieran Hebden.

Nuestro pequeño homenaje es de la que según mi opinión es su mejor grabación, Lions of Judah, una maravilla que resume perfectamente la energía espiritual de la escena de Nueva York en la mitad de los años 70 y el genio de Steve Reid.

Tocadiscos convertidos en esculturas cinéticas

Las esculturas sonoras del artista Stephen Cornfold exploran las posibilidades acústicas, tímbricas y estéticas que nos ofrece la materia. Mediante la mecanización automatizada de instrumentos musicales, electrodomésticos y cualquier tipo de objetos, construye unas instalaciones que pueden contemplarse con el oído y escucharse con la vista. Entre su catálogo figuran guitarras y bajos eléctricos giratorios cuyo sonido es extraído a través del movimiento eólico (Three Piece), orquestas de walkmans y guetto blasters (SSCD_6.1), o pianos que recogen las vibraciones que emiten cuerdas de guitarra frotadas con arcos mecanizados (Extended Piano).

La serie Works for Turntable (2009) está formada por objetos ensamblados con tocadiscos, cuyo movimiento rotatorio genera timbres y ritmos repetitivos y aleatorios, que son auscultados y ampliados por las cápsulas del reproductor a modo de estetoscopio.

Muere Malcolm McLaren, padre del punk

Malcolm McLaren, el considerado padre del punk y célebre por su condición de agente de los Sex Pistols, ha fallecido hoy en Nueva York a los 64 años tras una larga lucha contra el cáncer. Nacido en el norte de Londres en enero de 1946, el inicio de su carrera se remonta a 1968 cuando siendo un estudiante de Arte claramente influenciado por Guy Debord viaja a París para participar en las manifestaciones estudiantiles del Mayo Francés. Más adelante y ya en Inglaterra formaría parte del colectivo nihilista King Mob, el cual estaba relacionado con los situacionistas franceses. Posiblemente con ideas derivadas del situacionismo empezó a promocionar a grupos anónimos, y en consecuencia a derribar las barreras musicales entre creador y consumidor con lo que posteriormente se conocería como punk: en 1974 fue agente de los New York Dolls, pero no fue hasta un año después que se hiciera cargo de los Sex Pistols. Con la banda de Johnny Rotten grabó "God Save the Queen", canción que contra pronóstico llegó al número uno en 1977. Descanse en paz.

Bollywood 1982, cuna del acid

Dicen que la historia siempre está por escribir y la música electrónica no es una excepción. Hasta ahora el relato oficial ha situado los orígenes del techno en los 80 de Detroit con Juan Atkins y compañía. Con el reciente descubrimiento de Charanjit Singh, habrá que añadir un anexo que deje constancia que simultáneamente en la India se gestó una música similar, nada más y menos que en 1982.

El sello Bombay Connection ha lanzado una rareza arqueológica del compositor de Bollywood Charanjit Singh en un álbum titulado "Ten Ragas To A Disco Beat". Se trata de una colección de temas compuestos en 1982 para una banda sonora, y con la que pretendía fusionar las tradicionales ragas indias con la música disco. Charanjit utilizó un Roland TB303, instrumento por excelencia del acid-house, así como un TR808 y un teclado Jupiter-8. El resultado tiene un gran paralelismo con "Acid Track" de Phuture, pero aventajándose 3 años.

El álbum lo podéis encontrar en Boomkat.

MOON8, el "Dark Side Of The Moon" 8-bits

Hace poco vimos lo que significaba escuchar a Miles Davis si éste fuera un personaje de un
videojuego de Nintendo donde interpretara íntegramente el álbum "Kind Of Blue". Con la misma rigurosidad que su antecesor jazzero nos llega un "Dark Side Of The Moon" en 8-bits que esta vez ha desarrollado el músico y programador de videojuegos Brad Smith. MOON8 es el nombre del proyecto, descargable desde su página web, y organizado en dos únicos cortes, sin despedazar canciones, respetando la concepción original de la obra y el deseo de sus autores, según se ha hecho saber en el reciente pleito a EMI. Os dejo con "Money".

Where’s the Money George? (Mr. Oizo)

El productor y músico francés Mr. Oizo presenta este enigmático corto protagonizado por Pharrell Williams y el popular Flat Eric, conocido por sus diversas apariciones en videoclips así como en varios anuncios para Levi’s. Cuando muchos ya lo teníamos olvidado, el simpático peluche amarillo recupera su libertad tras pasar 10 largos años entre rejas. Desconozco si esto forma parte de un nuevo disco Mr. Oizo tras "Lambs Anger", una promoción viral de la marca de tejanos o algún proyecto de carácter cinematográfico...

Kaseo y su orquesta de Pikachus

Tomo como excusa la publicación en Youtube de sus últimas actuaciones para hacer una breve reseña de un músico e inventor de instrumentos cuyos vídeos son bien conocidos en los círculos geek. El personaje al que me refiero es japonés y responde al nombre artístico de Kaseo. Construye sus propios instrumentos modificando juguetes y manipulándolos mediante circuitos analógicos y controladoras MIDI.

Pikachu es su gran obsesión y con el cual se ha inspirado para diseñar una simpática colección de objetos musicales. Entre sus creaciones destacamos el Pikaremin, que como su nombre sugiere es un Pikachu de juguete cuyo mecanismo ha sido modificado para funcionar como un Theremin. Otro animalito interesante es el Ohenji Pikachu, con controladora, y sensible al tacto y al sonido, también existente en versión punk. Son muchos los ejemplos que podemos encontrar de estas criaturas en funcionamiento, y para ello os remito al canal Youtube del artista, a su pàgina web, y a su MySpace.

A continuación la primera parte de un directo reciente con su orquesta de Pikachus en el club La Mama de Tokio, y cuya segunda parte podéis ver aquí.

"To Have & To Hold", un film sobre vinilos

Supongo que debido al entusiasmo por el mp3 y la imparable ola tecnológica que arrastra a los soportes físicos hacia lo obsoleto, que cada poco aparece un nuevo documental para celebrar el rol que el vinilo ha supuesto en nuestras vidas. Con "To Have & To Hold" estamos ante el penúltimo proyecto que aparca la supuesta sentencia a muerte de este soporte físico, pare centrarse en un puñado de fieles que durante estos últimos años se han resistido a su inminente muerte. El documental, obra de Jony Lyle, incluye las entrevistas entre otros, del director de Blue Note Bruce Lundvall, el miembro de Rock Steady Crew Bobbito García, el pionero del uso del giradiscos como instrumento musical Christian Marclay, Chuck D, así como la del mayor coleccionista de vinilos del mundo.

Aún en fase de postproducción y sin fecha definitiva, su lanzamiento debería producirse en algún momento de este 2010.

Plastikman interactuará con el público mediante iPhones

Resulta lógico que si lo músicos utilizan ordenadores y el público acude a los conciertos con teléfonos tecnológicamente tan sofisticados como el iPhone, a alguien se le ocurra utilizar toda esa tecnología para que artista y público interactúen durante el espectáculo. Richie Hawtin es el artífice de un nuevo experimento que tiene previsto poner en marcha en su próxima gira 2010 Plastikman Live, en la que por cierto visitará Barcelona el 18 de junio en el Festival Sónar.

SYNK es la aplicación para iPhone concebida por Hawting y desarrollada por el equipo de M-NUS y RJ Fischer que posibilitará la participación de los asistentes a través de una red Wi-Fi. Mediante notificaciones push, el público será llamado a interactuar, y entre otras cosas podrá contemplar el evento en tiempo real desde la perspectiva del artista. A primera vista las funciones que ofrece el experimento no parecen muy atractivas y habrá que esperar la actuación del 27 de marzo en Mannheim para conocer mejor los detalles. Esto podría suponer una nueva memez más de Hawtin, o al contrario, abrir un abanico de nuevas posibilidades en disciplinas más interesante como son las artes escénicas.

Se anuncia el lanzamiento de Reactable Live!

Hasta hace unos meses apenas existían unas decenas de Reactables en el mundo; a excepción de la encargada por Björk para su gira mundial en 2007, el uso de cada una de ellas se limitaba a la exhibición en centros culturales y ferias tecnológicas. Tras años de promoción alrededor de todo el mundo y un sinfín de premios recogidos, Reactable Systems anuncia que la primera serie de su instrumento saldrá a la venta el próximo 30 de marzo en una limitada edición de veinte unidades. Con el nombre de Reactable Live! se presenta la versión móvil de la Reactable, con todas las posibilidades sonoras de la original pero en un tamaño óptimo para su uso en directo.

El precio de la Reactable Live! es de 9.700€ e incluye un set de 25 bloques musicales, una bolsa de transporte, además de soporte técnico y las futuras actualizaciones del software. Por si algún interesado lee esto que sepa que las reservas empiezan el día 29 a las 10 de la mañana, previo pago de 2.000€.

• Web oficial de Reactable Live!

El mostoletazo: Sonic Youth etcétera

Después de la gloria de Alcorcón ya es hora de Móstoles. Los municipios del extrarradio madrileño brillan con luz propia estos días y quién sabe si los augurios de los postmodernistas sobre el desplazamiento del centro a las periferias no se están cumpliendo ante nuestros ojos. El primer paso de Móstoles desde la declaración de guerra napoleónica hacia la gloria es fuerte, ambicioso y resonador, en el estricto sentido de la palabra. Desde el 2 de febrero hasta el 2 de mayo el nuevo y fascinante centro cultural de esta ciudad (Centro de Arte 2 de Mayo) acoge una exposición Sensational Fix. Sonic Youth etc. El modesto acrónimo pegado al altisonante titular, podría parecer un extra, mientras que en realidad es todo lo contrario – un simple fan del noise del grupo neoyorkino quedará deslumbrado con el esplendor de sus “etcéteras” exhibidos en la exposición.

Al entrar al enorme edificio de cuatro plantas, ocupado casi por completo por los objetos de la muestra, nos da la bienvenida en una pantalla, ni más ni menos que don Enrique Morente de Granada, invitado a cantar en la inauguración, en la que Lee Ranaldo daba golpazos a una guitarra colgante. Los aficionados a este instrumento clave en el movimiento noise podrán disfrutar de muchos más modelos expuestos por todo el espacio, sino que más atención llama es una guitarra en forma del columpio, cuyas cuerdas, maderas o clavos están amplificados y listos para darles unos zarpazos ruidosos.

Decir que la exposición exhibe el arte gráfico de un grupo de rock sería mentir: aquí podemos confrontar obras de 150 artistas americanos y europeos que no solo adornaron las portadas de los vinilos o pintaron carteles a propósito de unos shows, pero realmente influyeron en la vida y obra de los Sonic Youth. Los cuadros/grabados/collages/fotos colgados en casas de Thurston Moore, Kim Gordon o Lee Ranaldo, instalaciones de ellos mismos o sus amigos-artistas plásticos o audiovisuales, poesías de Allen Ginsberg, fotos de la camaleónica Cindy Sherman, memorias de Lydia Lunch, obras de las bandas no wave – The Lounge Lizards, DNA, Glenn Branca o de los gurus del conceptualismo como John Cage. Para que las sorpresas no acaben aquí, también se exhiben los escritos de los miembros (perdón, en este caso, miembras) del grupo que desvelan a Kim Gordon no solo como una activista del feminismo, sino también como una crítica feroz de la “madre” que la parió - New York: según ella, los neoyorkinos son tan “catetos” que para realmente sentirse apreciado hay que buscar el público en Europa...

Un piropo especial se merecen los organizadores del propio centro cultural de Móstoles que no se han limitado a reproducir esta exposición andante (con apariciones anteriores en Francia, Holanda o Suecia), sino la aprovisionaron con un abanico de actividades para niños, adolescentes, adultos y jubilados, organizando visitas guiadas por el espacio sonicyouthiano, proyectando películas sobre los movimientos artísticos de Nueva York cada viernes, montando un continuo show Reverse karaoke, en el que todo el mundo puede entrar en una jaima mágica y juntar sus arreglos a la aterciopelada voz de Kim Gordon o convocando los aficionados al juguetismo sonoro (como retroriff;) para un taller de Los Caballos de Dusseldorf. El propio grupo está también muy involucrado en las actividades didácticas y promocionales de esta muestra: siendo verdaderos “curadores” no solo van a venir pronto a España a tocar unos conciertos, sino que también invitan a grupos noveles como The Present para traernos un soplo de aire fresco desde Nueva York o, lo contrario, rescatar las joyitas que tenemos por estas tierras, como Macromassa de Victor Nubla que hace una semana dio un show memorable en el Centro Cultural Dos de Mayo junto a Bestia Ferida.

• Toda la información sobre la exposición

Instalación sonora con aspiradoras

No es la primera vez que en Retroriff hablamos de la aspiradora como instrumento musical, o si alguno lo prefiere dicho de otra manera, como generador de sonido para ser usado en composiciones musicales. En este otro artículo ya explicamos que Wolf Vostell utilizó este ruidoso electrodoméstico de manera recurrente desde 1964.

Sin embargo la instalación Harminochaos (2006) de Céleste Boursier-Mougenot utiliza lo que podríamos denominar aspiradoras preparadas. En las boquillas de 13 de estos aparatos la artista ha colocado armónicas en diferentes tonalidades, y cuyo sonido es alternado mediante un controlador que además regula su intensidad. El resultado es un recital de drones difícilmente reproducible por humanos.

Harminochaos fue expuesta en la galería londinense Paula Cooper del 19 de febrero al 13 de marzo del 2010. Via Rhizome.

El sonido de un bonsai (por Diego Stocco)

En un intento por explorar las posibilidades de su proceso de composición "Music From A Tree", Diego Stocco vuelve a la carga con una nueva e imaginativa pieza creada unicamente con un árbol del jardín de su casa, en esta ocasión un bonsai. La música que obtiene es el resultado de buscar todo tipo de sonoridades, ya sea frotando las ramas, agitando las hojas o bien percutiendo la corteza con la ayuda de un arco.

A diferencia de su primer experimento, la intención aquí es explorar sónidos más agudos que le ofrece el tamaño del árbol con la ayuda de micrófonos, pinceles, pequeños martillos y transductores piezoeléctricos. El propio autor asegura que para la realización de la pieza no se ha hecho uso de sintetizadores y samplers, tan solo los sonidos creados por el propio bonsai.

Roxy Music actuará en el Sónar Barcelona

Hoy se ha hecho público que en el Sónar Barcelona las viejas glorias van a ir encabezadaspor Roxy Music. El legendario estamento del art-rock actuará el sábado 19 de junio del Sónar Noche de la Ciudad Condal después de casi tres décadas desde su última visita. La actuación estará integrada por algunos pesos pesados de su formación oficial como son Bryan Ferry, Phil Manzanera, Andy Mackay y el baterista Paul Thompson. Lamentablemente no les acompañará Brian Eno, máximo artífice de los logros experimentales y estéticos de la banda, a pesar de haber colaborado en algunas de sus últimas grabaciones de estudio. Aún así el concierto supone un gran atractivo para el numeroso séquito de admiradores que los han convertido en un grupo de culto.

La banda británica, paradigma del art rock y el pop glamouroso y experimental de los años 70 y principios de los 80, interpretarán sus éxitos en Sónar de Noche. Roxy Music pueden presumir de una carrera en la que han experimentado con muchos estilos distintos: rock, pop, disco, glam, soul y detalles de electrónica primigenia. Su sonido se adelantó al punk, redefinió el glam, fue uno de los mayores estandartes del art rock y sirvió como punto de apoyo a otras sonoridades, desde el krautrock a la electrónica. Sus más populares hits siguen siendo referente de la música actual: desde Love Is The Drug a More Than This, pasando por Angel Eyes, Same Old Scene, Avalon o Jealous Guy.

Con esta sorpresa de última hora el festival Sónar cubre su habitual fracción nostálgica con nombres capitales, entre los cuales ya fueron confirmados Cluster o The Suharhill Gang. La ampliación de cartel ha sido acompañada con un nuevo clip promocional de la serie “Finisterrae”.

La vuelta a los escenarios de Atari Teenage Riot

Sorprende que un grupo que durante años se caracterizó por una dinámica autodestructiva y unos directos que no podían dilatarse mucho en el tiempo, anuncien a bombo y platillo su vuelta a los escenarios. Este es el caso de Atari Teenage Riot, una banda que si tuviste la oportunidad de sufrir en directo con su vendaval sónico y su actitud nihilista, estarás de acuerdo conmigo que tenía fecha de caducidad. Más aún después de la muerte por sobredosis de Carl Crack y la maternidad de Hanin Elias. Aun a sabiendas del riesgo que supone revivir al "monstruo" para una generación totalmente opuesta a la que se dirigió en primer lugar, Alec Empire desempolva su versión más apocalíptica y las tendencias musicales más extremas tras 10 años de su último concierto junto a ATN en el festival australiano Big Day Out.

A falta de algunas ciudades por confirmar la gira cuenta con 14 conciertos que tendrán lugar entre el 30 de abril y el 31 de julio de 2010. Paralelamente a la gira, la banda berlinesa anuncia la grabación de un nuevo tema ("Activate") que verá la luz el 17 de mayo de la mano de su propio sello Digital Hardcore.

30.04 Weltecho - Chemnitz (Alemania)
01.05 Donau Festival - Krems (Austria)
02.05 Orpheum - Graz (Austria)
03.05 Paradiso - Amsterdam (Holanda)
04.05 Kulturfabrik - Krefeld (Alemania)
05.05 PTR-Usine - Genf (Chequia)
07.05 CCM John Lennon - Limoges (Francia)
08.05 Antipode - Rennes (Francia)
09.05 Le Grand Mix - Tourcoing (Francia)
12.05 Electric Ballroom - London (Inglaterra)
14.05 Circolo Onirica - Parma (Italia)
15.05 Init - Roma (Italia)
24.07 Les nuits underground - Perpignan (Francia)
31.07 Castle Party - Bolkow (Polonia)

"Soft As Chalk" por Joanna Newsom

Joanna Newsom vuelve a la actualidad musical con "Have One On Me", un triple LP con 18 temas que la alejan de su anterior trabajo "Ys" (2007) junto a Van Dyke Parks y que ya ha sido aclamado como uno de los discos del año por numerosas publicaciones como el Nueva York Times o Los Angeles Times. El disco apenas lleva dos semanas en la calle y ya ha superado las 700.000 copias vendidas, lo que convierte a este nuevo trabajo en su mayor éxito comercial hasta la fecha y en todo un fenómeno de la música independiente.

Como promoción al reciente lanzamiento a Joanna Newsom se la pudo ver por el programa "Late Night With Jimmy Fallon" interpretando el tema "Soft As Chalk", en lo que fue su primera aparición en televisión desde el año 2005.

Emily Howell o la inspiración artificial

Corría el año 1980 cuando el científico y profesor emérito de la Universidad de California, David Cope, desarrolló un sencillo programa que pudiera sugerirle cómo continuar una composición cuando la inspiración le diera la espalda. Con el paso de los años, la revolución tecnológica y el consecuente aumento de la productividad, el originario software desembocó en un revolucionario sistema informático que permitía – a partir de una base de datos con obras de reconocidos autores – analizar todos los patrones, variaciones y pautas, para con ello "componer" material original. El algoritmo conocido como EMMY se basaba en tres principios: análisis y separación de las partes esenciales de una pieza, localización de características del estilo del autor y compatibilidad para la creación de nuevas obras.

Si EMI mezclaba los estilos obedientemente para acabar de componer las obras de su creador y EMMY obtenía música original aunque con claras influencias del material procesado, el siguiente paso debería dar con un compositor hecho y derecho: Emilly Howell. La diferencia esencial entre el programa Emily y su antecesor es el supuesto criterio musical del primero. Según su creador entre él y la máquina existe un diálogo que no existía con EMMY. "Yo le explico qué partes me gustan y cuáles creo que debe cambiar, aunque no siempre me hace caso". El método de trabajo es relativamente sencillo: Emily estudia las composiciones de cientos de músicos, compone y el profesor Cope juzga el resultado presionando o bien una tecla para dar el visto bueno a la creación, u otra para que sea modificada. Un proceso lento que implica entre 30 y 40 horas por pieza y que ha llevado a Emilly Howell a completar From Darkness, Light, composición en seis actos interpretada por dos pianistas humanos que será publicada en primavera.

Emily Howell - Composición #1

• Web de Emily Howell (David Cope)

Neurosonics en vivo: ¿Ciencia o ficción?

Lo que sigue es el segundo vídeo de la serie de realizaciones experimentales con sistemas antropomecánicos que el grupo Partizan Labs inició con el impactante Neurosonics Audiomedical. En la introducción nos dejan claro que todo fue interpretado en vivo, sin retoques ni ningún tipo de post-producción adicional: lo que ves es exactamente lo que el público vio.

Existen varias especulaciones acerca de cómo se realizó el "concierto"; mientras unos aseguran que todo es obra y magia del ingenioso sistema "Musion Eyeliner" que sincroniza música con hologramas, otros se aproximan a la ciencia ficción dando por hecho el uso de complejísimas técnicas más propias de la astronomía como es la interferometría. Los más escépticos se apoyan en el premio que recibió el director Chris Cairns (autor del vídeo) al mejor viral en Cannes 2006 para afirmar que no es más que un vulgar fake...

Sónar presenta la programación para 2010

Meses después de anunciarse la celebración simultánea en las ciudades de Barcelona y A Coruña, el festival Sónar ha dado a conocer su programación para 2010. La música británica tendrá un papel destacado en esta edición del festival con figuras del hip-hop underground de Londres, así como de las escenas locales de Birmingham, Glasgow y otras ciudades del Reino Unido: Dizzie Rascal, Mary Ann Hobbs, King Midas Sound, Fuck Buttons, Joy Orbison, Roska, Zomby, Broadcast, Necro Deathmort, etc… La oferta británica la completa Sónar Cinema con la proyección de Synth Britannia, documental sobre la influencia de la electrónica alemana en Inglaterra y que tuvimos oportunidad de ver recientemente en Retroriff.

El resto de la programación incluye entre otros a Sugarhill Gang, LCD Soundsystem, Chemical Brothers, Cluster, Jónsi (cantante de Sigur Ros) y el interesantísimo encuentro entre el compositor minimalista Phil Niblock y el artista visual barcelonés Carlos Casas.

• Programación Sónar 2010 (Barcelona)
• Programación Sónar 2010 (A Coruña)

Retrospectiva: "Home Taping Is Killing Music"

Resulta oportuno recordar la campaña contra la pirateria que en los 80 llevó a cabo la industria fonográfica británica para hacer frente a la amenaza que suponían de las copias en cassette. Todavía no podían imaginar los dolores de cabeza que el endemoniado internet les provocaría unos años más tarde, y que esa misma industria acabaría bendiciendo esa copia privada que por entonces condenaron.

Con la publicación en formato cassette de In God We Trust, Inc. (Alternative_Tentacles, 1981), Dead Kennedys dejaron bien clara su postura ante este supuesto problema. Vïa Hype Machine.

Scratch y manipulación sonora con cassettes

La aparición de ciertos proyectos están haciéndonos creer que el cassette vive una segunda juventud, al menos dentro de algunos circuitos artísticos. Este soporte de cinta magnética que tanto hicimos sonar antes de substituirlo con CD-Rs y archivos digitales, nunca llegó a desaparecer totalmente. Mientras en el continente africano parece tener todavía una fuerte presencia, tal y como sugiere el implescindible blog Awesome Tapes From Africa, en Occidente ha sobrevivido hasta ahora gracias a la marginalidad que le confieren escenas como el black metal, en la cual todavía se valen de este soporte para hacer circular sus maquetas.

Pero si decíamos que el cassette está siendo recuperado es debido a la aparición de sellos que publican su catálogo exclusivamente en formato cassette, como por ejemplo TapeWorn, el cual cuenta con autores de la talla de Phillip Jeck o Jean Baudrillard y que está agotando cada una de sus referencias. Pero también con el trabajo del artista Alexis Malbert, el cual ha centrado la atención hacia este formato gracias a su proyecto TapeTronic. Se trata de un espectáculo sonoro y visual realizado con la manipulación de radiocassettes y contestadores telefónicos arcaicos. Con sus scratch y otras acrobacias, Malbert nos despierta tanto asombro como nostalgia. Con proyectos de este calibre, no queda más que desearle una larga vida al cassette.

• Scratch y manipulación sonora con cassettes

10 álbums seleccionados por Francisco López

El proyecto musical de la pornostar Sasha Grey

Por si queda alguien que todavía no la conozca o no la quiera conocer, debe saber que Sasha Grey probablemente es a día de hoy la mejor pornostar del planeta. Pero ,lo más interesante de este singular personaje es que su carrera no se limita a la industria del porno, sino que se extiende a otros ámbitos como son la moda, el cine, o la música. Antes de centrarnos en esta última faceta, merece la pena saber de quien estamos hablando haciendo una breve reseña de su carrera pornográfica y de su estilo particular de hacer porno.

Sasha hizo su primera aparición en la pornografía a los 18 años e inmediatamente acaparó todas las miradas debido a que a su temprana edad se atrevió con todo tipo de géneros y parafilias extremas. Ass to mouth, gagging, throatfucking, slapping, gangbang o cumswap, son algunas de las prácticas que figuran en su currículum como actriz y que el consumidor de porno sabrá descifrar sin dificultad. Sasha practica un porno duro, agresivo e incluso vejatorio para la mujer, el cual ha sido muy apreciado por sus numerosos admiradores. Ha sido galardonada repetidamente en los AVN Awards, que serían los equivalentes a los Oscars en la industria del porno. Pero como comentábamos más arriba, Sasha Grey es una joven polifacética, cuya carrera artística ha transcendido los límites habituales de las pornostars. Entre otras, ha posado como modelo para American Apparel, Vice Magazine, Terry Richardson, y hizo una importante incursión al cine convencional cuando Steven Soderbergh la invitó a protagonizar My Girlfriend Experience (2009).

A diferencia de la mayoría de pornostars, Sasha ha demostrado ser una persona cultivada y dotada de un buen criterio artístico. Como referentes culturales cita autores como Sartre, Camus, Baudrillard o Godard (podéis consultar aquí sus películas favoritas). También es una gran aficionada a la música que además de haber trabajado en alguna ocasión como DJ, lleva haciendo música desde su adolescencia. En su MySpace expone una larga lista con sus gustos musicales, entre los cuales figuran nombres tan insólitos como Sunn O))), Faust, Can, Neu, Mayhem, Coil, Cabaret Voltaire, Aphex Twin, Bad Brains, Nico, Dead Kennedy's, Gang of Four, John Coltrane, Charles Mingus, The Swans, Dmitri Shostakovich, Throbbing Gristle o Current 93.

Si hoy hablamos de ella es para anunciar que el próximo 27 de abril el sello Pensu Sound publicará un primer álbum junto a su banda aTelecine titulado “A Cassette Tape Culture”, y limitado a 500 copias. Si os resulta extraño que lo citemos aquí tan sólo tenéis que escuchar las canciones disponibles en MySpace. Se trata de un proyecto experimental formado por Sasha Grey, Pablo St. Francis y Anthony Djuan donde además de las voces, Sasha también toca sintetizadores, tape loops y guitarras. Música arriesgada y sin fines comerciales, que en esta ocasión dejará flácidos a sus habituales admiradores. Penta Sound la define como "los paisajes mutantes de una mente perversa. Coil y Nurse With Wound son sus principales referentes así como todo aquello que pueda calificarse como dark ambient o death-dub".

• MySpace Oficial de aTelecine
• Más información en Pendu Sound Recordings
• Entrevista con aTelecine

Un jardín botánico que cultiva sonido mediante ingeniería genética

Mientras que los esfuerzos en ingeniería genética y biología sintética suelen realizarse con fines alimentarios o sanitarios, el artista David Benque investiga el rol que podrían tener estas ciencias en la cultura. Acoustic Botany es un proyecto de ingeniería genética sonora aplicada a un jardín donde se cultivan especies de plantas genéticamente modificadas que interactúan con el reino animal. Un escosistema cuyo fruto es un producto musical orgánico que supone una nueva manera de explotar la naturaleza para el deleite humano, si es que todavía puede ser considerada naturaleza.

Entre las especies del proyecto figura un lirio amplificador gigante (giant speaker lilly), el cual atrapa insectos con su polen y los retiene durante 24 horas hasta que mueren. Durante ese tiempo la planta amplificará las vibraciones acústicas que provoca el insecto a través de una membrana colocada en la hoja. Otro ejemplo es el sonido obtenido a través de las frutos del nogal (string nut tree). Los insectos entran en la cáscara de la nuez y devoran la pulpa masticándola rítmicamente. Las cuerdas fibrosas sostendrán el fruto durante un par de días antes de caer a tierra, y mientras tanto la cáscara actuará como una caja resonante.

Puede parecer ciencia ficción pero es un proyecto que Benque ha presentado en la exposición Work In Progress de la Royal College of Art de Londres, y cuya cosecha musical se recogerá en los próximos meses.

• Más información en We Make Money Not Art
• Web de David Benque

Un breve documental sobre Eliane Radigue

La compositora Eliane Radigue fue una pionera de la música electrónica y del uso de sintetizadores. Exploró el mundo de la música concreta trabajando como asistenta en el estudio de Pierre Schaeffer, y posteriormente con su colega Pierre Henry. En los años 60 desarrolló sus propios procedimientos de composición mediante largos bucles de micrófonos grabados con efecto Larsen. La llegada del sintetizador la impulsó a desarrollar un sonido envolvente y distintivo inspirado en la meditación y el budismo. El ARP 2500 se convirtió en su instrumento predilecto y con el cual compuso la mayoría de su obra. De toda ella destacamos Trilogie De La Mort (1988-93), una de sus obras maestras, publicada en 1998 por Experimental Intermed y disponible en Spotify.

"A portrait of Eliane Radingue" es un escueto documental de 15 minutos sobre Eliane Radigue producido por el Austrian IMA (Institute for Media Archeology), y en el que podemos ver a la veterana compositora en su estudio manipulando el ARP 2500 mientras nos habla de su música.

Los sintetizadores multitáctil de Kevin Schlei

En un intento por crear un sintetizador que exprima al máximo todas las capacidades del touchpad, Kevin Schlei nos sorprende con MStretchSynth y MDrumSynth. Quizás lo más interesante – además de la sencillez a la hora de tocarlos – es el sistema con el que ambos instrumentos analizan los movimientos del intérprete sobre el trackpad y los traduce musicalmente. En lugar de trabajar con coordenadas conformadas por valores X e Y, MStretchSynth utiliza el ángulo, la distancia y la velocidad total entre las coordenadas para asignar y lanzar los parámetros de síntesis y estructura musical (tempo, ritmo, timbre...). Todo en una elegante interfaz grafica y con tal simplicidad que muchos ya los están reclamando como futuras aplicaciones para el iPad. Y visto el resultado, la verdad es que no sería mala idea.

MStretchSynth Demo

MDrumSynth Demo

Otomo Yoshihide y John Butcher, estrellas del Festival Hurta Cordel en Madrid y Barcelona

El festival de música improvisada que acoge este año La Casa Encendida en Madrid lleva ya sus catorce ediciones y está en un constante crecimiento, hecho que se confirma con la reciente apertura de su extensión en Barcelona. Los dos eventos tienen lugar esta semana y aunque la edición barcelonesa parece un poco más modesta en número de actividades, compartirá con el escenario de la Casa Encendida al menos dos atractivos que no os podéis perder: el dúo de Otomo Yoshihide con John Butcher y una revelación desde México – Pandillismo que ayer llenaron sus dos citas en Madrid con su espectáculo a voces, cajas de ritmos y batería (su espectáculo está aún por ver en Barcelona este jueves, 11 de febrero).

A Otomo Yoshihide lo conocemos por sus incontables colaboraciones con Fred Frith, Bill Laswell, John Zorn y por supuesto, por el fantástico super-grupo Ground Zero donde se nos reveló como un maestro de noise, improvisación y locuras. Llamar a ese incansable japonés un “guitarrista” o “turntablista” no agotaría la descripción de sus exploraciones en el mundo de sonidos inoportunos, aunque precisamente con esta instrumentación se va a presentar en los escenarios de Hurta Cordel. Le va a acompañar John Butcher, el saxofonista británico de jazz improvisado, conocido por sus colaboracines con Evan Parker o Derek Bailey. Como nos aseguran los organizadores, el encuentro entre los dos músicos se produce raras veces, por lo cual os animamos a aprovechar la cita y comprar vuestra entrada (baratísima) cuanto antes. Otomo y Butcher tocan este viernes, 12 de febrero a las 21.30 en la Casa Encendida de Madrid y el sábado, 13 a las 21.30 en el Auditorium Obra Social Caja Madrid en Barcelona.

• Programa completo del festival

Fabricando vinilos en pleno siglo XXI

Cuando el archivo digital parecía haber sentenciado a muerte al soporte físico, el vinilo resurgió con fuerza de sus cenizas. Nunca llegó a marcharse del todo porque siempre tuvo fieles devotos. Pero durante la hegemonía del CD el disco ocupó un espació marginal sustentado por DJs y coleccionistas.

Hoy día su resurgimiento es tal que hay quien incluso se atreve a invertir en una nueva fábrica de prensado. Es el caso de Gotta Groove Records y su recién inaugurada planta de fabricación propia. En el siguiente vídeo sus responsables nos explican los motivos que les han llevado a ello y su opinión sobre el futuro de esta industria. Amantes de la música, afirman que ellos nunca han dejado ni dejarán de escuchar discos en vinilo. No esperan hacerse ricos prensando vinilos pero trabajo no les falta. Según ellos, el motivo por el cual continúan fabricándose es que la gente todavía quiere tener una expresión física de la música que aman, y el vinilo es la forma más bonita de materializarla.

Massive Attack presenta dos nuevos vídeos

Tal y como revelaron recientemente en una entrevista paraa la BBC, el nuevo disco de Massive Attack llegará acompañado de un experimento harto interesante. Dada cuenta del potencial que tienen los vídeos virales como herramienta de marketing, la banda de Bristol preguntó a diez directores si estarían dispuestos a realizar un videoclip con tan solo 5.000 libras. El primero de ellos dirigido por Toby Dye y que adelantamos en esta web, nos contaba la historia de la ex estrella del porno Georgina Spelvin y su experiencia sexual durante los veinte años como profesional del cine X.

Hoy nos llegan los dos siguientes trabajos, que aunque no se acerquen al nivel de autorreplicación viral del primero, son una más que aceptable propuesta visual y más conociendo el presupuesto que disponían. Por un lado la visión futurista de Edouard Salier con el tema "Splitting The Atom" y el austero "Flat Of The Blade", obra de Ewan Spencer.

Splitting The Atom (Edouard Salier)

Flat of the Blade (Ewan Spencer)

El pasado futurista de Oneohtrix Point Never

El pasado mes de enero The Wire volvió a sorprendernos con su particular valoración de la mejor música del año. El magistral Broadcast and The Focus Group investigate Witch Cults of the Radio Age (Warp) fue calificado como mejor disco del 2009, mientras que la medalla de plata se la llevó Rifts (No Fun Productions), un triple álbum publicado en doble formato firmado por Daniel Lopatin aka Oneohtrix Point Never. Decía que la revista británica nos sorprendió porque incomprensiblemente este hermoso trabajo pasó desapercibido por el resto de almanaques musicales. Por este motivo hoy hemos creído oportuno hacer hincapié en la atención que se merece.

Rifts está formado por Betrayed In The Octagon, Zones Without People y Russian Mind, tres álbums instrumentales que carecen de beats, interpretados únicamente con las oscilaciones arpegiadas de sintetizadores analógicos. Evoca un pasado tecnológico que parece haber quedado atrás, y que el autor rememora con cierta nostalgia. Sus reminescencias podríamos relacionarlas con la hauntología de los citados broadcast o con el palimpsesto trazado por James Leyland Kirby. Una memoria resucitada, en este caso haciéndonos volar hacia el espacio exterior, erxplorando el universo cósmico a través de una ciencia ficción sonora, o el abismo interior de uno mismo. Como influencias cabe destacar la kosmische musik de Klaus Schulze o Tangerine Dream, e indudablemente una mención especial a Boards Of Canada.

A pesar de que Riffts es un continuum difícil de desglosar, os dejo con un pseudo videoclip no oficial de Russian Mind, uno de sus mejores cortes.

"Alan Lomax in Haiti (1936-37) Box Set", otra iniciativa solidaria en favor de Haití

Entre 1936 y 1937 el etnomusicólogo americano Alan Lomax se trasladó a Haití con la intención de registrar la intensidad de su folklore. Lomax creía que la expresión de la cultura de un pueblo es esencial para la continuidad humana y la adaptación social. Su proyecto consistió preciamente en eso, crear una plataforma pública ya fuera para el placer de futuras generaciones o como difusión divulgativa. Los dos años que el musicólogo y su inseparable grabadora Nagra permanecieron en la isla dieron para realizar el ambicioso trabajo sobre la música popular haitiana que recoge la lujosa caja de diez CDs y dos libros que el mes de diciembre publicaba Harte Recordings y que a la postre servirá para ayudar a un pueblo devastado por el violento terremoto que provocó decenas de miles de muertos.

De los 115 dólares que cuesta "Alan Lomax in Haiti" 15 irán destinados a organizaciones locales que están movilizando esfuerzos y ayuda por los damnificados del terremoto. Sin duda, la mejor forma de conocer parte de la obra de Lomax y la riqueza cultural de un país como Haití.

• Haz tu pequeña donación comprando "The Haiti Box"

ODDSAC, el álbum visual de Animal Collective

El Festival Sundance tuvo ayer la primicia de estrenar ODDSAC, la película abstracta que ha realizado el director Danny Perez junto a Animal Collective. Elos mismos han denominado a este experimento cinematográfico "álbum visual". Por ahora poca cosa más se sabe sobre el film excepto que se ha trabajado en él durante cuatro años. Las primeras imágenes nos llegan a través de un trailer fantasmagórico de treinta segundos.

Music for One Apartment and Six Drummers

Los suecos Ola Simonson y Johannes Stjärne Nilsson son los creadores de este peculiar cortometraje que lleva por título "Music for One Apartment and Six Drummers" y que por algún motivo que desconozco, resurge en internet nueve años después de haber triunfado en Cannes. Cuenta la historia de un grupo de 6 percusionistas que esperan pacientemente a que la casa del vecino quede desalojada para poder entrar e interpretar una rica y sincronizada pieza musical utilizando todo lo que cae en sus manos: libros, electrodomésticos, cubertería, etc...

Voice Band, crea una banda con tu propia voz

Si no manejas ningún instrumento, ni mucho menos la escritura musical, puede que alguna vez hayas echado en falta una manera fácil para hacer realidad una idea musical que de alguna manera ha aterrizado en tu cabeza.

Por fin ya podemos interpretar una melodía con nuestra voz y escucharla en tiempo real como si una banda la estuviera interpretando. Voice Band es una grabadora multipistas capaz de convertir nuestra voz en el sonido de una guitarra, un bajo, una batería, un saxo o un sintetizador. Como verás en el vídeo inferior, mientras que el proceso para ello es extremadamente sencillo, el resultado es sorprendente. Y la buena noticia para los músicos es que en futuras versiones incluirá la posibilidad de convertir nuestras grabaciones en archivos MIDI.

Samples: The Prodigy, "Voodoo People"

"Voodoo People", el tercer single de la banda The Prodigy que publicó Mute Records allá por septiembre de 1994, vuelve a estar de actualidad gracias a otro perspicaz vídeo de Jim Pavloff. En otra muestra de su habilidad con Ableton Live 8, el joven dj y productor ucraniano desmenuza todos los samples utilizados en el hit de la banda inglesa – desde el riff de "Very Ape" de Nirvana hasta la reconocible frase "the voodoo who do what you don't dare do people" escrita por Gylan Kain – para luego recomponer de manera prodigiosa su propia versión.

Misa Digital Guitar, ¿la guitarra del futuro?

Antes de nada deberemos preguntarnos si a un instrumento musical sin cuerdas se le puede continuar llamando guitarra. En caso afirmativo aceptaremos la Misa Digital Guitar como su evolución digital.

Una empresa australiana es la responsable de reemplazar las cuerdas por un panel multi-táctil, cuya primera ventaja es que no necesita calibrarse. En lugar de trastes, se toca pulsando con la mano izquierda los 144 botones del mástil mientras golpeamos con la derecha una pantalla táctil. Este ingenioso instrumento es un controlador digital de guitarra MIDI, y por lo tanto requiere conectarse a un módulo de sonido con soporte MIDI. Pero lo que la hace realmente interesante es que funciona mediante código abierto, concretamente con Gentoo Linux, y por lo tanto puede ser modificada, ampliada y mejorada a nuestro antojo.

Según sus fabricantes, la guitarra tradicional tiene ciertas limitaciones y eso es lo que les ha llevado a ingeniar su aparato. Los efectos que aplicamos a una guitarra normalmente los controlamos con el pie a través de pedaleras, y por lo tanto mientras tocamos no podemos manipular la música electrónica de manera efectiva. No obstante piden que no se compare la Misa Digital Guitar con la guitarra de cuerdas, ya que son instrumentos diferentes diseñados para diferentes tipos de música, y su terreno es exclusivamente el de la música electrónica.

La producción del instrumento no ha comenzado y su precio en el mercado todavía no ha sido desvelado.

El cautivador paisaje sonoro del diamante mandarín (por Céleste Boursier-Mougenot)

El diamante mandarín además de ser un ave originaria de Australia reconocible por un plumaje de color crema y pico y patas de color rojizo, es el protagonista de la última instalación de Céleste Boursier-Mougenot en su búsqueda por crear paisajes sonoros de la forma más inesperada a partir de sonidos de la vida cotidiana. La instalación consiste en poco más que unas guitarras amplificadas y unas ramitas para facilitar que las aves con sus actividades rutinarias puedan crear un cautivador paisaje sonoro que haría las delicias tanto de Olivier Messiaen como de Derek Bailey.

El nuevo videoclip de Gil Scott-Heron

El pasado noviembre anunciamos el retorno del revulsivo Gil Scott-Heron a un estudio de grabación. El nuevo trabajo ya está a punto de caramelo para ser lanzado el próximo 22 de febrero a través de XL Recordings. I'm New Here es el título de la primera aventura musical en el siglo XXI del que fuera uno de los personajes clave de la música negra de los 70. Precursor del rap, Scott-Heron politizó el funk-soul declamando con un estilo singular que enlazaba la música con la tradición poética y el predicador político. Nos ofreció excelentes obras como "Pieces Of A Man" (Flying Dutchman/RCA, 1971) o "Winter in America" (Strata-East, 1974), entre otras. Y dieciséis años han trascurrido desde su lejano predecesor Spirits (TVT Records, 1994), un trabajo todavía interesante que contenía temas tan hermosos como el irresistible Give Her A Call.

La curiosidad hacia el nuevo trabajo del sexagenario cantante creció a raiz de escuchar Where Did The Night Go, uno de los temas que componen I'm New Here. Anómalo y extraño, el escueto pasaje prometía traer al presente la irreverencia del pasado. El halo de misterio se ha desvanecido con el lanzamiento del videoclip de Me and the Devil Blues, la curiosa reinterpretación de Scott-Heron del clásico de Robert Johnson. Llega con un nuevo sonido tejido por atmósferas electrónicas de tinte oscuro que remiten al dubstep británico, y que nos brindan un inesperado giro en la carrera del cantante. El resultado es una apuesta arriesgada por la que, desgraciadamente, no haríamos grandes inversiones. Vídeo, composición y arreglos se quedan a medio camino de lo que podría haber sido uno de los grandes regresos del decenio. Tal y como comentaba el periodista August Brown en Los Angeles Times, resulta complicado de situar en el paisaje musical contemporaneo. Su trasfondo instrumental no está enfatizado suficientemente como para que la cultura electrónica le preste suficiente atención, mientras que está demasiado fracturado como para encajar con el jazz-funk de Scott-Heron, allá, en los 70.

Se anuncia "Oversteps", lo nuevo de Autechre

Warp Records anuncia para el próximo 22 de marzo el lanzamiento del décimo álbum de estudio del dúo británico de música electrónica Autechre. Dos años después de que la banda diera un leve giro a su carrera con la publicación de "Quaristice" – donde se adentraron por terrenos bastante más experimentales y oscuros de lo que nos tenían acostumbrados – llegará "Oversteps" en Compact Disc, una edición de doble vinilo de lujo y la posibilidad de descargar los temas en mp3 o wav (320kbps) si anteriormente se ha comprado cualquiera de los dos formatos físicos. El elegante y sobrio diseño corre a cargo una vez más de The Designers Republic, estudio responsable de las portadas más conocidas de Warp y que hace exáctamente un año cerraba sus puertas como medida para hacer frente a la crisis. Coincidiendo con el lanzamiento de Oversteps, Autechre también han programado una gira que les llevará por Europa durante los meses de marzo y abril.

• Más información y fechas de la gira europea

El "punk improvisado" de The Ex + Brass Unbound de gira por el Reino Unido

Qu Junktions Music se complace en anunciar el regreso de la legendaria banda holandesa The Ex a las Islas Británicas después de seis años desde su última gira en 2003. Para tan especial acontecimiento el cuarteto de viento Brass Unbound se une a la banda, o lo que es lo mismo: Mats Gustafsson (saxo barítono), Ken Vandermark (saxo tenor), Roy Paci (trompeta) y Wolter Wierbos (trombón). La música consistirá en una mezcla de material completamente inédito y su más reciente "4-piece (2009)" especialmente arreglada para incorporar la poderosísima sección de viento y hacer valer el estilo que siempre han definido irónicamente como "experimental trance-dance avant-afro-pop improv music".

Los 10 únicos conciertos de esta gira tendrán lugar entre el 29 de enero y el 6 de febrero de 2010 en las ciudades de Bristol, Birmingham, Glasgow, Gateshead, Brighton, Manchester, Liverpool, Belfast y Londres… La mejor excusa para visitar el Reino Unido o sencillamente para ver a una de las más poderosas bandas en directo de la historia del punk-rock.

El renacimiento de Swans

Un año después de su disolución en 1997, el grupo liderado por Michael Gira publicó un doble álbum en directo titulado Swans Are Dead (Young God, 1998). Con esta declaración de intenciones, la que fuera una de las mejores bandas de la escena No Wave ponía punto y final a casi dos décadas de actividad.

Hace tan sólo un par de días que Gira ha anunciado el regreso de Swans mediante un comunicado oficial así como rebautizando el nombre que la banda tenía asignado en Myspace por el de Swans Are Not Dead. Además del propio Gira y de algunos músicos que participaron en posteriores formaciones, la reagrupación contará con Norman Westberg, otro miembro de la formación original. Curiosamente no menciona nada acerca de Jarboe, con lo cual presuponemos que desgraciadamente no formará parte del nuevo proyecto.

A través de su propio sello Young God Records, Gira publicará I Am Not Insane, una edición limitada de 1.000 copias hecha a mano por el autor, que incluye un CD con canciones acústicas y un DVD con dos directos. La intención de esta publicación es reunir fondos para sufragar el coste de un nuevo álbum de estudio y su correspondiente gira. En MySpace ya podemos escuchar un adelanto con la canción "Jim", una demo casera de Gira tocando y cantando en solitario.

• Escucha "Jim", el nuevo tema de Swans en MySpace
• Libro de ilustraciones de Michael Gira "I Am Not Insane"

Pat Metheny y su nueva banda de robots

Pat Metheny lleva embarcado desde el 2007 en un nuevo trabajo, que incluye álbum y gira, en el que ha hace uso de una orquesta de instrumentos musicales controlados mecánicamente mediante robótica. Se trata de un ambicioso y sorprendente proyecto que ha bautizado como The Orchestrion Project y que cuenta con Metheny como único músico de carne y huesos. La orquesta de robots consta de guitarras, pianos e instrumentos de percusión cuya composición e improvisación es controlada exclusivamente por el legendario guitarrista. Pare ello ha contado con la colaboración de los especialistas en robótica musical LEMUR (League of Electronic Musical Urban Robots). En su página web, el músico reflexiona sobre el uso de esta nueva tecnología:

Now nearly 10 years into the new century it feels like time to try to create something particularly connected to the reality of this unique period in time.

El nuevo álbum titulado Orchestrion saldrá publicado el 26 de enero bajo el sello Nonesuch. En el siguiente vídeo ya podemos ver un pequeño fragmento del resultado:

Christophe Szpajdel publica "Lord of the Logos"

Bajo el título "Lord of the Logos – Designing the Metal Underground" la editorial Gestalten publicará el próximo 10 de enero una colección con algunos de los diseños de Christophe Szpajdel, artista del que ya hablamos en una entrada dedicada al críptico arte de los logotipos en el Black Metal y al estilo conocido como "Depressiv’Moderne". El resultado es altamente interesante teniendo en cuenta que su autor ha dedicado los últimos 20 años al diseño de imágenes ininteligibles que han dado forma a más de 7000 logos para bandas de Death y Metal extremo en general. La antología de 272 páginas, además de los logos incluye fotografías de paisajes naturales que según el autor – ingeniero forestal de profesión – han influenciado profundamente al estilo visual de un movimiento que lucha por mantenerse oculto. A este respecto, en una entrevista realizada por Vice se le preguntaba lo que muchos se cuestionan al conocer su ocupación diaria: "¿No es contradictorio trabajar para la protección del medio ambiente y apoyar música que desea devastar el planeta?" La respuesta más oscura, si cabe, que su propia obra:

No lo creo. De hecho, es una especie de yin-yang. Hay grupos extremos cuyas letras hablan de la pureza de la naturaleza. Me ofrecen una perfecta fusión entre mi pasión por la naturaleza y el metal. Y sí, muchas bandas claman por la destrucción del género humano. Es algo necesario. Quizá no una destrucción total, pero sí una reducción drástica. Hay que librarse de toda esa escoria que camina por nuestras calles.

• 850 logos de bandas, por Christophe Szpajdel
• Más información sobre el libro en la web de Gestalten

Todo lo que siempre quisisteis saber sobre Marc Ribot, pero nunca os atrevisteis a preguntar

En la época de las vacas flacas en el negocio de la música, estamos cada vez más sorprendidos con la proliferación de nuevas ideas sobre cómo publicar, promocionar o vender un disco. Estas desesperadas medidas tal vez consigan que el pulso desfalleciente del paciente musical no se detenga. Mientras vemos los resultados, estamos presenciando un cierto aumento de las iniciativas enfocadas a cambiar el paradigma de las relaciones entre el artista y el oyente. En general, hablamos del mundo de los conciertos, actuaciones en directo, encuentros...Los mismos músicos están buscando esos contactos sin intermediarios con su público y tras épocas de “estrellato” dictado por las políticas de las compañías discográficas, ahora podemos observar una creciente necesidad de más directo por menos dinero, más contacto con el oyente, más diálogo entre las dos partes del proceso musical.

John Zorn, el dueño del sello Tzadik, es patrocinador y director artístico un club en East Village. La idea de Zorn es sencilla, por no decir que de toda la vida: fomentar las actuaciones en directo. Y como era de esperar el enfoque de Zorn es hacia los músicos vanguardistas y experimentales, garantizándoles la totalidad de los ingresos de los billetes. Zorn, conocido por sus manifiestos sin pelos en la lengua (radical Jewish culture etc...), aquí nos deja la explicación de su nuevo proyecto. Curiosa la iniciativa, si queremos recordar que precisamente Tzadik, mejor que nadie, representa el vicio de las discográficas de vender los discos a precios exagerados.

La temporada 2010 de la sala The Stone arranca con una serie de conciertos y actividades interactivas. Para empezar bien el año Zorn invitó a uno de sus amigos más íntimos, un músico a quién el paso de los años parece incitar a más ruido, más rupturas, más descubrimientos. Marc Ribot, el hombre que ya no cabe en las estrechas categorías de “guitarrista de Zorn” o “líder de Ceramic Dog” preparó un taller o –más bien– un encuentro bajo el lema: “todo lo que siempre quisisteis saber sobre mí, pero nunca os atrevisteis a preguntar”. Podría parecer un formato de talk-show, si no fuera por el motivo puramente musical, ya que la condición de entrada consistió en traer un instrumento y – sin falta – una pregunta...Tras ese ejercicio de comunión intelectual entre los fans y el gran guitarrista, todo el mundo asistió a un concierto “íntimo” de Ribot. Con los siguientes artistas que se presentarán en The Stone este mes, los afortunados asistentes de los seminarios podrán simplemente “tocar” (Uri Caine,11 de enero), aprender los ritmos del mundo (Cyro Baptista,18 de enero) o la composición e improvisación (Duck Baker, 25 de enero).

Quién pase por Nueva York que no se lo pierda y que nos lo cuente.

Cerramos por vacaciones, felices fiestas :)

Nos despedimos del año viajando a Marruecos para escapar del mundanal ruido entre dunas y camellos. Queremos dar las gracias a todos los que nos habéis leído y apoyado a lo largo del año ya que eso nos da alas para continuar a nuestra vuelta (si es que volvemos). Hemos puesto en nuestros objectivos viajar al Sahara Occidental en busca de Group Doeh, cuyo recomendable segundo álbum Treeg Salaam publicado en Sublime Frequencies ha sido situado por la revista The Wire en el número 7 de los mejores discos del año. Probablemente nuestro deseo de felicitarle en persona no se cumplirá ya que el guitarrista saharaui vive en Dakhla, en el extremo sur del territorio ocupado, y nuestra estancia en el país será breve. Pero si en otra ocasión llegamos hasta Jajouka, nada puede descartarse en una tierra repleta de magia y belleza. Como mínimo, será la banda sonora que acompañará nuestra aventura.

Os dejo con un fragmento del documental sobre el interesante documental sobre Group Doueh y os deseo a tod@s un feliz año nuevo. Estaremos de vuelta el día 4 de enero. Hasta pronto.

La música más escuchada del 2009 en Last.fm

Tanto aquí como desde nuestra cuenta Twitter estamos insistiendo con las listas sobre lo mejor del año y de la década que la prensa musical ha ido desentrañando recientemente. No cabe decir que las sentencias que nos entregan los musicólogos profesionales resultan sumamente interesantes. Pero hay otro factor que puede despertar una mayor curiosidad. Me refiero a la música que realmente la gente escucha, independientemente del criterio artístico que ésta pueda tener. Como que las ventas de música son cada vez menos precisas para desvelarnos las preferencias musicales de los consumidores, resultan más convincentes los informes anuales que nos ofrecen servicios como Last.fm, o en menor medida Spotify. Los resultados del primero son por ahora mucho más determinantes por su capacidad de registrar mediante su AudioScrobbler cualquier canción.

Hechas las presentaciones, destacaremos brevemente que según Last.fm el álbum que más ha sonado en el planeta durante el año en curso ha sido The Fame (Interscope, 2008) de Lady Gaga (18.487.195 escuchas). Le siguen The Killers (12.471.571 escuchas), Lilly Allen (10.522.633 escuchas), The Prodigy (8.900.264 escuchas) y Frank Ferdinand (8.795.186 escuchas). La diferencia en la cantidad de escuchas entre los artistas situados en las primeras posiciones y el resto son abismales. Sólo hay que comparar los 18 millones y medio de la número 1 con las 280.965 escuchas de Vader, situado en la posición 500.

El informe de Last.fm es muy completo ya que viene acompañado de gráficas con la popularidad alcanzada a lo largo del año, así como de un medidor que han llamado Hype-O-Meter y que indica la rapidez con la que el artista se ha popularizado. Más interesante aun son las listas de lo más escuchado durante el año en cada género musical, a pesar de que los artistas están clasificados de una forma algo arbitraria. Con ello vemos que la vocalista Melody Gardot y su disco My One And Only Thrill (Verve, 2009) con 474.147 escuchas encabeza el número 1 en jazz y la posición 301 de la lista general. La música calificada como experimental curiosamente viene capitaneada por los omnipresentes Animal Collective y su aclamado Merriweather Post Pavilion (Domino, 2009). En cuanto al metal, Mastodon ha sido superado por Lamb of God y Rammstein. Como último ejemplo, la artista más escuchada en electrónica ha sido de nuevo la demoledora Lady Gaga, seguida por The Prodigy y Phoenix.

Resulta interesante comparar este informe sobre los hábitos de los usuarios de Last.fm con las listas con lo mejor del año según los críticos, pero también con otro que Last.fm publicó en octubre en el que informaba sobre la música más eliminada de los perfiles. Lo curioso del asunto es que la lista también viene encabezada por Lady Gaga. Dejo a cada cual sacar sus propias conclusiones.

1. Lady Gaga, The Fame
2. The Killers, Day & Age
3. Lily Allen, It’s Not Me, It’s You
4. The Prodigy, Invaders Must Die
5. Franz Ferdinand, Tonight
6. Beyoncé, I am… Sasha Fierce
7. Animal Collective, Merriweather Post Pavilion
8. Green Day, 21st Century Breakdown
9. Yeah Yeah Yeahs, It’s Blitz
10. Kanye West, 808s & Heartbreak
11. Britney Spears, Circus
12. Fall Out Boy , Folie à Deux
13. Taylor Swift, Fearless
14. Muse, The Resistance
15. Black Eyed Peas, The E. N. D.
16. Phoenix, Wolfgang Amadeus Phoenix
17. Paramore, Brand New Eyes
18. Kelly Clarkson, All I Ever Wanted
19. Placebo, Battle For The Sun
20. La Roux, La Roux
21. Arctic Monkeys, Humbug
22. A Day to Remember, Homesick
23. Röyksopp, Junior
24. Passion Pit, Manners
25. Bat for Lashes, Two Suns

• Consulta la lista completa en Last.fm

El mejor disco del año según The Wire: "Broadcast and The Focus Group investigate Witch Cults of the Radio Age"

La imprescindible The Wire ha vuelto a sorprendernos eligiendo mejor disco del año a Broadcast and The Focus Group investigate Witch Cults of the Radio Age (Warp, 2009). Como por ahora nuestras orejas siguen sin ser omnipresentes, este discazo nos había pasado desapercibido. Le debemos a ellos el gustazo de disfrutar de un trabajo tan elaborado como hermoso, repleto de psicodelia y de reminiscencias sonoras, que vuelve a hacernos pensar en aquel palimpsesto que recientemente relacionamos con la pintura de Anselm Kieffer cuando hablamos de James Leyland Kirby.

Nos detendremos con el videoclip de "I See, So I See So", y aparcaremos el resto de la lista para un futuro repaso conjunto de los rankings anuales.

Rescatado un álbum inédito de Can con su formación original de 1968

El sello alemán Crippled Dick Hot Wax! acaba de hacer realidad el sueño de todos aquellos melómanos fánatico-obsesivos que veneramos la obra de Can, sobre todo la comprendida entre 1968 y 1974. Parece mentira que con tanto incondicional del krautrock se hayan tardado cuatro décadas para que se publique por primera vez la banda sonora del film Kamasutra - Vollendung der liebe que compusiera en 1968 Irmin Schmidt, quien pasaría a ser el teclista de The Inner Space, posteriormente rebautizados como The Can y más tarde Can a secas. Firman este trabajo Irmin Schmidt + The Inner Space Production, la misma formación que un año más tarde publicarían la ópera prima Monster Movie (United Artists Records, 1969) por primera vez como The Can. Me refiero al ya citado teclista y a Michael Karoli, Jaki Liebezeit y Malcolm Mooney, el vocalista antecesor de Damo Suzuki. Un suculento regalo navideño que no podré valorar hasta que el pedido no llegue a mi buzón.

Esta es una más de las frecuentes participaciones cinematográficas de los componentes de Can, cuyos trabajos fueron recopilados en el álbum Soundtracks (United Artists Records, 1970) así como en los diversas antologías de Irmin Schmidt en solitario. Kamasutra - La consumación del amor (en mi libre traducción al castellano) fue una de las primeras incursiones del cine alemán en el erotismo y la revolución sexual de finales de los 60. Tal y como explican en la web oficial del sello, muchas bandas y compositores de esa época se sintieron atraídos por la filosofía oriental y sus sonidos. Por ello este álbum es principalmente instrumental y hace uso de instrumentos como la flauta o el sitar. Contiene además un tema cantado por Margarete Juvan (I’m Hiding My Nightingale) y otro de especial interés porque quien pone la voz es Malcolm Mooney (There Was A Man).

La película contiene un breve cameo de The Inner Space donde además de I'm Hiding My Nightingale interpretan My Name is Joe, una canción que sería también recuperada posteriormente en el genial Delay 1968 (Spoon Records, 1981). Esta filmación es la primera que se conserva de la formación original de Can y gracias a Youtube podréis verles actuar en el vídeo que acompaña la noticia.

Kamasutra – Vollendung der Liebe está disponible en CD y en 2LP edición limitada en Crippled Dick Hot Wax!, y en formato digital vía Finetunes.

"Copiar no es robar", necesita música

La siguiente animación sobre los derechos de autor ha sido realizada por la dibujante Nina Paley, y es la primera de una serie de memes de un minuto que está ideando para QuestionCopyright.org. La artista hace un llamamiento a los músico para que colaboren aportando instrumentación a las voces a cappella que ella ha incluido. Una versión en alta definición la podéis descargar en Archive.org. Vía Boing Boing.

Resumen de los mejores àlbumes de la década, según la prensa musical

Los críticos musicales se han apresurado tanto en publicar sus listas sobre los mejores álbumes de la década que no han dejado que el año concluya. La revista Pitchfork se adelantó publicando su ranking el día 2 octubre. Acto y seguido el resto de publicaciones se apresuraron para ofrecernos sus propias valoraciones en un afán que parecía querer demostrar que sus puntuaciones se basaban en criterios propios. Si bien es cierto que las revistas están muy al corriente de los álbumes que están por llegar, también es cierto que no se puede juzgar un libro mediante su portada, como nos aconsejaba Bo Diddley. Y más hoy día, cuando en un periquete cualquiera pone a circular sus canciones sin tener que vérselas con procesos kafkianos. Las posibles joyas que puedan haber surgido durante este últimos añicos de la primera década del siglo XXI en el futuro puede que obliguen a corregir las listas que hemos ido recopilando. Con más certeza, los posibles cambios serán inspirados por la clarividencia que nos ofrecerá el paso del tiempo.

Se ha podido leer que ésta ha sido una década esplendorosa. Vale la pena matizarlo. Nunca se había producido ni escuchado tanta música como hoy día. El acceso a la música se ha democratizado mucho y consecuentemente la cultura musical podría haber aumentado. Nuestros hábitos como consumidores han cambiado por completo. El ordenador se erige hoy día como el principal reproductor musical y su llegada ha obligado a la industria musical a reinventarse o morir. Pero no hay de qué alarmarse. A pesar de las amenazas populistas que difunden algunos desesperados, me arrimo a Schopenhauer para reiterar que la música siempre seguirá existiendo.

Ahora bien, ¿en qué nivel se encuentra la calidad musical de la primera década del milenio? Es difícil juzgarlo si lo comparamos con lo que dieron de sí sus antecesoras. Han surgido grandes artistas y grandes obras. pero también ha habido un abuso de revisionismos y neologismos. Los géneros se han mantenido más o menos estables a pesar de que se han multiplicado los subgéneros, así como los subgéneros de éstos. Tomaremos como ejemplo a Animal Collective. Muchos los señalan como uno de los grupos más originales de los últimos años a pesar de que Smells Like Brian Wilson. Los abanderados de las décadas pretéritas generaron una confrontación mayor con lo establecido. Es simplemente una observación, sin ánimo de entrar en valoraciones. Da la impresión que las grandes revoluciones musicales quedaron aparcadas en el siglo XX. Otro ejemplo lo tendriamos con Burial, el músico electrónico revelación del último lustro cuyos galardones generan un absoluto consenso. A pesar de su esplendorosos trabajos, su aparición como fenómeno no puede equipararse a lo que supusieron grupos como Daft Punk en los 90 (gracias a James Murphy, el cual se atrevió a pincharlos en el CBGB según reza "I'm Loosing My Edge", una de las grandes canciones de esta década).

Volviendo a las listas, sean cuales sean tus gustos resultan sumamente interesantes ya sea por curiosidad o para descubrir aquel disco "imprescindible" que en su día nos pasó desadvertido. Hemos recogido los resultados de ocho publicaciones. The Wire desgraciadamente nos han comunicado que no tienen intención de elaborar su propia lista. Y estaremos atentos a Last.fm para cuando nos cuenten qué es lo que más hemos escuchado. Como podréis advertir a continuación existe una cierta unanimidad de criterios para evaluar los mejores trabajos de la década. No es tarea fácil ponerles nota y por lo tanto dejamos que sean los profesionales quiénes nos lo cuenten:

• Resumen de los mejores àlbumes de la década, según la prensa musical

Improvisación musical entre máquinas

Como cada año la conferencia SIGGRAPH presenta las diferentes innovaciones que deberán cambiar la manera en que percibimos las cosas a través de la tecnología, ya sea mediante un ordenador, la televisión, el móvil, etc… De entre las novedades que podrán verse esta semana en la ciudad de Yokohama destacaría la jam session entre dos músicos muy especiales: Shimon y la aplicación para iPhone ZOOZbeat.

Shimon es una creación del Georgia Institute of Technology que supone un salto cualitativo en el diseño de robots "músicos". Lo que destaca a este robot respecto a otros similares es su capacidad de improvisación, escuchando la música de otros instrumentos y expresando espontáneamente unas interesantes "ideas" en forma de notas musicales en una marimba. Su pareja para esta ocasión es ZOOZbeat, una aplicación de iPhone que interpreta sonidos mediante los movimientos que se efectúen al teléfono; basta con sacudir el terminal para que el programa interprete los gestos y los transforme en música. Lo que sigue es uno de los ensayos previos al concierto que los asistentes al SIGGRAPH tendrán oportunidad de ver en directo.

Los músicos tímidos - Marc Hollander

Hay músicos tímidos. Resulta increíble pensar que tanto contacto y exposición a la gente pueda ocasionar esa extraña huida y abandono de los instrumentos. Habrá quién recuerde de vez en cuando las hazañas de los años juveniles de esos desaparecidos y, cómo no, en Retroriff nos conoceréis por nuestro nombre: nos complace andar con el pañito que desempolva los antiguos tesoros musicales, ya que en los prehistóricos años 50, 60, 70 e incluso (sic!) 80 uno puede encontrar unas muestras insólitas de la fuerza del olvido humano y la evolución exprés a la que está sometido nuestro universo musical. Así aparece la idea de esta serie, sobre los músicos “tímidos” que empezamos con Marc Hollander, el artista de Bélgica que nos reveló su gran talento hace años luz e inesperadamente desapareció de los escenarios para dedicarse a su particular filosofía musical, encarnada en el sello discográfico Crammed Discs.

Hollander fue el padre biológico de dos grupos belgas: Aksak Maboul y The Honeymoon Killers, y padre adoptivo de otras decenas a través de Crammed, que este año celebra su 25 aniversario.

Si la música de Marc no suena en vuestras memorias sonoras, buscad entre los colaboradores de Fred Frith, amigos de John Lurie o Arto Lindsay. Toda su carrera de músico se cerró entre los años 70 y 80 cuando era uno de los multiinstrumentistas más versátiles y rompedores de la escena europea y neoyorquina (tocaba todo tipo de pianos, clarinetes, saxos y otros vientos...). Experimentador, burlador y freaky de Bruselas aparcó su enorme talento – que daría para numerosos proyectos más – para dedicarse plenamente a investigar las “músicas del mundo”. Fruto de esas fascinaciones, Crammed Discs, que empezó con la oscuridad ochentera de Tuxedomoon o con Aksak Maboul – hoy día es el principal referente de lo calificado con etiquetas torpes de “world music”. “mestizaje”, “etno” etc, etc...

Marc Hollander junto con su mejor amigo y productor, Vincent Kenis, son los responsables de traer al Occidente a los congoleños vibrantes de Konono N1, gitanos locos Taraf de Haidouks o Kasai Allstars... Como investigador de la música alejada de los oídos europeos Hollander tiene mucho mérito y sigue siendo galardonado en los festivales como WOMEX o BBC. No obstante, el catálogo de Crammed refleja la inquietud de su fundador – lleno de contrastes, despliega las vanguardias ochenteras, rock progresivo, bossanova, pero también las aventuras soul y pop, como el último fichaje triunfador del productor de Jamie Lidell – Mocky.

Sin quitarles el mérito de esa espléndida labor descolonizadora, gracias a la cual, los rumanos gitanos Taraf de Haidouks o los cojos-cojonudos Staff Benda Billi dejan de ser meras curiosidades etnográficas para subir a escenarios de grandes festivales occidentales, os recomiendo escuchar la propia producción musical del creador belga. Música cosmopolita, pícara y sorprendente.

• Mesdames et monsieurs, Aksak Maboul en el año 1980

"Paradise Circus", lo nuevo de Massive Attack

Con el título de "Heligoland" los británicos Massive Attack presentarán el próximo 8 de febrero el que será su quinto álbum de estudio tras cuatro años de silencio. Para promover este nuevo trabajo han contado con la ayuda del director Toby Dye, quién ha realizado el videoclip de un primer single (Paradise Circus), que seguramente dará que hablar, ya sea por la música o por el contenido explícito del mismo. La ex estrella del porno, Georgina Spelvin, nos describe su experiencia sexual durante los veinte años que trabajó como profesional del cine X. Las imágenes de la película "The Devil in Miss Jones" (1973) se mezclan con la sincera confesión de su protagonista, Massive Attack y la inconfundible voz de la cantante Hope Sandoval...

El disco, además de la cantante de Mazzy Star contará con la colaboración de Robert Del Naja, Grant Marshall, Horace Andy, Tunde Adebimpe, Martina Topley Bird, Damon Albarn y Guy Garvey.

• "Paradise Circus", lo nuevo de Massive Attack

Larry Ochs denunciado por no tocar jazz en el Festival de Jazz de Sigüenza

A sus 60 años, Larry Ochs vivió ayer uno de los capítulos más hilarantes de su larga trayectoria. Su actuación en el V Festival de Jazz de Sigüenza fue interrumpida por la guardia civil después de que un asistente le denunciara por estar interpretando una música que a su juicio no era jazz, sino música contemporánea. Parece ser que el denunciante alegó que este tipo de música lo tiene "contraindicado psicológicamente" por prescripción médica. Uno de los policías apoyó la querella alegando que tenía conocimientos musicales suficientes como para darle la razón. Aunque parezca un gag humorístico, sucedió de veras y tuvo que intervenir el mismo alcalde para poder resolver el conflicto ante los espectadores, los cuales no podían creer que aquello estuviera sucediendo.

Lo que no llegó a sucederle a ornette Coleman 50 años atrás, le ha tocado al pobre Larry Ochs. Pasmado, el cofundador del seminal Rova Saxophone Quartet alegó ""Yo creía haberlo visto todo, pero es obvio que estaba equivocado". En caso de que el asunto llegara a los tribunales, será interesante escuchar al fiscal determinar donde empiezan y terminan las fronteras de lo que se conoce como jazz.

Os dejo con una actuación de Ochs acompañado del guitarrista Nels Cline para tener presente el tipo de música que provocó el altercado. Vía El País.

Samples: The Prodigy, "Smack My Bitch Up"

Un ingenioso vídeo que analiza la música utilizada por The Prodigy en "Smack My Bitch Up" nos servirá de excusa para ofreceros una tercera entrega de la sección Samples. Firmado por Chipolata Productions, "How was done Smack my bitch up" despedaza cada uno de los samples utilizados en el polémico hit que lanzó el grupo británico en 1997. El vídeo es tan ilustrativo que podríamos tildarlo de manual do it yourself con el que, partiendo de los originales, cualquiera podrá recrear su propia versión.

Estos serían los temas íntegros a los que da el crédito el vídeo anterior:

Kool & The Gang, "Funky Man"

Ultramagnetic MCs, "Give the Drummer Some"

Randy Weston, "In Memory Of"

Un reciente segunda parte de "How was done Smack my bitch up" cita dos referencias más:

Mixmaster Gee And The Turntable Orchestra, "Like This"

Andy Williams, "Music To Watch the Girls Go By"

• Samples: Animal Collective, "My Girls"
• Samples: Snap, "The Power"

Duelos vocales entre mujeres inuit

Algunos etnomusicólogos sostienen que la música de los inuit constituye un testimonio de las formas más primitivas del canto humano. Se trata de un canto armónico que supone una ruptura estilística con el canto natural, una búsqueda por comunicar emociones trascendentales mediante la propia esencia del sonido. Estos cantos que no tienen textos, sino expresiones sin sentido o de significación olvidada, fueron prohibidos por los sacerdotes cristianos durante casi cien años – a pesar de su carácter aparentemente secular – y surgieron como un modo de entretenimiento entre las mujeres en tiempos en que los hombres partían de caza. A diferencia de otros cantos armónicos de otras regiones del mundo, en particular del Tíbet, Mongolia y Tuva, las "cantantes" inuit sólo cantan a dúo con las bocas enfrentadas a muy poca distancia y así poder usar la cavidad bucal de la otra contrincante como resonador acústico.

Estos duelos habitualmente duran dos o tres minutos, y en cualquier momento, una de los dos mujeres puede decidir cambiar el motivo; la segunda mujer debe seguirla a pesar del cambio, y el nuevo motivo se repite hasta que escuchamos un nuevo cambio. La ejecución debe durar lo máximo posible y requiere aguante. Si una de las mujeres se queda sin aliento o se desincroniza con su compañera, la ejecución termina y con ello pierde el juego. Vía Sibetrans

• "Canada Inuit Games and Songs" en formato mp3

Fluid Piano, la reinvención del piano clásico

El pasado sábado 28 de noviembre fue presentado en Londres el innovador piano que durante 10 años ha estado gestando el compositor Geoff Smith. El fluid piano es un instrumento microtonal que permite modificar el tono de las teclas antes o durante la interpretación, pudiendo precisar intervalos menores de un semitono por nota. Esto supone un cambio substancial en la tradición pianística ya que hasta ahora el intérprete debía limitarse a una tonalidad preestablecida, la cual ha sido predominantemente la escala cromática occidental. Con ello el músico va a poder experimentar con una inmensa diversidad de tonalidades a medida y hacer uso de escalas de otras regiones, como por ejemplo las originarias de Oriente Medio o la India.

Después de la expectación generada, finalmente se ha difundido un vídeo en el que se nos muestra las posibilidades que nos ofrece el fluid piano. Su antecesor fue inventado hace 300 años y desde entonces han habido varios experimentos para ampliar sus capacidades, como por ejemplo el piano preparado. Ahora habrá que ver si el fluid piano consigue substituir al piano como en su día éste aparcó el uso de los teclados de cuerda rasgada.

Desmentidos los rumores sobre la inminente desaparición de los giradiscos Technics

Tras una semana de rumores sobre la inminente desaparición de los giradiscos Technics SL-1200 y SL-1210, Panasonic anuncia que no tienen planes de abandonar la fabricación del que ha sido icono de la cultura DJ durante las últimas tres décadas. Los rumores empezaron a circular después de que una tienda neozelandesa publicara un comunicado en su web en el que decía: "Panasonic (fabricante de Technics) ha anunciado que cesará la producción de sus series SL-1200 y SL-1210 para finales de febrero de 2010". Afortunadamente y a pesar de la crisis económica que afecta a las grandes – y no tan grandes – empresas, Panasonic mantiene todas sus operaciones bajo constante revisión y Technics no será una excepción.

El nombre Technics fue presentado por primera vez en Japón en el año 1965 como una empresa de altavoces de alta calidad. La marca se hizo popular con las altas ventas de su primer tocadiscos de tracción directa pero no fue hasta 1972, ya con la serie 1200, que acabara convirtiéndose en la elección habitual de clubes y profesionales y en consecuencia en un estándar. Desde su presentación lleva vendidas más de 3 millones de unidades en todo el mundo.

Trucos y recursos para Spotify (II)

Cuando en marzo escribimos la primera parte de esta pequeña guía, nos basamos en el catálogo de trucos y recursos que público The Pansentient League, probablemente el mejor dedicado en exclusiva a Spotify. Recientemente ha sido la compañía sueca quien ha tenido en cuenta el trabajo de su blogger Afront, y lo ha invitado a ser el responsable de la sección oficial sobre recursos no oficiales que se actualiza regularmente en Spotify.com.

Ha transcurrido más de medio año desde entonces y el software de Spotify sigue todavía en pañales con su version 0.3. El repertorio musical crece día a día, así como las plataformas desde las que podemos usarlo: Mac OS, Windows, Android, iPhone, y ahora también Symbian (sistema operativo de los smartphones Nokia). Como decíamos las mejoras que han realizado al software desde su lanzamiento han sido escasas. Entre las más destacadas, la de mantener música disponible cuando estamos desconectados, una mejora de calidad del sonido para los usuarios premium, y la posibilidad de descargar canciones mediante pago previo. Es fácil imaginar que las posibilidades que nos depara el futuro son muchas y que versiones venideras pueden harán que este producto sea todavía más apetitoso, siempre y cuando la falta de miembros premium no les obligue a cerrar el proyecto.

A expensas de nuevas versiones, si queremos sacarle un mayor partido a su repertorio debemos recurrir a algunas aplicaciones y servicios no oficiales. Hace pocos meses Spotify liberó su librería API para todo aquel que se preste a desarrollar sus propias aplicaciones, lo cual ha contribuido mucho a incrementar su desarrollo. Veamos algunos ejemplos interesantes:

• Spotifyfm.net: Analiza las novedades añadidas a Spotify y las compara con tus artistas favoritos de Last.fm. Incluye feeds RSS para subscribirse a nuestras recomendaciones personalizadas.
• Spotichart: Rastrea la red social Twitter para recopilar todos los mensajes que contengan links Spotify. Con la información obtenida podemos saber la música que más se está compartiendo.
• Pitchify: La web de música indie más exitosa de internet publica regularmente sus valoraciones sobre las novedades discográficas. Este servicio nos ofrece las direcciones Spotify de la música revisada en Pitchfork, ordenándolas por fecha, artista y puntuación.
• Spotify Release. Una función que echamos de menos en Spotify es la de ser avisados cuando añaden música de un artista determinado. Si introducimos el nombre de un artista en este servicio, seremos notificados por e-mail cuando su repertorio se amplíe. Esperemos que más adelante también ofrezca la posibilidad de ser informados de las novedades en cuanto a sellos discográficos.
• Music Controls: Una aplicación para iPhone con jailbreak que permite ejecutar Spotify en background, de la misma manera que iTunes. Otra posibilidad es la aplicación Backgrounder, la cual utilizo regularmente.

• Spotibot: Somos muchos quienes en Spotify echamos de menos esa gran funcionalidad para recomendarnos música y descubrir nuevos artistas que tiene Last.fm. Para remediarlo, Spotibot nos ofrece un mashup con los resultados de Last.fm que encuentra en Spotify.
• Cleanify: Gracias a este servicio podemos convertir los links de Spotify en links mucho más legibles. Es decir, un link tipo "http://open.spotify.com/track/2LcokjMr61hMkPzIPXl4jg" lo convierte en "http://cleanify.net/play/track/burundi-music-from-the-heart-of-africa/take-me-back-to-mabayi".

• Trucos y recursos para Spotify (I)

El hombre que salió del armario de Polanski

El caso “Polanski” parece estar dando un giro estos días. El acusado va rebuscando en sus cuentas los 3 millones para que la justicia americana con la mano diligente suiza le deje cumplir su pena encarcelado en su propia casa, de igual manera que Fidel Castro se apiadaba de los homosexuales cubanos en los años 60.

Sumergidos en el mar de noticias morbosas sobre el director de origen “franco-polaco” derramados en todos los periódicos mundiales, os propongo que hagamos un viaje a los tiempos cuando Polanski era solo “polaco” para rescatar lo que a nosotros nos interesa más: la música.

Las grandes películas de Polanski de esos tiempos – El cuchillo en el agua, La semilla del diablo, El baile de los vampiros, Repulsión llevan la estampa de un hombre, cuyo verdadero nombre – Krzysztof Trzcinski – en el impronunciable polaco resultó ser cambiado por el seudónimo: Komeda. El compositor predilecto de Roman, su amigo del alma hasta su muerte en el 1969, “salió del armario” gracias a un corto que joven Polanski realizó en la escuela de cine de Lodz en 1958. Dos hombres y un armario sigue siendo una pequeña joyita del cine mundial que poco ha brillado, por ser casi totalmente desconocida. Rodada en la costera ciudad de Sopot – cuna del jazz polaco (si la etiqueta “Polish Jazz” no os suena de nada, tenéis un deber por hacer...) con la música medio improvisada de Komeda y su incipiente sexteto justo después del primer brote de la libertad jazzera entre los años 1957-1958 (los primeros festivales de jazz en Polonia).

Komeda, un médico que abandonaba la carrera fascinado tanto por el piano y hard bop, como por la cautivante gloria de la bohema de los proscritos del régimen comunista (el jazz en la Polonia comunista era considerado “imperialista”, por lo cual estaba muy mal visto por las autoridades), a parte de ser estrella del género americano, componía soundtracks a un ritmo vertiginoso. La música para Dos hombres derrocha frescura y belleza, dejando también entrever el talento venidero de Komeda, bautizado “Miles Davis” polaco (los que tocaron con Komeda son héroes hoy día). El cortometraje cuenta una historia sin palabras, con la música como una realidad paralela a la marcha melancólica de dos hombrecitos con un mueble por las calles llenas de incomprensión, palizas y desilusión. La película, aunque pilló a Komeda y Polanski en su juventud, comprime y acerca sus estilos y personalidades mejor que cualquier otra: la brutalidad de la vida y la ternura del ser humano, traducidos musicalmente al diálogo entre el hard bop con una balada, quizás una nana. Colaboraron juntos hasta la inesperada muerte de Komeda en un accidente de coche en 1968 justo después del gran éxito común en Estados Unidos de Rosemary’s Baby [Semilla del diablo]. Fue una de las terribles muertes que tanto marcaron la vida del gran director encarcelado y que algunos pretenden de resaltar en nombre de la “defensa” de ese hombre genial, pero perturbado por los dramas que la vida no le ha ahorrado. Dejando de lado todo este jaleo, veamos la película, 10 minutos del mejor cine y de la mejor música de hace medio siglo:

Krautrock, The Rebirth Of Germany

La historia de Krautrock es en muchos sentidos la historia de Rolf-Ulrich Kaiser, el hombre que forjó la conexión entre músicos alemanes y la escena underground internacional mediante la organización en 1968 de Essener Songtage. El festival que posteriormente sería considerado como el Woodstock germano y que puso en un mismo escenario a figuras tan dispares como Frank Zappa, Amon Düül, The Fugs, Tim Buckley, Peter Brötzmann, Guru Guru y Tangerine Dream entre otros, es fundamental para comprender el posterior éxito y en consecuencia, la enorme influencia que el Krautrock ha ejercido en el rock actual. Fue también Rolf-Ulrich Kaiser quien tres años después del evento fundó Ohr Musikproduktion y Pilz, sellos que desempeñarían un importante papel en el desarrollo y la divulgación de un género que englobaba psicodelia, electrónica, folk, jazz, etc... y en el que un grupo de artistas compartieron un objetivo común: el deseo de superar el pasado reciente de Alemania creando los cimientos del futuro de la música.

"Krautrock, The Rebirth of Germany" es un documental que repasa la historia del Krautrock desde sus inicios en 1968 hasta 1977 con algunos de sus principales protagonistas: Amon Duul II, Damo Suzuki, Klaus Schulze, Popol Vuh, Faust y Kraftwerk. Una producción de la BBC que se emitió el pasado 9 de noviembre.

El libro ocultista de Genesis P-Orridge

Thee Temple Ov Psychick Youth es una sociedad parapsicológica fundada en el Reino Unido en 1981 por miembros de Psychic TV, Coil y Current 93 entre otros. Su objetivo es investigar los poderes mágicos que residen en la mente humana. En su página web podemos ver expuesta su doctrina:

Involucrarse en Thee Temple Ov Psychick Youth requiere de un Individuo activo dedicado a establecer un sistema de magia funcional y una filosofía pagana moderna sin mistificación, dioses o demonios; pero que reconozca los poderes implícitos del cerebro humano (neuromancia) en conjunto con una sexualidad sin culpas enfocada desde la estructura de la voluntad (sigil).

Genesis P-Orridge fue uno de sus fundadores y probablemente su mayor embajador. Su banda Psychic TV estuvo estrechamente vinculada con las actividades de TOPY hasta que en los 90 P-Orridge decidió abandonar definitivamente el colectivo, y posteriormente involucrarse en The Process, otra asociación fraternal de tinte similar. Durante el tiempo en que Genesis perteneció a TOPY escribió varios textos que aparecieron en los folletos del colectivo, así como en las portadas de sus álbumes. A mediados de los 90 gran parte de éstos fueron reunidos en un volumen titulado Thee Psychick Bible: A New Testament. El libro resulta interesante para quienes se sientan atraídos por las ciencias ocultas, pero sobre todo por Throbbing Gristle y/o Psychic TV. Esta especie de biblia infame recoge el pensamiento de P-Orridge en cuanto a cultura, sexo, art, vanguardia y liberación personal.

Desde entonces se han realizado varias ediciones pero la que aquí presentamos ha sido definida por sus editores como "la definitiva". Thee Psychick Bible ha sido actualizada, corregida y ampliada con ensayos y archivos audiovisuales. Feral House ha publicado una cuidadosa edición limitada a 999 unidades firmadas por su autor. Le acompaña un DVD con vídeo inéditos de Psychic TV y TOPY, algunos de los cuales fueron requisados por Scotland Yard en 1991 por ser sospechosos de atentar contra la moral conservadora británica.

• Web oficial de Feral House's "Thee Psychick Bible"

Edison: virtuosismo con 64 botones

A principios de este mes Monome anunciaba el lanzamiento de una nueva edición de su conocido controlador "40h". Se trata de una caja con 64 pulsadores (8 filas por 8 columnas) adosados cada uno de ellos a un led, que se comunican mediante un ordenador y un protocolo de código abierto. Paralelamente al anuncio del nuevo controlador nos llega la última sensación del underground californiano, un virtuoso de Monome que atiende al nombre de Edison. "Tonka Truck" es la introducción de lo que será "All the information at hand", un álbum íntegramente interpretado con 64 botones – pero que gracias a la naturaleza abierta del instrumento incluye algunas funcionalidades de las que el original carece – y que el propio músico presenta así:

64 botones, 64 sonidos, todo en una toma, sin samples. Grabado con 2 de cámaras de alta definición y capturando el audio desde una de ellas...

Beck dedica una canción a Harry Partch

Pocos días después de publicar un videoclip junto a Charlotte Gainsbourg, Beck ha publicado una nueva canción titulada "Harry Partch", en homenaje a este gran músico e inventor de instrumentos que redefinió de la escala musical convencional. Poniendo en práctica las innovaciones microtonales del fallecido compositor, la canción de Beck hace uso de una escala de 43 tonos, consiguiendo con ello una mayor variedad de frecuencias y resonancias.

A thruway from the external to the internal, in tribute to California bred composer Harry Partch's concept of 'Corporeality'--- the integration of the body with all art forms

La canción podéis descargarla gratuitamente en formato MP3 desde la web oficial de Beck.

"Where Did The Night Go", lo nuevo de Gil Scott-Heron tras 14 años de silencio

No hay nadie como Gil Scott-Heron en la música, siempre polémico e incómodo para muchos. Gil es un espécimen único y eso lo sabe cualquiera que valore la honestidad en la música…"

Con estas palabras el fundador de XL Recordings, Richard Russell, pesentaba desde Twitter el fichaje de una de las figuras clave para comprender la evolución de géneros como el Hip-hop y el Soul: Gil Scott-Heron. Han pasado ya dos meses del anuncio del flamante fichaje y por fin nos llega su primera composición de los últimos 14 años. "Where Did The Night Go" es un tema que por momentos recuerda la austeridad musical de "Small Talk at 125th and Lenox" y que recupera la poesía más combativa de un músico, que como indicaba su productor, único para quien valore la honestidad en la música.

Principios de 2010 es la fecha que han fijado para la publicación de "I'm new here", sin duda uno de los acontecimientos discográficos del próximo año.

Trailer del biopic de Serge Gainsbourg

Seductor, carismático, provocador y talentoso son algunos de los atributos del músico y compositor Serge Gainsbourg que han alentado a las grandes productoras cinematográficas para llevar su biografía a la pantalla grande. La película ha sido dirigida por Joann Sfar, un cineasta más reconocido por su faceta como dibujante de cómics, y que precisamente ha basado este biopic en la novela gráfica que él mismo ha confeccionado.

"Gainsbourg (vie héroïque)"será estrenada en cines el 30 de enero pero ya podemos echar un vistazo al trailer oficial. Cabe destacar que esta producción suponía un gran reto ya que no resulta fácil recrear convincentemente a unos personajes tan singulares e inimitables como son Gainsbourg y sus divas Jane Birkin y Brigitte Bardot. Papeles que han sido interpretados por Eric Elmosnino, Lucy Gordon y Laetitia Casta respectivamente. Afortunadamente las primeras impresiones resultan prometedoras.

"Heavy metal en Bagdad", la esperanza de toda una generación de jóvenes iraquíes

El origen de Heavy metal in Bagdad se remonta a 2003, año en el que la revista Vice publicara un artículo dedicado a la banda Acrassicauda y a la florenciente escena metalera en Iraq. Tres años después y tras la ocupación del país por el ejercito americano, Vice volvió a interesarse en cubrir el tema enviando a Bagdad a dos realizadores sin visados ni permisos de entrada, sólo con la protección de varios civiles locales que recibían mil dólares al día y una Handycam. Con la capital iraquí convertida en escenario de guerra los reporteros buscaron con éxito a los integrantes del grupo. El resultado es un documental que por primera vez puede verse íntegramente en Youtube gracias al canal FilmBuff y que muestra las dificultades en las que vive Acrassicauda entre prohibiciones y bombardeos hasta su exilio en Siria meses antes del derrocamiento del gobierno de Saddam Hussein; la esperanza de toda una generación de jóvenes iraquíes luchando por estar juntos negándose a dejar morir sus sueños.

El nuevo álbum de Nurse With Wound a 99 céntimos para ayudar a las tiendas de discos

En 1973 Faust vendió 100.000 copias de su álbum "The Faust Tapes" en el Reino Unido. Este éxito insólito no se debió a un giro en la aceptación popular hacia la experimentación alemana, sino a que el precio de venta del LP fue de 48 peniques, lo mismo que por entonces se pagaba por un single. Detrás de esta bajada de precios se encontraba una campaña de Virgin Records para promocionar a su reciente fichaje en territorio británico.

Haciendo un guiño a Faust, Nurse With Wound recupera esta iniciativa para el lanzamiento de "Paranoia Hi Fi", su inminente álbum recopilatorio que conmemora el 30 aniversario de su carrera. El precio de venta será de 99 peniques en el Reino Unido y probablement 99 centimos en la zona euro. Esta bajada de precios pretende echar una mano a las tiendas de discos y devolverles la clientela que internet les ha ganado. Para que todos los seguidores de NWW se animen a pisar de nuevo una tienda de discos, el CD de "Paranoia Hi Fi" no se venderá en la red. Recordemos que en los últimos años la venta de álbums ha decaido tanto que la cifra que alcanzó "The Faust Tapes" en 1973 hoy día les haría merecedores de un Disco de Oro en el Reino Unido.

"Paranoid Hi-Fi" saldrá a la venta el 30 de noviembre y será distribuido en el territorio español por Popstock.

• Más información sobre "Paranoia Hi-Fi"

Didgeridoo modificado electronicamente

En sus orígenes, el didgeridoo fue creado a partir de troncos de eucaliptos roídos por la acción de las termitas. De los troncos pulidos se obtenían unos largos tubos, que con la vibración de los labios del intérprete en uno de sus extremos generaban un característico sonido orgánico. Lejos de la sonoridad del instrumento ancestral utilizado por los aborígenes australianos, Kyle Evans nos sorprende con un didgeridoo modificado electrónicamente. Según su creador "el instrumento fue creado para experimentar y combinar la calidad del sonido orgánico de un didgeridoo, con las capacidades avanzadas de procesamiento de señales digitales de los computadores modernos, junto con los sonidos sintetizados". El invento incorpora exteriormente módulos que permiten procesar y manipular el sonido en tiempo real, transmitiendo la información por Bluetooth a un ordenador, para después procesar el audio mediante un software.

Analizando la longitud de un vinilo

A través de la grabación que contiene el vinilo del siguiente vídeo podemos analizar la longitud que conforma el surco del disco, la cual es exactamente de 1/4 de milla (402 m.). Las pulgadas (2,54 cm.) que recorre la aguja están señaladas con un click, los pies (30,48 cm.) con un beat, y los segmentos de 10 pies con un blip. A medida que la aguja se aproxima al centro, el sonido resultante pierde velocidad como consecuencia de la reducción de la distancia de cada revolución.

Este experimento titulado "Quarter Mile Groove" ha sido publicado hace unos días en Youtube pero fue creado en el 2008 por el artista Daniel Eatock, y producido por Malcolm Goldie. Gracias a Iain.

Eclectic Method Goes Phish: 99 álbums clásicos

Era la noche de Halloween de 1994 cuando Phish realizó el primero de sus célebres "disfraces musicales". El concepto tan original para un directo como simple para una noche de disfraces, consistía en caracterizarse de una conocida banda e interpretar uno de sus discos en directo. Tras una prolongada encuesta entre sus seguidores el grupo se puso en la piel The Beatles para ofrecer su disco homónimo en tres conciertos en el Glens Falls Civic Center de Nueva York. En ediciones posteriores vendrían los disfraces de Talking Heads, The Velvet Underground, Pink Floyd, etc...

Para retomar sus tradicionales conciertos en la noche de las brujas, Phish preparó en 2009 una web en la que aparecían un centenar de álbumes que debían ser descartados por su público hasta llegar al elegido. La lista se redujo a doce la semana anterior al evento y a ocho el día del concierto: "Hunky Dory" (David Bowie), "The Lamb Lies Down on Broadway" (Genesis), "Electric Ladyland" (Hendrix), "Larks' Tongues in Aspic" (King Crimson), "Oracular Spectacular" (MGMT), "Purple Rain" (Prince), "Kid A" (Radiohead) y "Exile on Main St." (The Rolling Stones). Minutos antes de que saltaran al escenario se proyectó un mashup del colectivo Eclectic Method donde pudo verse todo el proceso, desde los 99 discos iniciales hasta el que acabaron interpretando aquella misma noche: Exile on Main St.

Los ganadores del Festival Internacional de Cine Documental Musical de Barcelona

Ayer domingo cerró sus puertas el Festival In-Edit Beafeater dándose a conocer los ganadores de esta séptima edición. Como ya comentamos anteriormente, el festival nos traía interesantes producciones entre las que destacábamos "Favela On Blast" (Leandro HBL & Wesley Pentz, Brazil, 2008) o "Trimpin, The Sound of Invention" (Peter Esmonde, USA 2009). Finalmente un jurado formado por Elena Oroz, Elisabetta Fanti, Juan Carlos Cuello, Miqui Otero y Stephania Minci ha determinado que el premio de la sección Oficial Internacional recaiga en el documental sobre Bill Withers "Still Bill" (Damani Baker & Alex Vlack, 2009):

Por ser mucho más de lo que aparenta ser. Por hacer de la sencillez una virtud y de la honestidad, una bandera. Por hacer parecer fácil lo que en realidad es difícil. Por acercarse de un modo humilde a un personaje que fue muy grande pero que ahora vive y se muestra con humildad. Por el trabajo, el esfuerzo y la pasión necesarias para perseguir y encontrar a un hombre que vivía ya escondido, por saber ponerle el foco cuando él se había apartado de las cámaras y por conseguir llegar al alma de un hombre de soul. Por apelar a las sensaciones más vitales, a la emoción y a la empatía, sin requerir un proceso intelectual para valorarlo. Por llegar al espectador de forma intensa, rápida y natural, como las canciones de su protagonista y la música pop en general. Por hablar de las sombras de una industria musical que ahora es si cabe más sombría. Por ser más universal de lo que parece: siendo un retrato para entender la fama y la industria, habla también de las decisiones basadas en la honestidad y la bondad. Por arrancar las palabras, y las lágrimas, de un hombre sabio, sin llegar a convertirlo en un sermonista. Por ser el mejor ejemplo audiovisual para ilustrar la cita clásica de "carácter es destino". Porque en la sencillez a veces está la belleza.

Cabe destacar que este año el jurado ha dedicado una Mención Especial a "Evening's Civil Twilight in Empires of Tin" de Jem Cohen. El ganador de la Sección Oficial Nacional es "Febrero: cuando la vida es carnaval" (Nacho Sacaluga, 2009). De nuevo leemos los argumentos del jurado:

Por apuntar la esencia del carnaval como nudo de confusión, intercambio y humor grueso. Por reivindicar una manifestación cultural popular y dignificarla mediante su retrato y estudio. Por la audacia de plantear una película así y por el intento de no casarse con nadie y de mostrar ese fenómeno que todos conocíamos, pero no entendíamos, desde todos los puntos de vista posibles. Por su carácter poliédrico y su esmero en ser riguroso.

El premio Beefeater del público en estos momentos aún se desconoce pues aún hay votaciones pendientes.

Synth Britannia: el impacto del sintetizador en la cultura popular británica (documental BBC)

A finales de la década de los 70 un puñado de artistas electrónicos como The Human League, Cabaret Voltaire y Throbbing Gristle – inspirados por Kraftwerk, Walter Carlos y el universo ballardiano – soñaron el sonido del futuro para hacer frente a la sombría realidad de la época en Gran Bretaña. Un sonido con sus propias tendencias estilísticas y que lo diferenciaba de otras corrientes de la música popular por el uso de sintetizadores y el empleo de ritmos mecánicos. Poco después Gary Numan lo acuñaría Synthpop y lo presentaría en el programa de televisión Top Of The Pops como la banda sonora que acompañará a Gran Bretaña durante la siguiente década...

El pasado dia 16 de octubre la BBC emitió "Synth Britannia", un documental que explora el impacto del sintetizador y la música electrónica en la cultura popular británica y que cuenta con la colaboración de Martin Gore, Vince Clarke, Bernard Sumner, Gary Numan y Neil Tennant entre otros.

La discografía de los Beatles en un pendrive USB en edición limitada

Finalmente no va a ser Apple Inc. desde su iTunes quien ofrezca el catálogo de los Beatles en MP3. Va a ser Apple Corps y EMI quienes pondrán a la venta toda su música recientemente remasterizada en estéreo el próximo 8 de noviembre, por primera vez en MP3 a través de una vía consentida por sus propietarios. Lo harán a través de un flamante memory stick con forma de manzana que contendrá archivos MP3 en 320 Kbps y FLAC con calidad 44.1Khz 24 bit. Costará la nada despreciable cantidad de $280 (60$ más que su anterior edición CD), pero con el añadido de 13 mini-documentales sobre sus álbumes de estudio, imágenes con las portadas originales, fotos inéditas e información extra.

• Más información

Los "1001 discos que hay que escuchar antes de morir", en Spotify

Probablemente conozcas el catálogo de álbums imprescindibles que el crítico musical Robert Dimery publicó en el 2005, y que Ediciones Grijalbo tradujo al español bajo el título "1001 discos que hay que escuchar antes de morir". No juzgaremos el criterio del autor y nos limitaremos a destacar que es una extensa selección muy útil para aquel que quiera hacerse una idea general de lo que ha dado de sí la música popular anglosajona desde 1955 a 2006 (en su versión actualizada).

Pues bien, Oscar Celma ha hecho el laborioso trabajo de localizar en Spotify cada uno de los álbums que aparecen en el libro. A fecha de hoy, Spotify nos ofrece la interesante cifra de 783 de estos álbums, la cual puede variar de un día a otro. Recordad que Spotify añade y elimina obras de su catálogo constantemente.

• Lista Spotify con los "1001 discos que hay que escuchar antes de morir"

"Until the Light Takes Us": una mirada a los años más oscuros del Black Metal noruego

Con "Until the Light Takes Us" estamos ante el último documental que intenta esclarecer los años más oscuros del Black Metal noruego y en especial la figura de Vark Virkenes, miembro de la banda Burzum que pasara 16 años en la cárcel por el asesinato de Øystein Aarseth (Euronymous) y por el delito de incendiar las iglesias de Storetveit, Åsane, Skjold, la capilla de Holmenkollen en Oslo, y en consecuencia provocar la muerte de un bombero. La película, ganadora el pasado 27 de septiembre 2009 de la Atenea de Oro al mejor documental en el Festival Internacional de Cine de Atenas, es el resultado de dos años de trabajo por parte de Audrey Ewell y Aaron Aites, los cuales pasaron dos años en Noruega recopilando hasta más de 350 horas con entrevistas a destacadas figuras del "círculo Black" como Gylve Nagell, Jan Axel Blomberg, Kjetil Haraldstad, Olve Eikemo, Harald Naevdal, Harmony Korine, Bjarne Melgaard, Kristoffer Rygg, Bard Eithun y Vark Virkenes.

Un movimiento musical ligado al satanismo sólo podía estar acompañado de una banda sonora tan oscura como exquisita. Burzum, Darkthrone, Enslaved, Gorgoroth, Lesser, Mayhem, Mum, Sunn O))), Thorns y Ulver son las bandas escogidas para ambientar una trágica historia plagada de violentos escándalos.

• El auténtico black metal noruego (Peter Beste)

El nuevo álbum de James Leyland Kirby

James Leyland Kirby, músico y productor más conocido como V/Vm o The Caretaker y quien recientemente ha enviado una lista con sus álbumes favoritos a nuestra sección Jukebox, acaba de lanzar su último trabajo en formato CD. Por primera vez ha lo firmado haciendo uso de su nombre real, aunque éste no suponga una ruptura con sus anteriores proyectos, sino más bien una coherente y madura continuación. Este triple CD de cuatro horas de duración lleva como título la desesperanzadora afirmación "Sadly The Future Is No Longer What Is Was" y viene ilustrado con unas hermosas pinturas de Mancunian Ivan Seal. En The Fact el mismo artista lo ha descrito como la banda sonora de un mundo en declive, un documento sobre la pérdida, un ensayo de la melancolía. Y en su web personal nos ofrece otra interesante descripción:

It could be said it's about the the fragility of existence and about those times when we pace the streets for answers when the ground under our feet is not so stable.

Those times when we feel invisible to all those around us as we continue to walk, searching for signals and connections, at a loss to our situation and looking for a new pathway forward.

As a document it's emotional and personal, heartbreaking and gentle, it's a six month fairy tale from the big city complete with heroes and villains, with winners and losers.

El álbum ya fue lanzado en septiembre en formato vinilo y en edición limitada, y todas sus copias fueron vendidas para la grata sorpresa de su autor. El lanzamiento en triple CD que distribuirán los sellos Norman Records, Boomkat y Forced Exposure, supone una interesantísima noticia para quienes no pudieron conseguir una obra que ha sido recibida por el crítico Louis Pattison en The Guardian como uno de los mejores álbums de ambient de los últimos años, y comparada con "Select Ambient Works Volume II" de Aphex Twin.

Los elogios de esta trilogía no van mal encaminados. El paso del tiempo y la memoria que definieron a The Caretaker siguen obsesionando a James Kirby. Su piano acompaña unas suites largas y envolventes que nos transpostan hacia un paisaje atmosférico de lúgubre belleza. Kirby parece evocar las atmósferas gélidas del romanticismo, a la vez que traza un palimpsesto sonoro que recuerda las pinturas del pintor alemán Anselm Kiefer. No dudaremos en incluirlo entre los mejores discos del año.

• Más información sobre "Sadly The Future Is No Longer What Is Was"

Pulp Fiction Mix: lo que ves es lo que oyes

La siguiente composición musical ha sido creada haciendo uso únicamente del sonido de Pulp Fiction. El vídeoclip nos muestra las escenas que se están usando en cada momento.

Cinco grandes álbums de Math Rock

Con el nombre genérico de Math Rock se conoce al estilo surgido junto al post rock a finales de la década de los 80 en la escena underground americana. Ambos géneros utilizan instrumentos propios del rock, pero incorporando melodías, ritmos, armonías y progresiones armónicas que no se encuentran dentro de su tradición histórica. El adjetivo Math – alejado ya en sus primeros años de la creación de paisajes sonoros, la variedad de instrumentos y demás elementos característicos del post rock – alude a criterios específicamente musicales, como la complejidad de sus ritmos y unas estructuras que varían de espacios armoniosos a tempos extremadamente dinámicos.

Citados por la crítica como la "influencia secreta" del math, Nomeansno se adelantaron una década en el desarrollo del género combinando la energía del punk con cambios drásticos en el tempo y la estructura musical, convirtiendo "Wrong" en un álbum de referencia. Lo mismo podría decirse de bandas fundamentales como Minutemen o Massacre, que ya en los 80 aunaron el sonido más pesado del rock con un complejo estilo rítmico deudor de Henry Cow, Captain Beefheart, Frank Zappa y King Crimson entre otros. Con Massacre precisamente abrimos el repaso a algunos de los mejores trabajos surgidos desde años antes de la aparición del math como género hasta nuestros días. Hemos seleccionado solamente cinco de ellos y dejando muchos otros que podrían haber aumentado la lista hasta la veintena: Don Caballero, Victims Family, Naked City, etc...

• Cinco grandes álbums de Math Rock

10 álbums seleccionados por James Leyland Kirby

Inminente lanzamiento de Google Music

Tras años de negociaciones con sellos discográficos y de valorar la viabilidad de acceder en la industria musical, Google prepara el lanzamiento de su servicio Google Music, una herramienta que además de permitir a sus usuarios la búsqueda de música ofrecerá la posibilidad de escuchar canciones en streaming y descargarlas en el ordenador, previo pago. Un servicio que también ofrecerá información sobre los artistas, fotografías y enlaces a vídeos de su filial Youtube, y que basa su negocio – además de la venta de canciones – en los ingresos generados por publicidad.

A la espera de una confirmación oficial la noticia ha dejado de ser un mero rumor desde que hace días apareciera en la red la invitación a un evento que se celebrará hoy en Hollywood y en el que no aparece el nombre del buscador de Internet, pero sí los de las firmas asociadas para el proyecto Lala y iLike. Por el momento Google Music sólo estará disponible para Estados Unidos, así que tendremos que esperar para comprobar si una vez más Google ha dado en la tecla correcta.

La historia de los monjes ingrávidos

¿Fue la maldición de los tiempos tomados por los muchachos del Beat con melenas largas y los exitazos al estilo “i-wanna-hold-your-hand”? ¿La cobardía del batería que no apareció en el aeropuerto en el momento de partida hacia la conquista de los países asiáticos? ¿Una ocasión desaprovechada para girar con Jimi Hendrix, deslumbrado con los ex soldados americanos pegando gritos “anti-guerra” en los escenarios hamburgueses? ¿O más bien un fracaso estrepitoso de un montaje ideológico y publicitario de unos ascéticos filósofos alemanes disfrazados de mánagers de grupo pop?

Cualquiera que fuera la razón por la que The Monks no existieron más que un par de años, sin haber estremecido el mundo de la música en sus fundamentos justo cuando se hacía urgente, su efímera aparición en la Alemania de los 60 ha transcendido mucho más allá de lo que todos creían. Un grupo de chavales hartos de todo — tanto de sus Texas y Minnesotas natales de los años 50, como de la mili en los cuarteles estadounidenses en la Alemania vigilada por EEUU — empezaron a tocar rock´n´roll, por pura diversión, en los garitos de sus compatriotas desplegados por la zona. Pero su inocencia musical iba a verse transformada en un sofisticado montaje de dos tipos en trajes y corbatas que buscaban energía fresca para comprobar sus estrategias publicitarias construidas a base del minimalismo al estilo de Bauhaus. Corrían tiempos de recuperación de la cultura pre-hitleriana cuando Karl H. Remy con Walter Niemann consiguieron “fichar” a esos ingenuos muchachos americanos para hacer de ellos una Obra de Arte que consistía en imponerles sus nuevos personajes de “monjes” –salvajes en formas, contundentes en contenido- a través de unas reglas restrictas: si todos cantan al amor, vosotros vais a cantar al odio, si todos componen melodías hermosas, vosotros a liarla parda con bajos, baterías y banjos, si el pelo largo está en vogue, vosotros poneros cutres con pelo corto y coronilla en el medio...

El resultado: un ruido inaguantable para el público de entonces y delicioso para él de hoy, una energía escénica desbordante, experimentaciones sonoras... Adelantaron todo: no solo en la música — que posteriormente fue aclamada por Kraftwerk o Sonic Youth — pero también la idea de la comercialización de una banda con una “imagen corporativa” homogénea y cuidada hasta el último detalle.

El proyecto tan ambicioso y tan “arcaico” a la vez, no encontró demasiado entusiasmo, salvo de unos freakies de la época, rematado por las pérdidas de ventas e incomprendidas giras por las pequeñas ciudades alemanas solo para comprobar la malvada idea de los mánagers que “hay que llevar el arte al pueblo” a cualquier precio... Los componentes de la banda, decepcionados y separados, acabaron regresando a su país, irreconocible en pleno fervor de flower power, donde les costó mucho reubicarse y olvidarse de la aventura vivida en Alemania.

Tras 30 años sin tocar, The Monks se reúnen para cumplir un sueño juvenil: tocar en Nueva York. Entre el público los músicos confesando lo impactante que eran Los Monks. El grupo de ancianos sale al escenario en trajes de la época y sigue dando guerra con su música, aunque ya no es el momento, ni su energía comparable. Este es el momento más conmovedor de la película documental Monks: "The Transatlantic Feedback", coproducida entre Alemania, Estados Unidos y España sobre la fascinante vida de la banda que ayer se proyectó en el aniversario del Neu Club madrileño. La cámara sigue a los Monjes que vuelven a sus iglesias, sus casitas rurales y sus cursos de baile para ancianos. Se han tomado muy en serio el mandamiento de sus mánagers: “Nunca te olvides de ser un monje”.

Earache firma un acuerdo con Rapidshare para regalar un álbum

Si sueles descargar ficheros con contenidos protegidos por derechos de propiedad intelectual ajenos, probablemente conocerás servicios como Rapidshare o Megaupload. Este tipo de webs permiten alojar ficheros de gran tamaño para compartirlos públicamente con otros internautas, fomentando con ello lo que la industria musical denomina "piratería". Podríamos decir que son hoy día la manera más eficiente para "piratear" por su inmediatez y enorme oferta en contenidos, y por lo tanto se han convertido en el primer enemigo de la industria musical.

Conscientes de la gran popularidad que goza Rapidshare entre los jóvenes, Earache Records ha anunciado un acuerdo con esta empresa para distribuir gratuitamente el nuevo álbum de la banda Gama Bomb. El sello de metal extremo hará uso de la plataforma Rapidshare para a partir del 5 de noviembre, 3 meses antes de su publicación en formato CD. Digby Pearson, responsable del sello argumenta su estrategia de la siguiente manera:

The idea is for the greater good, to give fans a taste of Gama Bomb for free, legally. Actually, the cost saving of distribution through the internet is a big incentive for us. Piracy is not a problem, because if a fan passes on the download link it can also be seen as free promotion for the band

Vía Music Ally.

Elige a los artistas que quieres ver en el Primavera Sound 2010

Para celebrar su edición número 10, el festival Primavera Sound quiere contar con la participación de sus asistentes en la elaboración de su cartel. A pesar de que nos aproximamos a su edición invernal, ya están trabajando para que el certamen de su décimo aniversario genere la máxima expectación posible. Para ello han puesto en marcha una interesante iniciativa que permitirá que sea el propio público quien elija a sus cabezas de cartel. Esta consulta popular se va a llevar a cabo a través de sus foros oficiales, donde los usuarios registrados podrán votar sus actuaciones preferidas de la historia de Primavera Sound. Eso sí, sólo pueden votarse artistas que ya han actuado en ediciones anteriores y que sus organizadores han seleccionado previamente. Primavera Sound se compromete a hacer todo lo posible para reclutar a los artistas que resulten vencedores.

• Más información sobre el Primavera Sound 2010

Muere Maryanne Amacher

La compositora americana Maryanne Amacher, estudiante de Karlheinz Stockhausen y colaborador de John Cage, Merce Cunningham y Alvin Curran entre otros, falleció ayer a los 76 años. Figura clave de la música americana de vanguardia, Amecher modificó desde los años 60 los códigos de la instalación sonora: el oyente - mediante un sistema de múltiples altavoces que emiten sonidos a un volumen ensordecedor - pierde la sensación de espacio, llegando a creer que sus oídos son los que producen la música.

Fragmento de "Day Trip Maryanne", colaboración entre Maryanne Amacher, el director Andrew Kesin, Kim Gordon y Thurston Moore, miembros de Sonic Youth.

El Silencio de John Cage llega a Barcelona

Puede que su nombre sea muy familiar, pero su obra no es conocida de manera extensa y profunda. John Cage (1912-1992) definió una práctica tan radical de la composición musical que cambió el rumbo de la música moderna y configuró un nuevo horizonte conceptual del arte de posguerra. Con la finalidad de reflejar la extraordinaria contribución de Cage en el arte contemporáneo, el MACBA presenta la mayor exposición dedicada al artista desde su muerte. La muestra, coproducida por el Henie Onstad de Noruega y comisariada por la australiana Julia Robinson, recorre la amplia trayectoria del compositor neoyorquino, desde sus primeras obras en la década de los 30 hasta su conocida teoría del silencio (y la pieza 4'33'') y el uso del piano preparado, pasando por diversos experimentos en el uso del azar y la indeterminación en la composición musical que desembocaron en una original obra multimedia cargada de mensajes políticos.

La exposición dedica también una importante sección al diálogo que mantuvo Cage con otros artistas, entre los que se incluyen Marcel Duchamp, Robert Rauschenberg y Andy Warhol entre otros. Grabaciones sonoras, películas y material documental que desde hoy y hasta el 10 de enero del próximo año se exponen en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (Plaça dels Àngels, 1) dan una idea del extraordinario alcance de las ideas de Cage. Una peculiar manera de concebir la música y que podría resumirse con una anécdota del propio autor refiriéndose a sus años de estudiante:

Cuando pedí a Schönberg que me enseñara música me dijo: "Quizás no alcances a pagar mis honorarios”. Yo le contesté: "Ni los mencione. No tengo dinero". Él me dijo: "¿Vas a consagrar tu vida a la música?" Esta vez contesté que sí. Me dijo que me enseñaría sin cobrar sus honorarios. Abandoné la pintura y me concentré en la música. Después de dos años se nos hizo evidente a ambos que yo no tenía sensibilidad para la armonía. Para Schönberg la armonía no era algo que daba colorido: era algo estructural. A través de ella uno podía distinguir una parte de la composición de la otra. Por eso me dijo que nunca podría escribir música. "¿Por qué no?" "Te toparás con una pared sin poder atravesarla." "Entonces me pasaré toda la vida golpeándome la cabeza con esa pared."

Recomendaciones para In-Edit Beefeater 2010, el festival de cine documental musical

La séptima edición del Festival In-Edit Beefeater dará comienzo el próximo día 29 de octubre en Barcelona. Durante once días la capital catalana ofrecerá una heterogénea programación de 44 documentales musicales repartidos en las salas Aribau y Rex. El crecimiento paulatino del certamen permite que este año sea complementado con lujosas actuaciones, como la del legendario baterista de free jazz Sunny Murray programado para el 3 de noviembre. Un concierto muy apropiado para acompañar la proyección de "Sunny's time now" (Antoine Prum, Luxemburg 2008), patrocinada además por la revista The Wire.

La Sección Oficial Internacional cuenta también con varias obras prometedoras, entre las que cabe destacar "Trimpin: The sound of invention" (Peter Esmonde, USA 2009), dedicada al sorprendente escultor cinético y compositor Gerhard Trimpin. Otro suculento plato es Favela on blast (Leandro HBL & Wesley Pentz, Brazil, 2008), en el cual podremos descubrir la subcultura musical del Río más marginal a través de un paseo por 60 favelas. Hay muchas otros documentales interesantes a gusto del consumidor y que podréis consultar en su web oficial.

Por otro lado el plato fuerte de la Sección Oficial Nacional será el estreno de "Tiempo de Leyenda" (José Sánchez-Montes, Spain 2009), un documental que investiga la gestación e influencia del álbum de Camaron "La Leyenda del tiempo", precisamente en el 30 aniversario de la publicación de esta obra capital del flamenco. En relación a esto, la gala inaugural contará con invitados como Raimundo Amador, Tomatito, José Sánchez-Montes (director) y Ricardo Pachón (productor de La Leyenda del Tiempo), entre otros.

Excedlents cuenta este año con documentales dedicados a Charlie Haden, Johnny Cash, Jack Kerouak, Madness, Island Records, Marc Bolan y Phil Spector, por citar sólo a unos cuantos. Tendremos una segunda oportunidad para visionar "Wild Combination: A Portrait of Arthur Russell", el documental ganador de la edición anterior.

Otra cita imprescindible es la retrospectiva al director británico Peter Whitehead, pionero en concebir el videoclip como medio artístico. Se proyectará "The Peter Whitehead Pop Promos Pop Promos" (UK, 1966), "Led Zeppelin live at the Royal Albert Hall" (UK, 1970) y se recupera el clásico "Tonite...Let's all make love in London" (UK, 1967). Esta última resulta especialmente interesante porque capturó una de las legendarias actuaciones de los Pink Floyd de Syd Barret en el UFO Club con "Interstellar Overdrive" , un tema cuya versión en estudio fue incluida en su primer trabajo, convirtiéndose en la primera improvisación instrumental psicodélica registrada en estudio. Y precisamente os dejo con un trailer promocional de este film para continuar despertando vuestro apetito:

Sónar celebra el año Xacobeo

Catorce veces cada siglo, el 25 de julio cae en domingo y peregrinos de todo el mundo acuden a Santiago de Compostela, en lo que se conoce como año Santo Xacobeo. Por este motivo, Sónar 2010 se desdobla en dos sedes para celebrarse simultáneamente en Barcelona y A Coruña, y de este modo ampliar la oferta de ocio de quienes visitan las ciudades y pueblos de Galicia. Sónar Galicia contará con un Sónar de Día, con programación musical y con un área multimedia y audiovisual en la que tendrán especial protagonismo los artistas gallegos. Al igual que en Barcelona, Sónar de Noche contará con grandes nombres de la electrónica del momento.

La noticia ha sido presentada oficialmente junto al teaser de "Finisterre" – con la muy acerta elección de "Janitor Of Lunacy" (Nico) como tema musical –, película estructurada en seis capítulos y que trata el viaje de introspección de dos fantasmas que, durante Sónar 2009, decidieron hacer el Camino de Santiago hasta el fin del mundo para, una vez alli, comenzar una nueva etapa terrenal y efímera. Como viene siendo habitual, la imagen del Sónar vuelve a apostar por la originalidad y un marcado sentido del humor que desde sus inicios se ha convertido en todo un icono del festival.

Estos son los ritmos que emite tu ordenador

El autor de este experimento se llama Shintaro Miyazaki, y es el director de un proyecto artístico denominado “Institute for Algorhythmics”. Con el juego de palabras "Algorhythm" (algoritmo + ritmo) define aquellas estructuras de instrucciones digitales que nos envuelven mediante sonido. Los ritmos generados por la tecnología de nuestra cotidianeidad pueden ser conscientemente inaudibles pero ubicuos en nuestro presente. Estas señales moduladas pueden ser escuchadas mediante sensores que amplifican la señal y descrubrirnos el carácter rítmico de los aparatos que nos envuelven: laptops, redes WLAN, Bluettoth, TV digital, radio, etc. Vía Microsiervos.

Broadway estrena un musical sobre Fela Kuti

Cada loco con sus temas. Mientras en el territorio español triunfa "Hoy no me puedo levantar", Broadway le dedica un musical a Fela Anikulapo Kuti. La vida de este revolucionario — tanto en su aspecto musical y político — compositor bien merece un biopic. No es para menos teniendo en cuenta la agitada carrera del creador y máximo exponente del afrobeat, coronado como The Black President (mucho antes que Barack Obama). Fela Kuti es recordado por su excelente y prolífica producción musical, pero también por su compromiso social y sus aspiraciones políticas. El nigeriano declaró la independencia de su comuna Kalakuta Republic pero fue desmantelada por las fuerzas militares. Otros episodios famosos de su biografía son su poligamia y sus 28 matrimonios, su injusto encarcelamiento, su candidatura a la presidencia de Nigeria, y su muerte a causa del SIDA. No obstante el espectáculo "Fela!" que a partir de hoy se estrena en Broadway, se centrará en el asalto que efectuaron 1.000 soldados en el legendario club de Lagos The Shrine para dar fin a sus actuaciones.

"Fela!" cuenta con un libreto de Bill T. Jones y Jim Lewis y con la música original de Fela Kuti, así como con la de Aaron Johnson y el letrista Jordan Mclean. Esta producción primeramente tendrá lugar en el Eugene O'Neill Theatre y abrirá oficialmente al público el próximo 23 de noviembre.

• Web oficial del musical "Fela!"

"Deus, cantando", la última obra del compositor Peter Ablinger y el Wien Modern Festival

Con la única finalidad de que Naciones Unidas reconociera el desastre ambiental como un crimen contra la humanidad, el Dalai Lama y Adolfo Pérez Esquivel, elaboraron en 2008 un documento para concienciar al mundo de tan grave situación y con ello lograr la creación de una Corte Internacional Penal en materia ambiental. La iniciativa presentada por ambos Premios Nobel de la Paz ante el Secretariado General de Naciones Unidas es la base del último trabajo de Peter Ablinger: Deus, cantando. El compositor austriaco digitalizó la grabación de un niño leyendo el citado texto para después – con la ayuda de un piano controlado mecánicamente por un programa informático – intentar reproducir el sonido de la voz humana. El resultado, realmente conmovedor, pudo verse en exclusiva en el pasado World Venice Forum celebrado los días 2 y 3 de este mes.

El Buddha Machine de Throbbing Gristle

La escasa venta de CD's ha provocado que los expertos en marketing se estrujen las neuronas para encontrar nuevas vías que permitan seguir vendiendo música. Como ya os contamos en su día, el aparato de loops ideado por el grupo FM3 y denominado Buddha Machine fue todo un éxito de ventas. Tanto que Throbbing Gristle ha decicido contar con la colaboración de Christiaan Virant de FM3 para lanzar al mercado su propia máquina. Recordemos que este gadget reproduce de manera constante una serie de loops que tiene almacenados en su interior, y que su idea parte de los reproductores de oraciones que se comercializan en las regiones budistas para que los piadosos puedan realizar sus plegarias domésticas.

Gristleism es el nombre del Buddha Machine que ha lanzado Industrial Records Ltd., el sello discográfico de la banda de Genesis P-Orridge. Contiene 13 loops originales de noise, industrial drones y melodías clásicas, que según sus distribuidores lo convierten en "the world's first and only portable TG aural exciter". Gristleism estará disponible en tres colores (negro, cromado y rojo), y saldrá a la venta en diciembre a un precio de 19.99 GBP para la versión estándar. La precederá en noviembre una edición limitada de 600 unidades que incorpora el logo incrustado en la cubierta, y cuyo precio asciende a 24.99 GBP.

• Reserva tu Gristleism desde su web oficial
• Web oficial de Throbbing Gristle
• La Buddha Machine original de FM3

Seyðisfjörður, la "Soundville" de Sony

Seyðisfjörður es una pequeña población en los fiordos orientales de Islandia. Rodeada de montañas por tres lados y con numerosos saltos de agua en sus alrededores cuenta tan solo 800 habitantes en verano y la mitad en invierno. La principal actividad del pueblo es el turismo, especialmente desde que cerrara la pesquería dedicada a la captura del salmón.

El pasado mes de marzo, Seyðisfjörður fue "invadida" durante tres días por altavoces de todas las formas imaginables para la realización de un spot televisivo que debía convertir la pequeña población islandesa en "Soundville", y con ello, dar fe de la calidad de sonido que poseen los equipos de Sony.

Public Image Ltd. vuelven a los escenarios

En verano del 2008 John Lydon propinó un puñetazo a Kele Okereke por sugerirle que reagrupara a los desaparecidos PIL. Sex Pistols actuaban en el festival Summercase de Barcelona en el marco de una gira que los volvía a poner en el escenario después de varios años de inactividad. El cantante de color Bloc Party explicó a la prensa que coincidió con Mr. Rotten en el backstage y creyó oportuno hacerle llegar su propuesta. "Tu problema es tu actitud de negro", le vociferó Rotten, y acto seguido le golpeó.

Un año después del incidente, Public Image Ltd ha anunciado desde su web oficial una serie de 5 conciertos en el Reino Unido durante el próximo mes de diciembre. Será la primera vez que pisen juntos los escenarios después de 17 años, aprovechando el treinta aniversario del imprescindible "Metal Box". La banda contará con el guitarrista Lu Edmons, el baterista bruce Smith y el multiinstrumentista Scott Firth.

Apuesto a que Kele Okereke preferirá quedarse en casa.

• Más información sobre fechas y localizaciones

Harry Partch y sus instrumentos construídos con material de desecho

En 1969, año en que compuso "Delusion of the Fury", Harry Partch había diseñado 27 nuevos instrumentos de percusión y de cuerda fundamentales para las necesidades específicas de sus futuras composiciones. Construídos con material de desecho, todos y cada uno de estos instrumentos fueron afinados de acuerdo a una serie de armónicos naturales, sustituyendo la afinación tradicional por otra "más exacta" y compleja. Desde su muerte en 1974, muchos artistas han construído réplicas de sus instrumentos, como John Schneider, director del Festival de Música Microtonal "MicroFest" y Michael Tilson Thomas. De este último es el proyecto que veremos a continuación y que desde 2004 conjuntamente con la Orquesta Sinfónica de San Francisco le ha llevado a crear simulaciones "online" de los distintos instrumentos del compositor: Diamond Marimba (afinada en la llamada "tonalidad diamante"), Quadrangularis Reversum (invierte la disposición de las teclas de la Marimba Diamante), Mazda Marimba (construida con bombillas del tipo "Mazda"), Boo, etc…

Paralelamente al proyecto Michael Tilson Thomas, no podía dejar de recomendar el último podcast de Ones de Crom dedicado a la figura de un compositor tan oscuro como genial. La emisión además de tratar el tema de la manipulación de instrumentos y la redefinición de la escala musical, hace un recorrido por su extensa discografía.

Harry Partch - Music Studio (1958)

• Harry Partch y sus instrumentos construídos con material de desecho
• Podcast sobre Harry Partch

Eigenharp, un nuevo y revolucionario instrumento musical

Después de ocho años de trabajo, el músico e ingeniero de software John Lambert ha presentado un instrumento tan revolucionario como lo fuera en su día el ReacTable. Sus desarrolladores lo han descrito como "el instrumento electrónico musical más expresivo jamás realizado". El Eigenharp es un aparato difícil de describir ya que puede tocarse pulsando, soplando o percutiéndolo. Cuenta con 120 teclas dotadas de sensores electrónicos que registran fuerza, presión, velocidad y ángulo. Además cuenta con 12 pads de percusión y una boquilla para soplar parecida a la de un fagot (ver el listado completo de especificaciones técnicas).

La idea de este instrumento-orquesta surgió a principio de los 90, cuando Lambert actuaba en su banda de ambient trance Shen. Su creador explica en una entrevista para la BBC que la puesta a punto de la instrumentación suponía una pesadilla, comparado con la sencillez de la electrónica. No obstante — continúa Lambert — las actuaciones del artista electrónico son aburridas hoy día, y Eigenharp Alpha pretende tirar un puente entre estas dos maneras de interpretar música en directo.

Eigenharp Alpha por ahora funciona exclusivamente en Mac OS X y tiene un coste nada más y nada menos que de £3,950 (unos 4.300€), aunque ofrecen también una versión más sencilla de £349 (aproximadamente 380€).

Podéis ver aquí el anuncio oficial que ha publicado Eigenlabs, pero resulta más interesante ver el ejemplo que adjunto a continuación de una actuación hecha con un par de estos sorprendentes aparatos.

Las novedades discográficas de Burial

Para celebrar los cinco años de Hyperdub — sello londinense centrado en el dubstep y sus parientes cercanos — ha aparecido un recopilatorio que incluye un nuevo tema de Burial, el solista electrónico más aplaudido de los últimos años. Recordemos que el misterioso personaje que se esconde bajo este nombre artístico revolucionó la escena con su primer y homónimo trabajo, galardonado mejor álbum del 2006 por la prestigiosa revista The Wire. Al año siguiente, "Untrue", su segundo trabajo recibió mejores críticas de la prensa musical internacional, pero fue desbancado por Robert Wyatt en The Wire y desplazado a la categoría de la plata. Creo recordar que fue un periodista finlandés quien acertadamente describió las atmósferas de paisajes urbanos que conforman su trabajo como:

La música ideal para escuchar en una gran ciudad cuando uno regresa a casa después de una noche de fiesta en la que las cosas han salido mal.

Desde entonces cualquier referencia a "Burial" crea expectativas entre sus idólatras. El reputado crítico Javier Blánquez declaraba ante "Forecaster", su última entrega:

El recopilatorio de Hyperdub podría incluir dos horas de mierda y este tema, y aún así habría que comprarlo.

Esta noticia coincide con el encargo que Massive Attack ha realizado a Burial para remezclar sus canciones de la misma manera que en su día hiciera Mad Professor con "No protection".

Kraftwerk, nuevo álbum y posible gira en 2010

Tal y como revela Ralf Hutter en una entrevista publicada para la web Billboard.com, Kraftwerk se encuentra ultimando detalles para entrar a grabar su primer álbum de estudio desde "Tour de France Soundtracks" (2003). Tras la renuncia del co-fundador Florian Schneider, parece ser que la banda además del trabajo de estudio estaría preparando una gira mundial para promocionar el futuro álbum. Para hacer de boca y que la espera sea más llevadera, la banda anuncia para el próximo 16 de noviembre la publicación de "The Catalogue", una caja que incluye sus ocho álbumes de estudio remasterizados: "Autobahn", "Radioactivity", "Trans Europe Express", "The Man Machine", "Computer World", "Electric Cafe" (con su título original "Techno Pop"), "The Mix" y "Tour de France Soundtracks".

Kraftwerk - Autobahn (video promocional 1974)

El juego de Daniel Johnston para iPhone

El cantautor Daniel Johnston no tiene y nunca ha tenido un teléfono móvil. Por no tener no tiene ni un fijo; para contactar con él ha de hacerse a través de su padre, con el cual vive en un pueblecito cerca de Houston. Johnston declaró en una reciente entrevista para The New York Times que no está seguro de saber lo que es un iPhone. A pesar de todo, hace una semana que ha lanzado juego para la plataforma móvil de Apple llamado "Hi, How Are you?", basado en su música y su universo visual.

La aplicación ha sido creada desde Austin por los diseñadores Peter Franco y Steve Broumley, los cuales se declaran grandes admiradores de la música de Johnston. Con el permiso de éste han fusionado su imaginería y su música en un juego que The New York Times ha definido como "una versión psico-religiosa del Frogger". El protagonista del juego es la rana Jeremiah The Innocent, un personaje familiar del autor que debe hacer frente a unos demonios rojos en su espinoso camino para encontrar a su amor platónico. El juego incluye clásicos como "True Love Will Find You in the End", los cuales se acaban repitiendo hasta la saciedad. Cuesta 0,99€ y podréis descargarlo en la Apple Store.

Estamos de vuelta, namaste India

Después de un intenso viaje por la India en el que hemos podido escuchar música clásica india a través de sus maestros ("ustad"), volvemos a ponernos manos a la obra. Con toda la razón del mundo se nos puede tildar de impresentables, ya que ni tan sólo avisamos de nuestra fuga a través de Twitter. No nos hemos retirado de la sociedad ni nos hemos convertido en sadhus. El motivo de nuestro silencio ha sido el pretender hablar in situ sobre la música que íbamos encontrando a nuestro paso por el Valle del Ganges. No obstante, la falta de tiempo, la vagancia, y el deseo de unas añoradas vacaciones acabaron venciéndonos. Pero como no hay mal que por bien no venga, volvemos con las pilas cargadas y con ganas de dar cobertura a la actualidad musical en esta segunda temporada de Retroriff.com.

Sobre la India, deciros básicamente que es un país apasionante con una riqueza cultural inmensa. Lo mejor en cuanto al campo que nos ocupa es que su música clásica tradicional se mantiene inmune al proceso de globalización. A pesar de la importación de estilos e instrumentación occidental que ha sufrido desde que entrara en contacto con Occidente en los años 60, la India ha sabido conservar su legado musical de manera ejemplar. A diferencia de lo que sucede con la música tradicional de otras partes del mundo, su existencia no está condicionada por las ayudas institucionales. Las ragas y otros géneros clásicos siguen gozando de una gran popularidad. El pop reina entre las masas igual que en el resto del mundo, pero se trata un pop muy particular producido por los estudios cinematográficos de Mumbai, cuyas bandas sonoras suponen la principal industria musical del país.

Próximamente intentaremos dedicar algunos posts sobre las particularidades de la música india junto con alguna grabación que hemos realizado durante nuestra aventura. Por ahora tan solo queremos saludaros y daros las gracias por el apoyo recibido durante nuestras semanas de ausencia.

Miles Davis, "Kind of Blue" en versión 8 bits

Para celebrar el 50 aniversario de "Kind of Blue", al blogger y desarrollador tecnológico se le ocurrió producir una versión del legendario álbum de Miles Davis en 8 bits, es decir, sintetizado con el sonido de los viejos ordenadores. Andy investigó la existencia de "chiptune jazz" y determinó que hasta la fecha se habían realizado pocas versiones. De hecho solamente encontró cuatro referentes: John Coltrane con dos Giant Steps, uno de astOr y otro de Sergeeo, un "My favourite Things" versionado por Bun y un "Confirmation" de Charlie Parker firmado por astOr. astOr y Sergeeo, junto a los músicos de chiptunes Virt, Shnabubula, y Disasterpeace, aceptaron ocuparse cada uno de un tema del álbum.

Después de estimar en $2000 los costes necesarios para poner en marcha el proyecto, Andy intentó llevarlo a cabo a través de Kickstarter.com, una plataforma 2.0 en la que trabaja y a través de la cual uno puede solicitar financiación así como contribuir económicamente en proyectos ajenos. Sorprendentemente en menos de 4 horas de enviar su propuesta Andy obtuvo el dinero de producción solicitado. Con ello podría cubrir los royalties, pagar a los músicos e imprimir los CDs.

Pocos meses después, el remake de "Kind of Blue" ya es una realidad. La edición limitada en CD se demorará algo más, pero la versión digital podrá descargarse a partir del jueves 20 de agosto por tan sólo $5. Si sientes curiosidad puedes escuchar un previo desde su web oficial. Respecto a los resultados obtenidos, tanto la naturaleza del proyecto como su original puesta en marcha merecen un gran aplauso. Esperamos que este tipo de proyectos tengan continuidad.

• Web oficial de "Kind of Bloop"

Experimento cimático

El estudio de fenómenos asociados a ondas se conoce como Cimática. Como indica la entrada de Wikipedia, el término es usado para referirse a la interacción de ondas sonoras en distintos medios y los patrones físicos resultantes.

Este excelente vídeo de la revista MAKE muestra los fundamentos cimáticos mediante la vibración de un altavoz sometido a diversas frecuencias, un amplificador, agua y un poco de harina. El resultado es realmente espectacular.

"House At Pooneil Corners", el histórico Guerrilla Gig de Jefferson Airplane

Uno de los primeros ejemplos conocidos de Guerrilla Gig fue el realizado en noviembre de 1968 por Jefferson Airplane a sugerencia del cineasta Jean-Luc Godard para su inclusión en el documental político en el que estaba trabajando y que llevaba por título "One American Movie". Godard, consciente de que Jefferson Airplane era la banda que mejor representaba los ideales revolucionarios de aquella época, juntó a los músicos en la azotea de un céntrico hotel de Manhattan y sin permiso alguno, se dispuso a rodar mientras interpretaban "House At Pooneil Corners". La actuación culminó con intervención policial y amenazas de detención por escándalo público. Desgraciadamente el proyecto original nunca vio la luz, pero gracias al trabajo del documentalista D.A. Pennebaker el improvisado concierto pudo verse en el documental "Fly Jefferson Airplane", publicado casi 40 años después del histórico momento. Vía Wikipedia

• Fly Jefferson Airplane (Documental VOSE)

Phi Faa, el ritual musicoterapéutico de Tailandia (Issan) y Laos

Phi Faa es un ritual chamánico que se practica en la región de Issan (Tailandia del Nordeste) y Laos para curar enfermedades mediante música, cantos y danza. Se hace uso de un poder sobrenatural que reside en el cielo y que estas comunidades han deificado. El ritual se celebra normalmente para convalecer a una persona que ha sufrido una grave enfermedad. Los asistentes de esta ceremonia espiritual participan bailando alrededor de un altar expiatorio. La danza se prolonga toda una noche y sus participantes alcanzan un estado de trance. Esta práctica les proporcionará suerte y protección.

Vamos a ver un extracto de un documental etnográfico realizado por Mickspatz, que recoge un ritual que tuvo lugar durante dos noches de luna nueva el 25 y 26 de febrero del 2009 en Baan Nong Keng, Issan (Tailandia). Resulta especialmente interesante ya que se trata de unas prácticas que hasta ahora no han sido ampliamente documentadas. Los interesados pueden encontrar más información sobre el ritual Phi Faa y otras tradiciones de sudeste asiático en la web del autor.

David Byrne convierte el edificio The Roundhouse en un instrumento musical

El mítico edificio londinense The Roundhouse se convertirá proximamente en un instrumento musical donde sus visitantes serán quienes ejecuten la música. El proyecto de nombre "Playing the Building" es obra de David Byrne, quien a partir de un viejo órgano de fuelle conectado una red de cables conectados a diferentes elementos de la estructura del edificio ha creado una ambiciosa instalación musical. El propio autor comenta que "las partes más típicas de los edificios pueden ser utilizadas para producir interesantes sonidos. Todo el mundo está familiarizado con el hecho de que si goleas una columna de metal, por ejemplo, se oye un ruido o un ping, pero me preguntaba si las tuberías podrían ser convertidas en flautas gigantes, o si una máquina puede hacer vibrar vigas y producir tonos." No es la primera vez que Byrne experimenta con el sonido y los elementos arquitectónicos de un edificio, el pasado año en una instalación que llevaba el mismo título que la presentada en Londres, convirtió el Battery Maritime Building en otro instrumento de proporciones monumentales. La instalación que transformará The Roundhouse en un gran instrumento podrá verse a partir del 8 de agosto y permanecerá abierta al público hasta el día 31 del mismo mes.

Muere Merce Cunningham

Tras seis décadas de innovación que lo catapultaron como uno de los mejores coreógrafos vanguardistas del siglo XX, Merce Cunningham falleció el pasado domingo en su casa del West Village neoyorquino a los 90 años. La trayectoria de Merce Cunningham como bailarín empezó en la compañía de Martha Graham, en la cual permaneció hasta 1945. Tras unos años como profesor en el "American Ballet" (1949-1950) fundó su propia compañía que le llevó a colaborar con artistas como Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Frank Stella y David Tudor entre otros. Con John Cage e influído por la filosofía zen, Cunningham liberó a la danza – mediante el azar y la importancia del movimiento – de la estricta dictadura musical de la danza clásica.

Además del vídeo que he insertado a continuación, os remito a un interesante podcast sobre Merce Cunningham en catalán que emitió recientemente nuestro amigo Emili Miró desde su programa de radio Ones de Crom. En él podréis escuchar música compuesta para sus obras de danza o que ha homenajeado al bailarín. Entro otros, incluye composiciones de John Cage, David Tudor, Earle Brown.

Spotify para iPhone ya está aquí, si Apple da su visto bueno

En solo 6 meses hemos podido ver cómo Spotify ha revolucionado los hábitos musicales de los europeos. Ventajas como su comodidad e inmediatez podrían convertir la descarga de música en un capítulo del pasado. Si todo sigue su curso, paulatinamente vamos a descargar menos a medida que Spotify amplie su repertorio.

Para quienes utilizamos Spotify, el principal motivo que nos lleva a descargar un álbum disponible en Spotify es para poder escucharlo en reproductores MP3, cuyo mercado está liderado por la familia iPod & iPhone. Pero este argumento puede desvanecerse si Apple aprueba la aplicación para iPhone que Spotify ha enviado a iTunes Store esta semana. Sin duda es una de las noticias mejor recibidas por los usuarios de estos reproductores, pero también la que más controversia va a generar.

Hasta ahora iTunes Store se había apoderado sin rival alguno del mercado de música online. Spotify es el competidor más peligroso con el que han de enfrentarse. Tan peligroso que tenderles la mano en sus terminales puede resultar el fin del reinado de Apple en la música digital. Apple deberá decidir entre perder la hegemonía de este mercado, o rechazar una de las aplicaciones más solicitadas por los usuarios, lo cual puede decantar a muchos por Android. “Va a ser muy interesante ver si Apple nos acepta o nos rechaza por considerarnos su competencia — cruzamos los dedos", ha explicado el director de comunicación de Spotify Jim Butcher.

A diferencia de otras aplicaciones, Spotify no incluye links de venta directa a la Apple Store, y eso no va a ayudarles a ser bienvenidos. No obstante Apple obtendría un porcentaje de las ventas que se hicieran a través de iPhone. Así que a Apple podría dejar de interesarle el software que utilizamos para escuchar música, siempre y cuando utilicemos su hardware.

Otro gran problema que se le avecina a la empresa de la manzana es la futura disponibilidad de Spotify en Estados Unidos, una vez se terminen de firmar las licencias correpondientes. Un acontecimiento que indudablemente va a reducir las ventas de música en la iTunes Store. Vía Wired.

El artista antes conocido como Captain Beefheart (documental de la BBC)

Cuando en 1969 se publicó "Trout Mask Replica", la BBC no permitió a John Peel poner más de un tema en cada una de las sesiones de su programa semanal de radio, por lo que tuvo que pasar pista por pista, semana tras semana hasta haberlo reproducido íntegramente. Casi 30 años después, la misma cadena que vetó el trabajo musical del capitán acompañado por The Magic Band, programaba un especial para recuperar la figura de un artista que en 1982 decidió enterrar su carrera musical para esta vez con su verdadero nombre, Don van Vliet, dedicarse a otra conocida faceta de su identidad, la de pintor. El programa dirigido por Peel contaba con el soberbio documental "Some yo yo stuff" rodado en 1994 por Anton Corbjin y "The Artist Formerly Known As Captain Beefheart", documento narrado por el propio John Peel y que gracias al archivo Youtube podemos recuperar en toda su totalidad.

"Soy un genio, nací con los ojos abiertos" aseguraba Beefheart en una entrevista realizada en 1972. La lista de artistas que lo corroborarían sería casi interminable: Fred Frith, Pere Ubu, Tom Waits, Ry Cooder, Devo, John Lydon, Nick Cave, etc... Poco antes de su muerte, John Peel recordaba la figura legendaria de Beefheart en estos términos: "Si hubo alguna vez algo así como un genio en la historia de la música popular, ese fue Beefheart. La semana pasada escuché los ecos de su genialidad en algunos de sus discos y la próxima seguiré redescubriendo otros nuevos..."

• El artista antes conocido como Captain Beefheart (documental de la BBC)

La música que influenció a The Cramps (Vol 13)

Con motivo de la muerte de Lux Interior el pasado 4 de febrero, en Retroriff revisitamos las legendarias recopilaciones "Songs The Cramps Taught Us", que un fan había realizado y difundido a través de P2P bajo el pseudónimo de Kogar. El autor había publicado hasta ese momento 11 volúmenes basados en la información que Lux y Poison habían ofrecido en libros entrevistas a lo largo de su carrera.

Al poco de publicar la doceava, Kogar ha podido reunir un nuevo volumen de canciones gracias a una entrevista inédita hecha en los 90. Esta última recopilación de la serie incluye varias bandas actuales citadas por Lux y Poison, como por ejemplo The Mummies, The Oblivians, The Gories o The Demolition Doll Rods. Tampoco podía faltar Guitar Wolf, sobre la cual se refería Lux Interior:

The most Cramps influenced band I've heard in a long time was Guitar Wolf

El volumen 13 también incluye entre otras cosas bandas sonoras de algunas de sus películas favoritas. Y como gran novedad, viene acompañada de una portada hecha para la ocasión.

La investigación sigue abierta.

• Descargar el Volumen 13 de "Songs The Cramps Taught Us"

"Moonhead": la pieza improvisada de Pink Floyd mientras el hombre llegaba a la luna

El 20 de Julio de 1969, el comandante del Apollo 11, era el primer ser humano en poner los pies en la luna y pronunciar su famosa frase: "El pequeño paso de un hombre, un enorme salto para la humanidad." El mismo día, en los estudios de la BBC de Londres, Pink Floyd realizaba una sesión de improvisación mientras la cadena inglesa retransmitía en directo los primeros pasos de Neil Armstrong sobre la superficie del satélite. Un momento histórico que David Gilmour recordaba en un interesante artículo publicado por The Guardian el pasado día 2 de julio y que me gustaría acompañar con el vídeo de "Moonhead"...

• My moon-landing jam session (por David Gilmour)

Pinchando vinilo digital desde un iPhone

Tonetable es una aplicación para aquellos DJ que quieran controlar su sistema de vinilo digital desde sus iPhone o iPod Touch. Es compatible con la mayoría de mezcladores digitales como por ejemplo Serato's Scratch Live™, Native Instruments' Traktor Scratch™, M-Audio's Torq™ o Image-Line's Deckadance™.

Metronomy, "On the Motorway", o cómo realizar un gran videoclip con pocos recursos

Los film makers JUL&MAT han publicado un videoclip no oficial de la canción "On the Motorway" de los británicos Metronomy. Dos pinceles, varios cubos de pintura y mucho ingenio es lo que han necesitado para realizar sorprendente vídeo con reminescencias Rorschach.

Óbviamente no se trata de un trabajo puramente altruista ya que con ello están autopromocionándose. Pero aunque no hubieran conseguido los permisos pertinentes para utilizar la canción, la simbiosis resultante no hace más que beneficiar a los propios músicos.

Flea, Patti Smith y Master Musicians of Jajouka en el pasado Meltdown Festival

La profunda amistad entre Ornette Coleman y Master Musicians of Jajouka sumó un nuevo episodio el pasado mes de junio en el Meltdown Festival. Revivir el histórico encuentro en las montañas del Rif – y que dio pie a la grabación "Midnight Sunrise" (Dancing in Your Head 1975) – entre Coleman y la banda liderada por Bachir Attar era el plato fuerte de un cartel de lujo que contaba con Yoko Ono Plastic Band, Yo La Tengo, Bobby McFerrin, Patti Smith y The Silver Mt. Zion Memorial Orchestra entre otros. Algo habitual en otras ediciones del festival ha sido la espontaneidad a la hora de conjuntar musicos que a priori no estaban en el programa, algo que quedó patente en el primer concierto de Ornette Coleman: Reflections of This is Our Music + Master Musicians of Jajouka celebrado en el Royal Festival Hall London. Bachir Attar animado por Coleman invitó a Patti Smith y Flea de Red Hot Chili Peppers a unirse a los virtuosos músicos marroquíes para interpretar "Hlalia".

Escucha lo nuevo de Os Mutantes después de 35 años de silencio

El próximo 8 de septiembre va a ver la luz el primer disco de Os Mutantes en 35 años. El álbum "Hail" va a ser lanzado por el sello Anti- y supondrá la primera publicación internacional de la banda. Se trata de uno de los discos más esperados del año, ya que los que fueran pioneros del pysch-rock brasileño se separaron en 1978 y desde entonces solamente se habían reunido en el 2006 para realizar unas pocas actuaciones en Estados Unidos. "Haih" es el retorno de una de las bandas más influyente del rock, a pesar del poco éxito internacional alcanzado durante sus años de actividad.

El álbum contará con la participación de los también legendarios Tom Zé y Jorge Ben. No hará falta esperar a septiembre para saber como suenas los reagrupados Os Mutantes. Ya podemos escuchar el tema "Teclar", con el cual podemos apreciar un estilo más apaciguado que el de sus primeros trabajos.

• Escucha la nueva canción de Os Mutantes

Documental sobre el redescubrimiento de Death

Hoy en día, coleccionistas de discos, periodistas y estrellas de rock – según Jack White "son los precursores del punk, mucho antes del nacimiento del punk" – están de acuerdo al señalar a Death como el eslabón perdido en la evolución del punk rock. Where Do We Go From Here es un documental que intenta acercarnos a la historia del redescubrimiento de una banda que fue totalmente ignorada durante tres décadas, y que por algún capricho, el destino quiso que 2009 fuera su año. Primero la reedición del único ábum de la banda y ahora un documento que intenta situar a la banda en el lugar de la historia que le corresponde.

Un árbol utilizado como instrumento musical

Diego Stocco es un imaginativo diseñador de sonidos y compositor que reside en Burbank, California. Ha trabajado para empresas como Korg, Nokia, Samsung, Panasonic, y recientemente ha firmado la banda sonora del videojuego para Wii “The Conduit". Su música utiliza sonidos diseñados específicamente para cada proyecto a través de instrumentos y técnicas de creación propia. Entre sus experimentos sonoros destacan "The Burning Piano", "Luminosonic", "The Drying Rack", o "Typosonic Machine", todos ellos presentados mediante vídeos que publica él mismo en internet.

Siguiendo un proceso de composición similar al que utilizara con una bicicleta Frank Zappa 40 años atrás, Stocco se sirve de un árbol del jardín de su casa. Le coloca varios micrófonos y un estetoscopio para grabar los sonidos que produce éste cuando es manipulado. La música que obtiene es el resultado de doblar las ramas, agitar las hojas, percutir en la corteza, etc. "Music From A Tree" puede verse en el vídeo que hemos publicado a continuación, pero también se puede descargar en formato MP3. Vía Scene360.

Boredoms: nuevo álbum y "Super Roots 10"

Tal y como revelaron recientemente en la web de Thrill Jockey, Boredoms se encuentran ultimando detalles de lo que será su próximo trabajo de estudio tras "Seadrum/House of Sun". Para hacer de boca y que la espera sea más llevadera, la discográfica anuncia para el 9 de septiembre la reedición del EP "Super Roots 10", disco que llega con medio año de retraso a Europa después de una muy limitada edición japonesa. No es casualidad que el lanzamiento sea el 09/09/09, ya que dos años atrás, su obsesión por la numerología les llevó a dirigir a 77 percusionistas en el Empire-Fulton Ferry State Park de Brooklyn; era el 7 de septiembre de 2007. Paralelamente al lanzamiento del décimo Super Roots, la banda vuelve a la Gran Manzana justo dos días, dos meses y dos años después para realizar un concierto, que a juzgar por su título, será una continuación de aquel memorable experimento ruidista: BOADRUM 9.

Y que mejor manera para celebrar la vuelta de Boredoms que con Super Go!!!!!, primer videoclip del grupo publicado por Warner Music Japan en VHS y que gracias a la inagotable fuente Youtube, tenemos oportunidad de rescatar.

La SGAE rusa multa a Deep Purple por tocar sus propias canciones

La absurdidad del proteccionismo está llegando a un nivel de lo más hilarante. La última hazaña de una sociedad de autores es tan grotesta que recuerda la pintura de Goya "Saturno devorando a sus hijos". Ha sucedido en Rusia, un país que los veteranos Deep Purple incluyeron el pasado año en su gira "Rapture of the Deep World Tour". El periódico RussiaToday.com cuenta que al no haber obtenido previamente una licencia para poder interpretar sus temas, la NGO (equivalente a la SGAE en Rusia) ha llevado a los organizadores del concierto a los tribunales. El juez ha decretado que por cada canción interpretada deberán abonar una multa de 30000 rublas (6557€ aprox).

Serán los propios Deep Purple quienes recaudarán la multa, aunque deduciendo previamente la comisión que recibirá la respectiva sociedad de autores. Se trata del mejor ejemplo en versión ruso de aquel famoso eslogan asociado a la SGAE que reza: "Siempre Ganamos Algunos Euros". Según Enrique Dans lo peor de todo esto es que no se trata de un caso exclusivo de Rusia:

En muchos otros países, incluido España,muchos autores se han encontrado con paradojas semejantes en numerosas ocasiones, tales como tener que depositar unos derechos que posteriormente les son revertidos a sí mismos tras deducir la correspondiente comisión.

Greymachine, el nuevo proyecto de Justin Broadrick (Jesu) y Aaron Turner (ISIS)

Tras dos años de espera, el proyecto de Justin Broadrick (Napalm Death, Godflesh, JESU, etc...) y Aaron Turner (ISIS) ya tiene fecha de lanzamiento. Será el próximo 4 de agosto cuando el primer trabajo de GREYMACHINE vea la luz bajo el sugerente título de "Disconnected". A lo largo de estos años mucho se ha especulado sobre los miembros de la banda y las colaboraciones con las que contará el álbum, incluyendo nombres tan dispares como Stephen O'Malley o la cantante neoyorkina Jarboe. A falta de datos que confirmen las colaboraciones, la banda queda formada por los mencionados Broadrick y Turner junto a Diarmuid Dalton y el multiinstrumentista Dave Cochrane. El resultado – como puede apreciarse en el tema "Vultures Descend" – es una sorprendente amalgama ruidosa muy diferente a lo que habitualmente hacen en sus respectivos proyectos y que el propio Justin Broadrick define de la siguiente forma: "En Greymachine todo es muy improvisado, psicodélico, buscando un sonido desagradable; algo que realmente la gente no espere ya de nosotros."

• Grey Machine – “Vultures Descend” (mp3)

Reeditado en vinilo el primer álbum de Nurse With Wound

El sello Dirter Promotions acaba de anunciar que ya se pueden hacer reservas de la reedición en vinilo de una de las óperas primas más singulares de la música experimental. "Chance Meeting on a Dissecting Table of a Sewing Machine and an Umbrella" es el nombre del primer disco de Nurse With Wound, publicado en Londres en 1979 con un tirada inicial de 500 copias numeradas a mano. Según Wikipedia, Tim Gane de Stereolab y William Bennett de Whitehouse fueron adquirieron uno de estos ejemplares antes de formar sus respectivas bandas.

Para celebrar su 30 aniversario, además de su reedición regular en formato vinilo, van a imprimirse la misma cantidad de unidades en una cuidada edición de lujo. El álbum estará formado por dos LP, el segundo de los cuales contendrá un tema inédito titulado "Strain, Crack, Break" en la cara tres y un gráfico en su reverso.

Este clásico del ruidismo había sido reeditado en anteriores ocasiones pero nunca antes con un formato tan atractivo. Junto al doble vinilo, la edición especial incluye una camiseta de la legendaria "NWW list", un pin, y una reproducción de la portada original numerada y firmada por Steven Stapleton. El precio de este suculente paquete asciende a 45£ más gastos de envío, lo cual suponen unos 75€ para recibirlo dentro de Europa.

El álbum, que debe su nombre a la famosa cita de "Los cantos de Maldoror" del Conde de Lautréamont, se convirtió en un referente de la experimentación por la singularidad de su propuesta. Pero también dio mucho que hablar debido a la inclusión de una lista de bandas y artistas que habían inspirado al grupo, y que fue completada en su segundo álbum con un total de 294 referencias. A día de hoy todavía sigue siendo una fuente de información para los amantes de la música experimental. La banda demostró tener un gran conocimiento de la música outsider que se estaba realizando alrededor del globo, incluyendo grupos como por ejemplo la Companyia Elèctrica Dharma en Catalunya.

En internet hay varias webs que recogen el testimonio de la "NWW list" y tratan de recoger aquellos álbums que podrían haber caído en manos de la banda. En esta página vas a poder encontrar mucha información al respecto, así como en esta otra y en este blog.

• Puedes hacer tu reserva de la edición especial en Dirter Promotions

"Only Death Is Real", una historia ilustrada de Hellhammer y el nacimiento del Black/Death

Tom Gabriel Fischer (Hellhammer/Celtic Frost) y Bazillion Points Books han anunciado la publicación de "Only Death Is Real: An Illustrated History of Hellhammer and Early Celtic Frost", libro muy al estilo del publicado por Vice Books y en el que el fotógrafo Peter Beste captaba la esencia de la escena black metal noruega tras una larga e intensa inmersión periodística por las profundidades del underground oscuro. En esta ocasión y tras cinco años de ardua documentación en torno a las bandas seminales de metal extremo suizo, el resultado se antoja como un claro referente en la literarura del Metal e imprescindible para comprender mejor un fenómeno tan marginal en la década de los 80 como fue el Black/Death. La antología de 288 páginas y más de 300 fotografías será publicada en noviembre de este mismo año.

Hellhammer está considerada como una de las más influyentes bandas del Heavy Metal, a la que se atribuye el primer disco de influencias Black. Hasta su disolución influyeron a toda una generación de bandas en los años 80. Más tarde y ya como Celtic Frost, publican "To Mega Therion", obra maestra de la banda y piedra angular de la futura escena Black Metal noruega de los años 90.

• Una historia ilustrada del nacimiento del Black/Death
• "Morbid Tales" de Celtic Frost (Spotify)

Varios Artistas, "Dirty French Psychedelics"

La discográfica Dirty / Discograph ha lanzado una interesante recopilación que viene a recordarnos que "Melody Nelson" de Serge Gainsbourg no fue un acontecimiento aislado. El auge de creatividad que vivió Francia durante las décadas de los 60 y 70 hizo aflorar un psycho-pop de identidad propia. Varios artistas cercanos al pop y a la composición de bandas sonoras experimentaron con otras géneros y con los nuevos sonidos que la electrónica descubría por entonces.

"Dirty French Psychedelics" rescata trece interesantes piezas de música francesa que hasta ahora han vivido en la marginalidad. Exceptuando a Brigitte Fontaine, la mayoria de los autores incluidos tuvo que contentarse con un escaso reconocimiento internacional a pesar de que algunos de ellos gozaron de un gran éxito dentro de sus fronteras. Bernard Lavilliers fue uno de los iconos de la canción protesta francesa y es precisamente quien más nos aproxima a la obra maestra de Gainsbourg con su "Les aventures extraordinaires d'un billet de banque", perteneciente al álbum "Le Stéphanois" (Disque Motors, 1974). Como bien apunta Chris Sharp desde la revista The Wire (Julio 2009), contiene una progresión de acordes tan similar a Melody Nelson que permitiría incluirla como bonus track.

Brigitte Fontaine participa con un tema a lo John Barry extraido de su primer álbum "Brigitte Fontaine Est..." (Saravah, 1970), probablemente su trabajo más accesible. Extraño pop intimista con "Long song for Zelda" del beatnik Dashiell Hedayat. Es el tercer tema de "Obsolete", un álbum progresivo orquestrado por los Gong de Daevid Allen y que contiene una escueta participación del mismísimo Williams S. Burroughs.

Otra pieza destacable es "Be quiet" de Jean-Jacques Dexter, cuyas primeras notas nos transportan al "Da Funk" que compondrían dos décadas más después sus paisanos Daft Punk, y que nos sitúa a este autor como uno de los precedentes de la electrónica francesa. "La frite équatoriale" pertenece a François de Roubaix, un destacado compositor de bandas sonoras en Francia durante los 60's y 70's. Más cinematografía con "Utiopia" de Karl Heinz Schäfer & Arabian y "Sunny Road to Salina" de Christophe, la cual contiene un pronuncuado aroma a spaghetti western.

Y así hasta llegar a otro de los momentos más interesantes del recopilatorio. Cheval Fou firma "La fin de la vie, le début de la survivance" , un tema de doce 12 minutos marcados por una percusión tribal que combina melodías exóticas con grabaciones paisajísticas y discursos susurrantes.

• Web oficial de "Dirty French Psychedelics"

La influencia de Michael Jackson en el Hip Hop

Vía Twitter me he tropezado con un gráfico que muestra la influencia que ha tenido Michael Jackson en el Hip Hop. El mapa, realizado por Ethan Hein dos meses antes de la muerte de Jackson, es un intento más por construir el linaje del Rey del Pop en la música popular americana desglosando bandas y autores que han sampleado en algún momento su música. Indagando un poco más en el Flickr del autor que se ha tomado la molestia de crear este curioso árbol genealógico musical, he podido dar con un puñado de otros no menos interesantes como los mapas que muestran bandas que han sampleado los temas más recurrentes de los jazzmen Miles Davis y Herbie Hancock, amén de un puñado de bandas entre las que se encuentran Parliament, Björk y Wu-Tang Clan entre otras.

• La influencia de Michael Jackson en el Hip Hop
• Otros mapas musicales de Ethan Hein

Jugando al Mario Bros con un Theremin

Como muchos sabrán, el Theremin es un instrumento electrónico que tiene la curiosa característica de que se toca sin la necesidad de contacto físico. El intérprete desempeña el papel de un conductor eléctrico e interactúa acercando la mano a una antena vertical y así aumentando la frecuencia del sonido y alejándola en caso de querer disminuirla. Con la otra mano dirigida hacía la antena horizontal, controla el volumen del sonido progresivamente... Lo que sigue, lejos del concepto original del instrumento, es una partida al clásico Mario Bros con un Theremin adaptado al videojuego, controlando los movimientos del héroe de Nintendo como si fueran frecuencias y los saltos como intensidades de volumen.

No es la primera vez que alguien une un Theremin con Mario Bros. Hace justo un año alguien tuvo la osadía de interpretar el tema musical del arcade con el instrumento que en 1919 desarrolló el ruso Lev Serguéievich Termen.

Vídeo tributo a Hugh Hopper

Como ya anunciamos, el pasado 7 de junio nos dejó Hugh Hopper, bajista de los también desaparecidos Soft Machine. La admiración que nos profesa el trabajo de los de Canterbury nos impulsa a rendir homenaje a quien fuera una de sus figuras claves. Hemos adjuntado una retrospectiva que recoge imágenes de de Soft Machine así como sus últimos proyectos de Hopper, e incluye fragmentos de una entrevista efectuada en el 2007.

Digging: los ingredientes secretos del DJ

Tanto o más importante que los Beatjugglings, crabs y demás técnicas que el DJ utiliza para crear estructuras con sonidos de un vinilo, es la minuciosa búsqueda de samplers y atmósferas poco reconocibles que darán vida a futuras composiciones. El rastreo de ingredientes sonoros en polvorientas cajas de discos apiladas y su posterior recomposición es el tema del interesante vídeo realizado por Justin Holbrook en colaboración con Constalation Funk.

La música que inspiró a Captain Beefheart

El sello Chrome Dreams ha publicado una recopilación de la música que Don Van Vliet supuestamente admiraba y que pudo haberle influido en los álbums que gestó, a partir de 1967, con la Magic Band. Se trata de una selección hecha con buen criterio aunque sin grandes sorpresas. Incluye mucho blues, a cargo de músicos como Muddy Waters o Lightnin’ Slim, el R&B californiano de Richard Berry, y free jazz representado por Ornette Coleman y John Coltrane. Howlin' Wolf aparece por partida doble y de manera acertada por la evidente gran influencia que éste ejerció en discos como "Mirror Man" o "Trout Mask Replica". Tampoco han olvidado incluir rarezas como el legendario One String Sam, un músico callejero que en 1956 grabó dos únicos blues, acompañando su voz con un instrumento de una cuerda y de fabricación casera con el que consiguió un peculiar sonido.

"Captain's Beefheart's Jukebox" se suma a la serie de recopilaciones que algunos sellos han dedicado a las raices musicales de grandes estrellas del rock, como por ejemplo Jimi Hendrix, Nick Cave o Jerry Garcia. Estas colecciones resultan interesantes para descubrir cuales fueron los referentes y precedentes de los músicos que admiramos, así como para comprobar que ningún artista surge de la nada.

Joseph Stannard, crítico de la revista inglesa The Wire, afirma este mes que Don Van Vliet fue probablemente el último músico que hizo una aportación novedosa al blues, teniendo en cuenta que considera post-Beefheart músicos como Jandek, Tom Waits o Ignatz.

• Más información sobre "Captain's Beefheart Jukebox"

El penúltimo baile del Rey del Pop

Cuando Michael Jackson presentó la idea de crear un video musical que contara una historia para dar un sentido visual a su música, Sony se negó rotundamente por considerarla demasiado arriesgada y poco práctica para la promoción de su recientemente publicado "Thriller". El director John Landis comentaba al respecto que "Michael Jackson había visto el trabajo de Rick Baker, transformando a un hombre en un lobo en "Un hombre lobo americano en Londres." Estaba tan fascinado por la transformación que quería hacer una película en la que él acabara transformado en un monstruo". Lo que en aquel momento parecía un capricho de 800.000 dólares marcaría un antes y un después en la industria del videoclip, revolucionando la forma de entender la promoción musical...

No encuentro mejor forma de homenajear al Rey del Pop que con esa milagrosa pieza cinematográfica, que 25 años atrás, nos dejó tan absortos como hoy su inesperada muerte.

Sónar 2009: ¿Qué es lo que diferencia la música de Omar Souleyman y Camela?

Desde este blog os recomendamos meses atrás la actuación de Omar Souleyman en la reciente edición del Sónar. A pesar de algunos comentarios peyorativos que han podido leerse estos días, parece que el público se lo pasó en grande. Hoy muchos periodistas, bloggers y asistentes comparan a Omar con Camela y se preguntan si éstos actuarán en la próxima edición del festival. A esto queremos intentar argumentar por qué tiene cabida el primero y en cambio no la tienen los reyes de la tecno-rumba.

Si nos basamos en el principio de que el Sónar abre sus puertas a todo género electrónico, Camela encaja tanto como Jeff Mills o Grace Jones. No obstante a la práctica no es así. Hay ciertos géneros musicales que suelen quedar excluidos, como por ejemplo el Goa, el Acid Trance o el bacalao valenciano. Esto es así porque el programa del Sónar no se basa en el "todo vale", sino en el comisariado que realizan durante todo el año sus organizadores. El mismo equipo que ha creído interesante contratar a Animal Collective es quien ha aprovechado el tour europeo del sello Sublime Frequencies para presentarnos a sus artistas más reconocidos: Omar Souleyman y Group Doueh (este último excluído de este evento por no tratarse de un artista electrónico). Por lo tanto el único motivo para incluir a unos y no a otros se basa más en el criterio musical de sus organizadores que en la instrumentación utilizada.

Y ahora es cuando trataremos de contestar a la pregunta del millón, ¿qué es lo que hace más interesante a ojos de los organizadores del Sónar a Omar Souleyman que a Camela? No puedo hablar en su nombre pero sí que puedo daros mi punto de vista. Empezaré reconociendo que valoro más canciones como "Atabat" que el repertorio completo de Fever Ray. El por qué de esto no voy a contestarlo aquí para no extenderme. Pero en cuanto a la música de Camela quiero constatar que a pesar de su matiz rumbero, esconde detrás un pop tan vulgar y corriente como el de los triunfitos o el de las vanagloriadas reinas del pop internacional. Camela bebe de la rumba y el techno-pop nacional, pero sobretodo del pop occidental facilón. En cambio, Omar no utiliza en sus melodías escalas menores occidentales que Camela u otros artistas de pop árabe han tomado prestadas, sino escalas árabes tradicionales. Esto no lo hace mejor que el resto, pero sí que lo hace más interesante para quienes no nos gusta que nos machaquen una y otra vez con lo mismo. Además era la primera vez que Omar Souleyman actuaba en Occidente y por lo tanto se trataba de una oportunidad única para presenciar una música en directo que hasta ahora nos ha sido desconocida.

Os remito al fragmento de su actuación que ha publicado la revista The Wire y os recomiendo una vez más el álbum "Highway to Hassake" (Sublime Frecuqncies, SF031).

"Prélude au sommeil", un nuevo documental sobre Jean-Jacques Perrey

He aquí el trailer de "Prélude au sommeil", un nuevo documental sobre el precursor de la música electrónica popular Jean-Jacques Perrey. La película, dirigida por Gilles Weinzaepflen cuenta con la participación de Gershon Kingsley, coautor junto a Perrey de los seminales "The In Sound From Way Out" (1966) y "Kaleidoscopic Vibrations" (1967). Angelo Badalamenti, Michel Gondry y Air entre otros artistas, hablan de la gran influencia que ha supuesto el autor francés en su obra y la repercusión que ha tenido su afán por explorar con los "nuevos sonidos" de instrumentos electrónicos fabricados entre 1950 y 1970, muchos de ellos hoy obsoletos, como el Rhythmicon y el Ondioline, y que desde los años 90 han sido sampleados hasta la extenuación. El documental se puede adquirir en formato DVD o bien verlo integramente como Video on Demand en el siguiente enlace.

• JJ Perrey et la musique électronique (DVD y VOD)

10 álbums seleccionados por Ferran Fages

Muere el músico indio Alí Akbar Khan

El célebre músico indio Alí Akbar Khan, que popularizó el uso del 'sarod', un instrumento de cuerda tradicional del sur de Asia, falleció a los 87 años en la ciudad estadounidense de San Anselmo. Junto a Ravi Shankar fue uno de los más conocidos embajadores de la música clásica india en Occidente. Posiblemente su obra más conocida – además de la banda sonora de "Devi", del director indio Satyajit Ray – sea "Legacy", un trabajo que recorre la música india entre los siglos XVI al XVIII y donde destacan las partes vocales de Asha Bhosle. Vía Meneame

• Raga Durga-alap, jod, gat-teentaal (enlace Spotify)

Podcasts de Pere Ubu interpretando a Pere Ubu

Desde el pasado martes 16 de junio y hasta el el 22 de septiembre del 2009 vamos a poder descargarnos "Bring Me The Head Of Ubu Roi". Escrita por David Thomas, se trata una adaptación de "Ubu Roi", la obra emblemática del dramaturgo Alfred Jarry, precursora de movimientos como el dadaísmo y el surrealismo, y que tanto convulsionó a la sociedad parisina en 1896. Con este trabajo, Pere Ubu rinde homenaje a la obra que inspiró el nombre de esta banda de rock experimental y art-punk.

"Bring Me The Head Of Ubu Roi" fue presentada en el teatro Queen Elizabeth Hall de Londres el 24 y 25 de abril del 2008. Fue un espectáculo musical de gran envergadura que la misma banda interpretó teatralmente, y que incluía trabajos cinematográficos y coreografías con marionetas. El espíritu que emanó fue tan frenético y caótico que cuando una entraron en la sala unos enfermeros para asistir a un espectador, la audiencia creyó que formaba parte del show.

La primera parte de "Bring Me The Head Of Ubu Roi" (Version 2) Radio Play será publicada en hearpen.com a través de entregas, ofrecidas cada 2 semanas en formato podcast y sin ningún coste.

• Subscribirse a los podcasts de "Bring Me The Head Of Ubu Roi"

"Sacred Trickster", el video Sonic Youth en homenaje a las mujeres del punk

"Sacred Trickster" es el nuevo videoclip que ha presentado Sonic Youth para promocionar el lanzamiento de su decimosexto álbum de estudio. El vídeo, de sólo dos minutos de duración es obra del director Tom Surgal y cuenta la historia de tres jóvenes anarquistas dispuestas a detonar una bomba en una fiesta que se lleva a cabo en una azotea de Manhattan. Además de las referencias al Godard de "Made in USA" y "Alphaville" y al compositor Enoch Light, la historia es un claro homenaje a Patti Smith y a todas las mujeres que han desarrollado un papel fundamental en la historia del punk.

La historia animada de los Beatles en 2 minutos

El 9 de septiembre es una de las fechas más esperadas para los amantes de los videojuegos ya que es cuando saldrá al mercado "The Beatles Rock Band". Dicho juego repasará la discografía de los Beatles a través de 45 canciones, desde su primer álbum "Please Please Me" (1962), hasta "Abbey Road" (1969), su última grabación con EMI.

Para darle más cobertura mediática al producto, ya se ha difundido por internet la animación que funcionará como obertura. Un excelente cortometraje animado de tan sólo 2 minutos que recorre a grandes rasgos la historia del grupo.

Así suenan los reagrupados Faith No More

Tras 11 años de inactividad los miembros de Faith No More (con la ausencia del guitarrista original Jim Martin) volvieron a subir a un escenario con motivo del Download Festival que se realiza anualmente en Donington Park, Reino Unido. El conjunto liderado por Mike Patton ofreció 80 minutos de concierto y un repertorio que incluía clásicos como "The Real Thing", "We Care A Lot", "Surprise! You're Dead!", etc... y un puñado de buenas versiones de bandas como Peaches y Lady Gaga, además del clásico "Easy" (The Commodores) que el grupo popularizó en los 90 como homenaje a Motown.

El show fue emitido integramente por internet, y posteriormente subido por un alma caritativa a los servidores de Youtube. Gracias a ello hoy tenemos la posibilidad de ver como suenan unos reagrupados Faith No More.

• Así suenan los reagrupados Faith No More

El pensamiento de Jean Baudrillard convertido en música

UbuWeb acaba de publicar otra rareza inéditas que merece la pena prestar atención. Se trata de una grabación en directo en la que Jean Baudrillard recita su poética acompañado de una banda de músicos all star compuesta por Tom Watson, Mike Kelley, George Hurley, Lynn Johnston, Dave Muller, Amy Stoll, y la vocalista Allucquère Rosanne Stone. Este acontecimiento tuvo lugar en el Chance Festival del Whiskey Pete's Casino en Stateline Nevada, 1996.

Además del citado documento sonoro, UbuWeb nos ofrece el documental "The Violence of the Image" (2004), en el cual el filósofo francés reflexiona sobra la violencia de la imagen en los medios audiovisuales. Vía WFMU.

• Descárgalo gratis en UbuWeb

Descarga libre de "May The Plague Be With You {remiXes}"

En noviembre de 2006 Plague Recordings publicaba una limitadísima edición de "The Plague Be With You", primer título de una corta pero intensa discografía que contenía 3 temas de veintitrés minutos creados anónimamente –para evitar posibles represalias legales por parte de sus respectivas compañías discográficas– por conocidos artistas de la escena electrónica. En clara referencia al nombre del sello que se ponía en marcha, cada uno de los 69 ejemplares de la edición venía acompañado con la radiografía de un pulmón enfermo. No era el único juego conceptual de un álbum que además de las estratagemas legales, tenía en la duración de sus canciones una relación cuasi mística; el número 23 es el primo más pequeño para el que la suma de los cuadrados de sus dígitos es también un primo impar. El disco se convirtió rapidamente en un referente del ambient experimental y en una pieza muy codiciada.

Disponible desde el pasado 24 de mayo, "May The Plague Be With You {remiXes}" recoge 7 remezclas del primer lanzamiento de Plague Recordings. En esta ocasión en los créditos figuran los nombres de Scanner (Robin Rimbaud), The Caretaker, Maarten van der Vleuten, Audela, Sid Redlin, Nathan Siter y vidnaObmana. Algunos de ellos posibles autores de la grabación original y que ahora nos regalan una revisión, que de nuevo por motivos legales, no pudo editarse en 2007.

01. Audela - Black Box Warning [23 Black Boxes Mix] (9:13)
02. Maarten van der Vleuten - Black Box Warning [Through The Cracks In Box] (9:40)
03. Nathan Siter - Black Box Warning [Remix] (8:50)
04. Scanner - Black Box Warning [Remix] (8:00)
05. Sid Redlin - Black Box Warning [Rotary Glass Mix] (4:44)
06. The Caretaker - Black Box Warning [Remix] (7:56)
07. vidnaObmana - Black Box Warning [Subterranean Plague Mix] (6:23)

• Descarga "May The Plague Be With You {remiXes}" (320kbps)
• Plague Recordings (web oficial)

Muere Hugh Hopper, bajista de Soft Machine

El pasado domingo se anunció en los medios la reciente defunción del bajista Hugh Hopper. Todavía no se han precisado detalles sobre el suceso pero podemos deducir que ha sido consecuencia de la leucemia que padecía. Su muerte llega apenas un año después que en Retroriff os informáramos sobre los serios problemas de salud y económicos que acechaban al músico. Con esta triste desaparición ya suman dos los componentes de Soft Machine que nos abandonan, después que hace dos años lo hiciera el saxofonista Elton Dean.

La trayectotía de Hugh Hopper empezó junto a Daevid Allen y Robert Wyatt en el Daevid Allen Trio antes de formar Wilde Flowers junto a su hermano Brian, Wyatt, Kevin Ayers y Richard Sinclair. Pero alcanzó la cima con Wyatt, Allen, Ayers y Mike Ratledge en Soft Machine. En su legado nos queda un hito en la historia del rock progresivo y del jazz fusión británico con excelentes trabajos como "Third" o "Fifth".

Después de Soft Machine, Hopper participó en grupos como Gilgamesh y Isotope, y emprensió una carrera en solitario en la que destacan àlbums como "1984" y "Hopper Tunity Box". Desde 2002 participaba con sus antiguos colegas en Soft Works, que posteriormente se convertiría en Soft Machine Legacy (a los cuales afortunadamente tuve el placer de escuchar en Barcelona en el 2005).

• Discografía en solitario de Hugh Hopper

"Soul Power", documental sobre el histórico concierto Zaire '74

El 30 de octubre de 1974, el promotor Don King organizó en Kinshasa un combate para que Muhammad Ali intentara recuperar la corona de los pesos pesados contra el aspirante George Foreman. Paralelamente al evento pugilístico, el músico Hugh Masekela y el productor Stewart Levine programaron una serie de conciertos que a la postre se convertirían en uno de los eventos músicales más importantes del S.XX en suelo africano: Zaire'74. James Brown, BB King, Bill Withers, Celia Cruz y Miriam Makeba entre otros ofrecieron tres noches de música que fueron recogidas por la cámara del director Leon Gast y editadas bajo el título de "When We Were Kings" (1996). En aquel documental Gast mostraba unicamente el fenómeno deportivo de Zaire '74. Sin embargo, muchas horas de material original quedaron almacenadas en un depósito de Nueva Jersey durante más de 20 años. Tras algunas trabas legales, los rollos fueron visualizados por el realizador que decidió crear "Soul Power", documental que describe la trastienda del histórico evento y que llegará el próximo mes de julio a la gran pantalla.

Vídeo demostración del joystick tocadiscos para el juego DJ Hero

Hoy ha finalizado en Los Angeles el E³, la convención más importante de la industria de videojuegos. Uno de las novedades que se han podido ver en acción ha sido el emulador de tocadiscos que funcionará como joystick en el próximo juego para Xbox DJ Hero. Se trata de un producto similar al Guitar Hero pero basado esta vez en el turntablism. Su controlador está compuesto por una mesa inalámbrica con 3 botones en el plato que actúan de manera similar a los trastes de su predecesor, un crossfader y un botón de "euforia".

Son más de 100 artistas los que han dado permiso para utilizar sus composiciones en este juego. Muchos de los temas serán adaptados mediante remezclas por reputados DJs como por ejemplo DJ Shadow, DJ z-Trip, DJ AM y Daft Punk. Entre las canciones confirmadas figuran "Rockit" de Herbie Hancock, "Sabotage" de Beastie Boys, "I Heard it Through the Grapevine" de Marvin Gaye, "Let's Dance" de David Bowie, y "All Apologies" de Nirvana.

A pesar de que la fecha de lanzamiento de DJ Hero está prevista para el 27 de octubre en Estados Unidos, ya pueden verse algunos vídeos sobre su funcionamiento. Hemos elegido el vídeo que ha publicado el popular blog norteamericano de gadgets Gizmodo pero te recomendamos echarle también un vistazo a la demo "Guitar vs Dj" que podréis encontrar en Youtube.

Edgar Varese y la presumible primera grabación (nunca publicada) de free jazz de la historia

El blog WFMU acaba de publicar una desconocida grabación en la que Edgar Varese dirigía a ilustres figuras del Jazz en un workshop que realizó en el año 1957 y que posteriormente utilizó para su famoso Poème Électronique. Según el descubridor de esta misteriosa sesión, las cintas originales venían acompañadas de un texto que me he tomado la licencia de traducir libremente:

Edgard Varèse conduce una orquesta de Jazz formada por Art Farmer (trompeta), Hal McKusik (clarinete, saxo alto), Teo Macero (saxo tenor), Eddie Bert (trombón), Frank Rehak (trombón), Don Butterfield (tuba), Hall Overton (piano), Charlie Mingus (bajo), Ed Shaughnessy (batería) y probablemente John La Porta (saxo alto)...

Podría tratarse de la primera grabación de free jazz de la historia. ¿Pudo Varèse haber influido en el Jazz o simplemente estaba al corriente de algo que ya estaba sucediendo? La respuesta poco importa, no obstante estamos ante una obra grabada 3 años antes del seminal Free Jazz de Ornette Coleman. La afición de Varese por el Jazz y en especial por John Coltrane es bien conocida, incluso Charlie Parker sabedor de ello quiso estudiar con el compositor durante el otoño de 1954, algo que no pudo llevarse a cabo primero por un viaje de Varese a Europa y posteriormente por el fallecimiento de Parker.

Durante los domingos comprendidos entre marzo y agosto de 1957 se llevaron a cabo Jam Sessions organizadas por Earle Brown y Teo Macero. En ellas participaron el arreglista George Hábil, el periodista Robert Reisner, los compositores James Tenney, Earle Brown y John Cage, además del coreógrafo Merce Cunningham.

Desafortunadamente la grabación no tiene la calidad que merece pero aún así se puede descargar integramente en la web de WFMU.

• "Edgar Varèse and the Jazzmen" (MP3s)

Algunas impresiones sobre el Primavera Sound

Una vez más el Primavera Sound ha vuelto a situarse como uno de los mejores festivales del mundo en la escena indie/independiente. Lo hace especial un lujoso cartel que viene acompañado del espléndido tiempo que suele hacer en Barcelona por estas fechas y de un hermoso escenario envuelto por el mar. A pesar de la gran afluencia de público, la organización ha ido mejorando año tras año con la consecuencia de que las colas prácticamente han desaparecido.

Los comisarios del certamen son especialistas en reunir artistas mediáticos con otros de menos calado que merecen una mayor atención. Es el lugar ideal para ver en escena a músicos de renombre, pero sobretodo para descubrir y dejarse llevar. Suele pasar que los músicos en los depositamos más expectación pueden defraudarnos, mientras que los que no consiguieron seducirnos en estudio lo hacen a través del directo (como a nosotros nos ha sucedido con The Bug). Pero lo que más satisface es volver a casa habiendo disfrutado con bandas que antes desconocíamos.

Vamos a repasar lo que este festival ha dado de sí comentando algunos de sus momentos más destacables. Hay muchas otros artistas que merecerían aparecer en este artículo pero lamentablemente no pudimos presenciarlos. Entre ellos lamentamos habernos perdido a Lightning Bold, Dead Meadow, Wavves, Christal Antlers, Dan Deacon Ensemble, A Certain Ratio o Michael Nyman.

My Bloody Valentine: La banda liderada por Kevin Shields ofreció el un concierto al aire libre y un segundo recital al día siguiente en L'Auditori. Nuestra expectación por verlos era tal que acudimos a la primera cita. No obstante lo que había de ser una exhibición tímbrica de alto voltaje pasó a ser un inaudible horror vacui sonoro. De poco sirvieron los tapones para los oídos que la organización repartió. Los irlandeses exageraron su noise-pop hasta tal punto que parecía un directo de Merzbow. Esperamos que en la sala cubierta consiguieran una mejor ecualización.

The Bug: Kevin Martin demostró por qué su álbum "London Zoo" fue elegido mejor álbum del 2008 por la revista The Wire. Debo confesar que hasta el pasado jueves nunca comprendí los elogios que ha recibido este proyecto. The Bug gana méritos en directo gracias a las peripecias de su ejecutor y la fuerza de unos ritmos que hicieron temblar el escenario Pitchfork.

The Horrors: Sus jóvenes componentes han conseguido una buena posición en los charts británicos con sus dos primeros álbumes. No esperábamos gran cosa de un grupo que parece más preocupado por su aspecto que por sus composiciones, pero durante sus primeros temas consiguieron entretenernos. Desgraciadamente a medida que transcurría el concierto el hastío se apoderó de nosotros hasta obligarnos a cambiar de escenario.

Aphex Twin: Una vez más Richard D. James se coronó como uno de los mejores músicos de la escena electrónica. Puede que incluso fuera la mejor actuación del primer día del festival. Aphex Twin ofreció una exquisita sesión con la que repasó un completísimo abanico de géneros. También hay que destacar el gran trabajo de las proyecciones visuales, formadas por unos mosaicos psicodélicos que acompañaban el polimórfico rostro del artista.

Squarepusher: Además de su virtuosismo, es indudable que este músico posee un gran talento. No obstante sus actuación acabó provocando bostezos entre los asistentes. Tampoco le ayudó comparecer después de Aphex Twin y en el mismo escenario ya que la comparación fue inevitable.

Sunn O))): Era una de las bandas que más expectación nos había provocado. Como sabíamos a lo que nos enfrentábamos, nos temimos una impaciente incomprensión del público. No obstante Stephen O'Malley y Greg Anderson fueron aplaudidos y seguidos hasta el final. La puesta en escena de "The Grimmrobe Demos" no aportó ninguna sorpresa, pero fue impecable para quienes todavía no habíamos tenido ocasión de presenciarles.

Shellac: El apabullante directo del trío liderado por Steve Albini fue el momento estelar de la noche del viernes. Ya sabíamos que el grupo incrementaba su talento en directo y así fue. El sonido seco y minimalista de Shellac vino acompañado de una cautivadora actuación. El clímax más álgido se vivió con la extensa "The End of Radio", el vídeo de la cual hemos incluido al final de estas líneas.

Neil Young: El cabeza de cartel reunió la mayor congregación de asistentes del festival. Era la segunda vez que el canadiense pisaba Barcelona y perdérselo hubiera sido un lujo imperdonable. Durante hora y media combinó algunos temas de su último trabajo con clásicos como "Hey hey, my my", "Cinnamon Girl", "Down by the river" o "Old Man". Hizo una demostración de purismo rockero a la vez que hacía gala de ser un gran abanderado del ruidismo guitarrero. Terminó el concierto con unos minutos de distorsión en los que el músico destrozó las cuerdas guitarra y abandonó el instrumento a su suerte. Aunque no desfraudó ni pizca, quizás echamos de menos la longevidad habitual de algunos de sus solos. Para mayor satisfacción del público, se despidió con una bufanda del vigente campeón de la Champions League.

Liars: Inmediatemente después de Neil Young, el trío Liars nos ofreció uno de los mejores momentos del sábado noche. Consiguieron sorprendernos con su dance-punk marcado por el fuerte compás de sus percusionistas. Un interesante directo de un grupo en cuya discografía figuran álbums tan interesantes como "Drum's Not Dead".

Shellac, "The End Of Radio", live at Primavera Sound 2009

• Fotos del Primavera Sound

El futuro inmediato de la música portátil: Spotify en el teléfono móvil

Posiblemente la aplicación más destacada que se ha podido ver en el pasado evento para desarrolladores Google I/O tiene que ver con el teléfono Android y Spotify. El funcionamiento del reproductor digital más revolucionario funcionando en un móvil era algo que se venía rumoreando desde hacía tiempo pero que muchos creían inviable ya que podría poner en jaque una estrategia musical — la de Apple — que parecía ser el único módelo de futuro. Se trata aún de una primera versión pero aún así pueden extraerse conclusiones muy positivas. Además de la colosal biblioteca que dispone Spotify gracias al acuerdo con varias compañías, su versión para móviles ofrece la posibilidad de sincronizar las listas de reproducción de manera offline y así poder escuchar música de su catálogo aún cuando no tengamos conexión a Internet. No hay fechas concretas aún sobre la llegada de la aplicación pero tratándose de un programa ya imprescindible seguramente no se demore.

¿Por qué nos gusta un tipo de música, y otro no?

Nuestro gusto musical empieza a formarse en el vientre materno. En la semana doce de gestación, el feto ya tiene un sistema auditivo completo con el que es capaz de oir música a través del líquido amniótico (suena parecido a escuchar música bajo el agua). Cuando el bebé tiene 1 año de edad muestra preferencia por la música que escuchaba en el útero. Hasta los ocho años, los niños absorben cualquier música que oyen, una etapa en la que el cerebro está trabajando duro para crear billones de conexiones nuevas.

Así como hay "períodos críticos" para la adquisición del lenguaje, también los hay para la adquisición del oído musical. Cuando los niños escuchan música, desarrollan sistemas neuronales para capturar las regularidades estructurales y tonales de esa música. Alrededor de los 12 años de edad, la música empieza a construir lazos afectivos sociales y la usamos para distinguir nuestro grupo social del resto: esta es la música que escucha la gente como nosotros, y esta otra música es para ellos. En la adolescencia nuestros gustos musicales están muy influidos por lo que nuestros amigos escuchan. La mayoría de nosotros basamos nuestro gusto musical en lo que nos gustaba cuando éramos adolescentes. En algunos casos y con esfuerzo, los adultos podemos expandir nuestro gusto musical. Pero si tuvimos un gusto reducido durante nuestros años de desarrollo, será más costoso de hacer porque nos faltan los esquemas apropiados con las que procesar y entender nuevas formas musicales. Vía Meneame.

Daniel Levitin, autor de "This Is Your Brain On Music: The Science of a Human Obsession" (Dutton/Penguin). Su libro figura actualmente entre los 100 más vendidos de Amazon.

• Fuente original
• Comprar el libro en Amazon.com

Lo nuevo de Tortoise tras cinco años de silencio

Después de cinco años de silencio discográfico, Tortoise vuelven con "Beacons of Ancestorship" (Thrill Jockey) su sexto álbum de estudio. Durante las dos últimas décadas Tortoise se han convertido en uno de los referentes de la música popular y una de las principales bandas en el desarrollo y la creciente popularidad del movimiento conocido como post-rock, lo que convierte el nuevo trabajo en todo un acontecimiento. Según informan desde su web, se trata de su disco más arriesgado, en el cual se han querido mantener sus características densidades rítmicas con guiños hacía estilos tan dispares como el electro y el punk.

"Prepare Your Coffin" es el tema que adelantan con un exquisito videoclip dirigido por el fotógrafo Andrew Paynter y en el que un personaje se adentra en un grisáceo paisaje geométrico que bien podría definir su nueva propuesta musical.

• Web oficial de Tortoise

10 álbums seleccionados por Victor Nubla

The Avant Garde Project, repositorio de grabaciones descatalogadas

The Avant Garde Project es otra valiosa iniciativa por reunir grabaciones descatalogadas de música contemporánea del siglo XX y ofrecerlas desinteresadamente entre todos sus usuarios en descarga directa. A diferencia de otros archivos similares, la mayoría de grabaciones aquí, nunca habían sido publicadas en formato digital, lo que las convertía practicamente en inaccesibles. El catálogo actualmente cuenta con 150 títulos e incluye obras de autores como John Cage, Mauricio Kagel, Milton Babbitt, Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis, Luciano Berio, Morton Subotnick e Igor Stravinsky entre otros, amén de un puñado de recopilatorios de los que cabe destacar los publicados bajo la ignorada serie Avant Garde del sello Deutsche Grammophon.

Los archivos se pueden descargar directamente desde la web tanto en formato FLAC como en MP3 codificados a 192 kbps. Paralelamente al repositorio, cada viernes se liberan a través de The Piratebay y Mininova nuevas obras que previamente serán anunciandas en el foro del proyecto.

• The Avant Garde Project
• Archivo con todos los títulos en descarga directa

Un playlist de Retroriff en la revista The Wire

La revista The Wire ha incluido en su sección de playlists una lista de álbums descatalogados confeccionada por los redactores de Retroriff. Es un honor para nosotros que precisamente la hayan publicado en un número cuya portada está dedicada a Ornette Coleman. La lista recopila algunos álbums que llevan varios años fuera de stock y que merecen una urgente reedición. Puede que la distribución comercial de estas obras cobre menos sentido que nunca en una época en la que vender discos ha dejado de ser un negocio rentable. No obstante algunas de ellas deberían al menos distribuirse oficialmente a través de internet ya que son obras que forman parte de la historia y del patrimonio musical del siglo XX. Álbums como éstos merecen una promoción que jamás van a poder conseguir a través de los canales de distribución tradicionales y ésta podría ser una buena manera de alcanzar una mayor audiencia.

En esta selección limitada a 15 hay un poco de todo. Algunas de ella fueron retiradas del mercado debido a problemas legales. El caso más sonado es el de John Oswald, acusado de infringir derechos de propiedad intelectual con "Plunderphonics" y posteriormente con "Plexure". También Bible Launcher, retirado del catálogo Tzadik por miedo a represalias de conocidos predicadores cuyas voces fueron incluídas sin permiso y en un contexto pornográfico.

La situación de La Monte Young es más que lamentable. Conseguir una obra del gran pionero del minimalismo en los canales de distribución "oficiales" sigue siendo tarea imposible. El legado de Young ha sido publicado en sellos oscuros y publicaciones de arte esotérico, la mayoría de los cuales han desaparecido hoy día.

No podíamos dejar de citar creaciones olvidadas de maestros como Pierre Henry, Sonny Sharrock, Les Baxter o Pandit Pran Nath, y la actuación del 1986 de John Cage y Sun Ra (disponible en Ubuweb). También hemos incluido un par de discos de música catalana experimental que necesita que alguien los saque del baúl de los recuerdos. "Africa Roja" de Klamm no tiene desperdicio y el trabajo de Vagina Dentata Organ también es digna de mención. Son muchos más los que necesitarían una revisión pero por algún motivo esta vez nos hemos quedado con estos dos.

Como es fácil perderse en el entramado de reediciones probablemente hayamos errado y alguna de las obras citadas ha sido publicada recientemente. Afortunadamente internet nos brinda la posibilidad de descubrirlas gracias al P2P y al trabajo de webs dedicadas con esmero a rescatar obra descatalogada. De entre todas ellas os redirigimos a dos que consideramos imprescindibles:

• Ubuweb
• Mutant Sounds

Danger Mouse publica su nuevo disco en un CD virgen debido a sus disputas legales con EMI

Debido a una disputa legal con EMI, DJ Danger Mouse ha optado por publicar su nuevo trabajo en un CD-R virgen y que sea el propio comprador el que grabe la música por el procedimiento que le convenga. Sí, un disco virgen y una declaración que el propio autor ha colgado en su web:

El nuevo proyecto "Dark Night Of The Soul" consiste en una pieza compuesta e interpreatada por Danger Mouse, Sparklehorse y una serie de vocalistas invitados, además de una colección de fotografías originales de David Lynch. Las fotografías, que proporcionan una descripción visual de la música, estarán en una edición limitada y numerada a mano junto a un CD-R virgen. Todas las copias serán claramente etiquetadas con el siguiente aviso: "Por razones jurídicas, el CD-R no contiene música. Grábela usted mismo.

El problema legal con la discográfica se remonta a 2004 cuando el músico creó The Grey Album, mashup que combinaba el Black Album de Jay-Z con el White Album de los Beatles, y que nunca fue publicado por un desacuerdo en el uso del Copyright de los originales. El 24 de febrero de 2004, un grupo de activistas musicales liderados por Downhill Battle organizó el "martes gris", día de desobediencia coordinada en el que varias webs ponían a disposición de sus usuarios The Grey Album para ser descargado gratuitamente durante 24 horas en protesta a los intentos de EMI por no publicarlo.

• Web oficial de "Dark Night Of The Soul"

Hamza El Din, el último embajador de Nubia

Entre el mediterráneo egipcio y la sabana de la África sudanesa yace Nubia, tierra en la que durante siglos convergieron la sabiduría de la antigüedad con los lazos económicos y políticos de Egipto. Actualmente las aldeas nubias se encuentran en la orilla oeste del Nilo, cerca de la ciudad de Kom Ombo, así como en la isla de Elefantina en el río Nilo. Algunos nativos, en lugar de la reconstrucción de sus hogares tras la inundación sufrida en la decada de los 60 por el levantamiento del alto dique de Asuán, huyeron a las grandes ciudades como El Cairo, dejando una cultura floreciente durante milenios al abandono absoluto.

El penúltimo fenómeno cultural de la vida de los nubios fue Hamza el Dim, compositor, etnomusicólogo y maestro laudista que durante tres años recorrió en burro la tierra de sus antepasados para coger el testigo de la música clásica nubiense. Nacido en 1929 en Toshka, el Din se formó de manera autodidacta estudiando el Oud y el Tar (tambor ancestral originario de la parte superior del Nilo). Más tarde y tras su paso por los conservatorios de El Cairo y Roma, creó una original reinterpretación de sus raíces, aunando las tradiciones musicales árabes con las enseñanzas de las músicas occidentales. Descubierto en 1964 por el público occidental a través de su actuación en el Newport Folk Festival, tuvo la posibilidad de grabar varios discos en América. Probablemente el más importante fuera el legendario Escalay: The Water Wheel, publicado en 1970, y que sería posteriormente aclamado por los compositores minimalistas Steve Reich y Terry Riley, así como la banda de rock psicodélico Grateful Dead. Con estos ultimos y a través del baterista del grupo Mickey Hart estableció una relación que culminaría en 1978, con los californianos y el maestro de Toshka tocando en las pirámides de Egipto. Escalay fue también puente de union entre Oriente y Occidente gracias a la complicidad del Kronos Quartet, que regrabaron el sugestivo e hipnótico tema que daba título al elepé de 1967 en un disco de 1992 titulado Pieces of Africa.

Ataviado con un inmaculado Thawb y acompañado de su inseparable Oud de 12 cuerdas, el ilustre embajador nubio dedicó una vida a recuperar las raíces de un pueblo olvidado, una vida que podría resumirse en las palabras que regaló a los asistentes de su único concierto en Madrid:

He intentado plasmar los sonidos y las imágenes de mi niñez, los colores de la luna y la tierra nubienses, tan luminosos e intensos, porque la música no es sino el entorno del hombre, el rumor del agua y el suelo que pisa. La música está en el silencio.

Hamza El Din falleció el 22 de mayo de 2006 en Berkeley, tras una intervención quirúrgica.

• Hamza El Din - Escalay (enlace Spotify)

La música del segundo verano del amor

Han trascurrido al menos 20 años desde aquel segundo verano del amor. A pesar de que la mayoría de fuentes sitúan el denominado Second Summer of Love en 1988, hay quienes lo extienden un año más. Ciertamente tanto los sucesos como los condicionantes sociales indican que en ambas estaciones se vivieron unas circunstancias similares, y por lo tanto la reducción a un solo periodo estacional parece más bien debido a una voluntad mitificadora.

Fueron 1988 y 1989 los años en que al acid house irrumpió en el Reino Unido. El elevado consumo de éxtasis y LSD desató una gran euforia entre los jóvenes que acudían a los clubs y a las fiestas ilegales. Nacía la era de las raves y la música electrónica alcanzaba una popularidad inédita hasta entonces. El hedonismo desatado y el afán de libertad emparentaban a los jóvenes con el Summer of Love de 1967 en San Francisco y con la cultura psicodélica de los 60. El famoso smiley se convirtió en el representativo icono de esa generación así como de la música acid house; un género propiciado por la aparición de la Roland TB-303 y sus bajos ácidos.

Para conmemorar este segundo aniversario hemos creído oportuno hacer un repaso de la música más representativa de aquel período. Gracias a Youtube podemos ofreceros un playlist con 20 temas significativos publicados en 1988 y 1989. La lista está encabezada con el todavía impresionante "Flow Coma" de 808 State, y contiene pioneros como el "Acid Trax" de Phuture o clásicos como el "Can you party?" de Royal house.

• 20 temas del Second Summer of Love

La improvisación musical según Derek Bailey

Corría el año 1965 cuando el músico Derek Bailey abandonaba toda actividad formal para adentrarse en la improvisación libre. Durante 40 años y tras un descomunal legado discográfico, llegó a la conclusión de que la improvisación libre es la forma más primaria y natural de la música, existente en todas las culturas y en cualquier forma musical que se precie. Imprescindible para comprender esta disciplina es Improvisación: Su naturaleza y su práctica, libro que escribió en 1980 después de haber entrevistado a colegas de los tres grandes géneros en los que puede dividirse la música en general: clásica, tradicional y popular. Especialmente revelador fue su entrevista con el compositor norteamericano y virtuoso del piano Frederic Rzewski, el cual contaba la anécdota de un casual encuentro con el saxofonista Steve Lacy:

En 1968 me encontré por casualidad con Steve Lacy en una calle de Roma. Saqué un pequeño magnetófono y le pedí que me dijera en 15 segundos la diferencia entre composición e improvisación. Me respondió: ‘La diferencia entre la composición y la improvisación es que en la composición dispones de todo el tiempo necesario para decidir qué decir en 15 segundos, mientras que en la improvisación sólo tienes 15 segundos’. Su respuesta duró exactamente 15 segundos y es la mejor explicación que conozco sobre esta diferencia.

En 1992 y para llevar la improvisación libre a un público más amplio se embarcó en la producción de On the Edge, en el que con toda seguridad se trate del único programa sobre este tipo de música emitido en un ente público. La serie de cuatro documentales de 55 minutos de duración fue producido y dirigido por Jeremy Marr y narrado por el propio Derek Bailey. Lo que sigue son los dos primeros capítulos, Passing it on y Movements in time.

1: Passing it on
Emitido el 2 de febrero de 1992 en el programa figuran: Douglas Ewart en Haynes School in Chinatown de Chicago, improvisación sobre Mozart con Robert Levin, Christopher Hogwood, John Zorn (Cobra), improvisación en la música sacra con Naji Hakim y tradición vocal india con Pundit Hanuman Misra.

2: Movements in time
Emitido el 9 de febrero de 1992, el programa traza un seguimiento sobre la migración en la improvisación y los vínculos entre los distintos continentes y la producción de nuevos estilos: Qawwali de los Sufis en New Delhi, India, música Hindú con Ram Narayan, música medieval (Stevie Wishart, Mark Loopuy, Jim Denley), improvisación en el baile flamenco con Mario Maya, Danza Kathak, mimo y movimiento, música gitana de Egipto, y la mezcla del Jazz y la música cubana con Eddie Palmieri.

La Orquesta Ganadera Estocástica

El pasado domingo día 3 de mayo se celebró un concierto muy peculiar en la Fira de la Transhumància de Santa Creu de Jutglar (Osona, Catalunya). Un ganado de ovejas protagonizaron un recital musical con sus cencerros. El experimento suena a tomadura de pelo pero detrás de él hay una interesante reflexión estética. Su artífice Martí Ruiz Carulla pretende reivindicar la musicalidad de los cencerros y potenciar la experiencia estética de nuestros paisajes rurales. Para ello los cencerros ha sido afinados en las notas de la escala pentatónica. Durante la audición las ovejas se movían aleatoriamente mientras eran estimuladas por el flautín del artista.

Antes de hablar de ello hemos esperado unos días para ver si podíamos ver el resultado a través de Youtube. No obstante parece ser que su autor por ahora ha prescindido de compartirlo en internet, quizás para no desvirtuar una experiencia cuya naturaleza es, según su autor: "eminentemente presencial, reclama la experiencia del lugar y de las circunstancias". Y es que a pesar de que la inciativa puede parecer cómica, la declaración de intenciones resulta interesante:

Entendiendo que el sonido de los cencerros tiene un valor musical intrínseco, nos proponemos disponer de un conjunto de cencerros afinados en escalas musicales, propiciando la espontanea aparición y combinación armónica de melodías y contrapuntos. Con esto pretendemos promover una mejora en el placer de la escucha del paisaje sonoro de una forma manifiestamente estética, musical. Así reivindicamos la sonoridad propia del mundo rural y pretendemos ofrecer estímulos para el goce y reflexión en torno al paisaje sonoro. Nos proponemos abrir reflexiones sobre los diversos niveles de escucha del conjunto de los entornos sonoros, recalcando como factor decisivo el papel creativo del oyente en el fenómeno estético, perceptivo.

En realidad se trata de un ambicioso proyecto que pretende establecer diversos ganados musicales en el territorio y ofrecer una agenda de "pastos-conciertos" desde su web oficial. Como ellos mismos declaran, sus referentes artísticos beben del arte conceptual, la escultura sonora de Fontana, la música ambiental y el paisaje sonoro de Cage o Schaeffer, y la música estocástica de Xenakis. Todo esto combinado con actividades que incluyen caminatas sonoras, conferencias sobre arte sonoro, talleres de improvisación musical, etc.

Como apuntaba Màrius Serra al respecto el pasado lunes en el Runrún de La Vanguardia:

Mientras pretendamos seguir consumiendo carne, habrá cencerros, y no está mal que la gente urbana o rural, que aún aprecie el sentido común lo manifieste sin complejos.

• Web oficial de Ramat Musical

Group Doueh: guitarras eléctricas saharauis

Otro de los grandes descubrimientos que nos llega del sello Sublime Frequencies es "Guitar Music from the Western Sahara" del enigmático héroe de la guitarra eléctrica Bamaar Salmou. Considerado el Hendrix del desierto, su Group Doueh ha desempeñado un papel fundamental para comprender la variedad de estilos musicales del Sáhara Occidental. En sus veinte años como formación han logrado trascender las limitaciones del folklore saharaui, incorporando elementos claramente anómalos en esta región marroquí como son el pop y el rock. Según el propio músico, esto se debe tanto a la influencia que han tenido sobre él músicos como James Brown y a la riqueza musical de la vecina Mauritania. La banda, compuesta por su esposa Halima Tbal y su hijo Jamal, grabó por vez primera en 2007 un trabajó que se publicó en una limitadísima edición de 1500 vinilos. Si bien la calidad de la grabación no es la óptima, la música es tan brillante que le ha brindado la posibilidad de salir del país y girar junto a Omar Souleyman por Europa y Estados Unidos. Desgraciadamente el concierto que se esperaba para el próximo día 19 en la Sala Caracol de Madrid ha sido cancelado.

El siguiente vídeo promocional es un extracto de "Palace of the Winds", película de Hisham Mayet que recorre el Sáhara Occidental en un catártico viaje en busca de legendarios músicos locales y que también se presenta en el esperado tour de Sublime Frequencies.

Concierto de robots a cargo de Roland Olbeter

La puesta en escena más sorprendente del Sónar 2009 va a ser la del proyecto Soundclusters. Se trata de un encargo del Sónar y del festival inglés Faster Than Sound, que ha reunido a los músicos Jon Hopkins y Tim Exile para componer una pieza que será interpretada por una banda de robots. Roland Olbeter, escenografo alemán especializado en robot art y afincado en Barcelona desde 1986, ha creado cinco robots-instrumento para la ocasión: dos violines, una viola, un cello y un tambor cargados de micro-pistones y mecanismos que les permitirán tocar junto a Hopkins y Exile.

Para hacernos una idea del tipo de espectáculo que nos depara Soundclusters, hemos incluido un vídeo del proyecto orquestal con el que el genial Roland Olbeter interpretó siete composiciones de la australiana Elena Kats Chernin en la Feria Industrial de Hanover 2007. Además de esta espectacular iniciativa, recordemos que Olbeter diseño el Hércules de La Fura dels Baus para la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992.

El genoma del virus de la Gripe Porcina convertido en música

Una semana después de darse la Alerta Epidemiológica uno podía imaginarse la influenza porcina en un contexto médico o social pero nunca que acabara secuenciado musicalmente y menos aún en formato mp3. El proyecto del artista Stephan Zielinski sigue la línea trazada en 2007 por el Instituto de Biología Molecular de UCLA, los cuales lograron convertir secuencias de proteínas en música asignando notas y acordes a distintos aminoácidos. Zielinski actualiza el proceso convirtiendo el genoma del virus de la Gripe Porcina en un tema melódico, algo sorprendente tratándose de una entidad tan virulenta. Para ello escribió un código que tradujo en la secuencia que puedes ver sobre estas líneas y que acabó en el mp3 que sigue.

• Descarga FJ966952, la Gripe Porcina secuenciada

Convierte tu iPhone en un giradiscos

Hemos visto varias aplicaciones para iPhone con las podemos emular un instrumento musical analógico. Mientras iAno nos permite utilizarlo como teclado, Ocarina como instrumento de viento. Menos útil pero igual de ingeniosa resulta la aplicación que ha desarrollado Theodore Watson con openFrameworks. Con ella podemos conseguir emular el efecto de girar un vinilo en un tocadiscos. La aplicación utiliza el acelerómetro del iPod Touch para controlar la velocidad del "vinilo" en pantalla mientras hacemos girar el aparato hacia una dirección u otra. Todavía no podemos scratchear pero apostamos que no tardará en llegar.

Ha sido diseñada principalmente para iPod Touch de segunda generación ya que su cubierta permite hacerlo girar en superficies lisas. Para obtener un buen resultado en un iPhone necesitaremos incorporar un patinador. Soundtrack: "Full Clip", Gang Starr.

Programación del Meltdown 2009, comisariado por Ornette Coleman

Ya se ha hecho pública la programación del Meltdown, que este año tendrá el honor de ser comisariada nada más y nada menos que por Ornette Coleman. La alineación seleccionada por el saxofonista es la siguiente: The Roots with guest David Murray, David Murray & The Gwo-Ka Masters + Jamaaladeen Tacuma, Yoko Ono Plastic Band, Baaba Maal, The Freewheeling Yo La Tengo, Moby, Bobby McFerrin, Patti Smith and The Silver Mt. Zion Memorial Orchestra, Ornette Coleman: Reflections of The Shape of Jazz to Come + Master Musicians of Jajouka, Charlie Haden: Liberation Music Orchestra with guests Carla Bley and Robert Wyatt + The Bad Plus, Ornette Coleman: Reflections of This is Our Music + Master Musicians of Jajouka. Un cartel de lujo cuyas entradas se pondrán mañana a la venta y oscilan entre las 20 y 40 libras.

Recordemos que Meltdown es un festival que se celebra anualmente en la capital británica. Cada año eligen un músico para que ejerza como director del evento y seleccione a los artistas participantes. Hasta ahora lo han comisariado personalidades como Elvis Costello, Laurie Anderson, John Peel, Nick Cave, Scott Walker, Robert Wyatt, David Bowie, Lee "Scratch" Perry, Morrissey, Patti Smith, Jarvis Cocker o Massive Attack.

• Web Oficial del festival Meltdown

The International Noise Conference en Barcelona y Madrid

El festival International Noise Conference llega hoy a Barcelona y mañana a Madrid con su interesante propuesta de realizar actuaciones entre el colectivo itinerante Laundry Room Squelchers y artistas locales ávidos de enfrentarse a las estrictas normas del festival: actuación de máximo 15 minutos, sin portátiles, mesas de mezclas, droning... Homenatges, Nebur y C-utter son algunas de las bandas que participan en Barcelona, mientras que la oferta madrileña cuenta con Jordy, La Catastrofe Ultravioleta y una veintena de grupos dispuestos a ofrecer una inclasificable velada de buen ruido.

Barcelona Lunes 27 20:30 en Les Basses C/Teide, 20
Madrid Martes 28 17:00 en El Planeta de los Wattios C/Sorgo 53

Artículo y documental sobre los netlabels

El pasado jueves día de Sant Jordi, El País publicó un interesante artículo firmado por María Ovelar sobre netlabels, es decir, sobre aquellos sellos discográficos que operan exclusivamente a través de internet. La periodista repasaba la situación internacional de este imparable fenómeno y daba voz a algunos de sus promotores. Un texto que resulta muy apropiado si tenemos en cuenta que — según afirma Ovelar — el Estado Español es la cuarta potencia de netlabels con sus 21 sellos operativos, detrás de Alemania (64), EE UU (41) e Italia (25). Algunos de los ejemplos nacionales que cita son Addsensor.com, Alg-a-org, La Trastienda, Miga-label.org, o Op3n.net, así como la labor de la plataforma Netaudio.es. El artículo también resulta especialmente relevante si tenemos en cuenta la modesta difusión que los netlabels han alcanzado respecto a los distribuidores tradicionales.

Para complementar la información os remitimos al documental "La cultura netlabel" que Kowalski Visuales nos ofrecen en Vimeo. Con él vamos a poder escuchar las experiencias y opiniones de sus protagonistas en primera mano. Vía Mediateletipos.

• "Sellos discográficos, pero en línea", El País
• Catálogo completo de Netlabels

Steve Reich recibe el Premio Pulitzer

El compositor estadounidense Steve Reich ha ganado el premio Pulitzer 2009, por su obra “Double Sextet”, donde vuelve a explorar sus célebres formas de expresión musical con el uso de conjuntos instrumentales en directo y sonidos pregrabados en cinta magnética. El jurado, compuesto por representantes de algunos de los principales periódicos de EEUU y de entidades universitarias, justificó su decisión calificando la pieza de "atractiva para el oído y construída magistralmente". "Double Sextet" fue estrenada hace un año, y está escrita para un doble sexteto integrado por dos clarinetes, dos flautas, dos violines, dos cellos, dos vibráfonos y dos pianos, con la posibilidad de que uno de los sextetos esté compuesto por sonidos previamente grabados en soporte magnético. La composición aún no está grabada, pero según algunas fuentes, Reich entrará en el estudio de grabación el próximo mes de septiembre y se espera que Nonesuch Records publique el material en 2010.

El Premio Pulitzer en Artes Musicales se instauró en 1943 y entre los compositores que lo han obtenido están Charles Ives, Wynton Marsalis, Leon Kirchner y Ornette Coleman. No es la primera vez que Reich es galardonado por una de sus obras, en 2007 ya fue distinguido junto al saxofonista Sony Rollins con el Premio de Música Polar que otorga la Academia Sueca y que está considerado el Nobel de la Música.

Primera gira europea de Omar Souleyman, la leyenda del folk-pop sirio

Gracias al sello Sublime Frequencies en Occidente hemos podido descubrir al talentoso Omar Souleyman. La historia de este hallazgo empezó durante un viaje a Siria que en 1997 realizó Mark Gergis, un habitual colaborador del sello. Cuenta que durante su estancia sintió curiosidad por la música dabke que sonaba en todas partes. Curiosamente cada vez que preguntaba por ella, alguien le mostraba un cassette de Omar Souleyman. Gergis compró tantos cassettes como pudo y los estuvo procesando durante años hasta que finalmente en Sublime Frequencies decidieron dedicarle una antología. Gergis volvió a Siria en el 2006 con la intención de encontrar a Omar. Preguntando de una persona a otra consiguió su teléfono y se citaron en Hassake, no sin antes superar problemas como por ejemplo el seguimiento que les hizo la policía Siria. Hassake es una ciudad cercana a la frontera iraquí y la presencia de dos americanos levantaba serias sospechas. Finalmente se reunieron con Omar y éste aceptó firmar un contrato con el que por primera vez iba a publicar su música más allá de Oriente Medio.

Omar Souleyman, rey de los cassettes dabke, empezó su carrera musical en 1994. Desde entonces ha cosechado un enorme éxito en Siria, su país natal, y donde ha grabado más de 500 cassettes. Omar vive básicamente de los conciertos que ofrece en bodas y celebraciones sirianas, aunque también ha sido solicitado en países como Arabia Saudita, Emiratos Árabes Unidos o Líbano. Su música fusiona las diferentes tradiciones regionales: el dabke y el chobi iraquí con reminiscencias árabes, kurdas y turcas. En sus canciones podemos escuchar algunos instrumentos acústicos tradicionales, pero básicamente viene acompañada del sintetizador Korg del teclista Rizan Sa'id. Como apunta Bashir Saade, músico libanés amigo de Alan Bishop, lo interesante de la música de Omar es el uso de las escalas árabes tradicionales, en lugar de las escalas menores que los artistas de pop árabe han tomado prestadas de Occidente.

Como es tradición en Siria, en los escenarios el autor de las letras acompaña al cantante. Mahmoud Harbi es el poeta de Souleyman, y éste canta a su lado mientras el otro permanece sentado en una silla fumando. Tal y como cuentan en el artículo que este mes le ha dedicado al citado sello discográfico la revista The Wire, Omar se sentirá extraño tocando en Europa ya que normalmente él interactúa con los asistentes de las bodas, por ejemplo mencionando sus nombres en las canciones. Será un acontecimiento inédito que podremos ver el 18 de junio en Barcelona a través del Sónar, y el 19 en la Sala Caracol de Madrid junto a Group Doueh, otro plato fuerte de Sublime Frequencies. Estos conciertos forman parte de la gira europea que ha organizado el interesantísimo sello de música internacional que fundara hace 5 años Alan Bishop — ex-componente de Sun City Girls — junto a Hisham Mayet.

La antología de Omar Souleyman ha sido publicada en el recomandable álbum Omar Souleyman: Highway to Hassake (Folk and Pop Sounds of Syria). No obstante la edición en CD está agotada y sólo podréis conseguirla como descarga en Estradasphere. Lo que vais a ver a continuación es un vídeo promocional del tema "Leh Jani".

• Agenda de la gira europea Sublime Frequencies

"Bohemian Rhapsody" para quinteto de 8-bits

Bohemian Rhapsody, el emblemático tema de Queen que posee hasta 180 mezclas de los miembros de la banda tiene en la versión del artista bd594 su versión más curiosa. Ningún tipo de sample o efectos han sido usados, sólo un Atari 800XL emulando el piano, un Floppy Disk como bajo, un disco duro de 3.5 pulgadas en la voz del Gong, una vieja Texas Instruments TI-99/4a en la guitarra solista y una impresora HP ScanJet 3C interpretando todas las voces. Sin duda, una obra maestra de la orquestración para 8-bits.

Sonic Youth regala una canción de su próximo álbum, "The Eternal"

Matador Records anuncia para el próximo 9 de junio el lanzamiento del decimosexto álbum de Sonic Youth ofreciendo gratuitamente un primer corte titulado "Sacred Trickster". Producido por John Agnello, el nuevo trabajo significa la vuelta de la banda a las esferas independientes tras 8 años en asociación con la compañía Geffen Records, y lo más importante, según la propia banda se trata del trabajo de estudio más importante en los 28 años de su dilatada carrera. El álbum de doce temas y con portada realizada por el fallecido guitarrista John Fahey, se pondrá a la venta en formato CD, doble vinilo y podrá adquirirse de forma anticipada el próximo día 28 a través de la tienda Buy Early Get Now.

• Descarga "Sacred Trickster", el nuevo tema de Sonic Youth

Vota los temas que te gustaría escuchar en el álbum del 20 Aniversario de Warp Records

Warp Records cumple este año su 20 aniversario y lo va a celebrar publicando una recopilación de temas seleccionados por sus seguidores. A través de la web Warp20.net podéis votar y comentar aquellas canciones que os gustaría que fueran incluídas en el álbum conmemorativo.Las canciones seleccionadas serán 10 y el único requisito es que cada una de ellas pertenezca a un artista diferente. Por lo tanto queda descartado un álbum monógrafico de Autechre. Esta "recopilación social" estará acompañada de los 10 temas más significativos de la historia del sello según sus responsables. El álbum resultante no será publicado hasta otoño.

Además de esta publicación, Warp está organizando una serie de conciertos para este verano en Londres, Sheffield, París, Nueva York y Tokio. Vía The Wire Magazine.

• Web oficial Warp 20th Anniversary

Del ciberespacio al Carnegie Hall: debuta la orquesta sinfónica Youtube

La primera orquesta sinfónica formada de manera online debutó ayer miércoles en la prestigiosa la sala de conciertos Carnegie Hall de Nueva York. Los 93 concertistas fueron seleccionados entre 3.000 candidatos que respondieron a una convocatoria de Youtube para formar dicha orquesta. Los aspirantes enviaron vídeos con la interpretación de la pieza Eroica -escrita exclusivamente para el proyecto por el compositor Tan Dun- que posteriormente fueron evaluados por críticos e integrantes de agrupaciones como la Sinfónica de Londres y la Filarmónica de Berlín. La elección final corrió a cargo de los usuarios de Youtube.

El concierto que veremos a continuación y que fue precedido por tres días de pruebas, estuvo dirigido por Michael Tilson Thomas con un repertorio que incluía obras de Bach, Mozart, Brahms, Tchaikovsky, Heitor Villa-Lobos y John Cage.

"Free Music Archive", el archivo de música libre comisariado por WFMU

La radio libre WFMU acaba de lanzar un ambicioso proyecto con el que ponen a nuestra disposición un gigantesco archivo de música libre. Basándose en la premisa de que la radio siempre ha ofrecido música gratis, este archivo supone una continuación de intenciones en la era internet. A diferencia de otros archivos similares,el audio incorporado en Free Music Archive ha sido previamente seleccionada por un grupo de críticos musicales de cierto prestigio. Además de la propia emisora, cuentan con la participación de los curators KEXP, dublab, KBOO, ISSUE Project Room, y CASH Music. Gracias a esto, tenemos la garantía de poder encontrar música que estos han considerado interesante. Si tu criterio musical coindice con el de éstos, evitarás el tedio que supone buscar entre una infinidad de archivos musicales cuyos nombres no ayudan a orientarnos.

¿Qué podemos hacer con la música que nos ofrecen? Pues practicamente todo. Además de escuchárla en público o en privado, puedes compartirla con quien quieras y como quieras. Por ejemplo puedes incluir música legal a tus podcasts sin coste alguno. Puedes usarla en tus producciones videográficas o radiofónicas. Puedes samplearla, remezclarla o versionarla. Todo ello siempre y cuando respetes las licencias Creative Commons. Los usuarios pueden votar, recomendar e incluso hacer donaciones a los músicos, lo cual supone una prometedora vía de autopromoción. Cada artista cuenta con su propia pàgina biográfica así como un calendario de eventos para informar sobre sus próximos conciertos.

• Free Music Archive

Propuesta para reemplazar el mercado discográfico tradicional (Frank Zappa)

Hace años, cuando las grandes empresas empezaron a "pensar en el futuro" de la industria musical, surgió la hipótesis de que quizás poniendo a disposición del público todos los títulos de manera limitada se podría remediar un negocio que ya olía a podrido. Recuerdo haber leído entonces que el intrincado negocio musical nunca podría dar este paso ya que interferiría con productoras, distribuidores, tiendas, etc... Muchos años antes de la transición hacía la revolución digital, exáctamente en 1983, un conservador declarado como Frank Zappa proponía con la genialidad que siempre le caracterizó un sistema innovador que recuerda mucho a iTunes & Cia: "...adquirir los derechos para duplicar digitalmente, guardar lo mejor de cada discográfica y almacenarlo en una ubicación central de procesamiento que sea accesible o bién por teléfono o por televisión por cable desde el domicilio del usuario, con la opción directa de transferir los datos digitalmente o por cassete analógico". El modelo propuesto por Zappa, ya preveía un mercado en desarrollo y ofrecía una solución a un problema con el que la industria de la música todavía se encuentra anclada. Zappa llegaba a la conclusión que "todos los pagos de cánones de contabilidad y facturación al cliente serían automatizados mediante un software desarrollado para el sistema."

Imaginar cómo podría haber afectado esta idea a la industria de la música es adentrarse en el terreno de la ciencia-ficción. En cualquier caso, un plan tan genial como iluso para 1983.

• Propuesta para reemplazar el mercado discográfico tradicional (Frank Zappa)

Siete grandes álbums de downtempo metal

Son muchas y muy diferentes entre sí las bandas que engloban una escena musical que — para evitar discusiones estilísticas — hemos denominado downtempo metal. Nos referimos a un tipo de música que ha tomado como referencia los estamentos de Black Sabbath y la influencia de The Melvins, y la han mezclado con otras fuentes tradicionalmente alejadas del metal, como son el ambient o el minimalismo de Dream Syndicate. Géneros y subgéneros como el drone metal, stoner metal, sludge metal y muchos otros, tienen en común un tempo lento y un afán de experimentación que los aleja de las rígidas fronteras del metal canónico. Su público es heterogéneo y no necesariamente metalhead. Han pasado más de 15 años desde que surgieran los estilos derivados del doom metal que vamos a tratar aquí. Pero basándonos en su considerable actividad discográfica y la constante evolución de su obra, podemos afirmar que estamos delante de una escena en vida, cuya creatividad todavía no se ha agotado.

Consideramos menester hablar de ellos ahora más que nunca porque diversos motivos nos llevan a pensar que este año han alcanzado la cumbre de su popularidad. Hace tiempo que algunas de sus protagonistas han alcanzado el estatus de "clásico". Bandas fundamentales como Khanate o Sleep llevan años desmembradas. No obstante el buen momento que vive la escena nos ha traído recientemente el trabajo póstumo de la extinta Khanate, y un acontecimiento más que interesante: trece años después de su ruptura, el próximo septiembre Sleep volverá a subir a un escenario. También las bandas todavía en activo están rememorando sus trabajos legendarios, como sucede con Sunn O))), los cuales celebran sus 10 años de existencia con una gira en la que interpretarán su ópera prima "The Grimmrobe Demos".

Además de homenajear sus mejores frutos, el 2009 nos trae importantes novedades discográficas. Sunn O))) publicará en mayo "Monoliths & Dimensions", su esperado séptimo trabajo. Un álbum ambicioso y prometedor que cuenta con un importante grupo de colaboradores. Después de la escisión de Chris Hakius, Om lanzará en septiembre un cuarto álbum con el que estrena baterista. También veremos el nacimiento de Shrinebuilder, un nuevo supergrupo formado por miembros de Saint Vitus, Neurosis, Sleep y Melvins. Además, podemos vaticinar que la escena aumentará su popularidad notablemente en mayo, fecha en la que la última película de Jim Jarmusch llegará a las pantallas, y cuya banda sonora ha sido compuesta por Earth, Sunn O))) y Boris.

Todo esto hace que sea un momento oportuno para repasar algunos de los mejores trabajos que nos han ofrecido estos músicos durante hasta ahora. Hemos seleccionado solamente siete de ellos a pesar de que la lista podría aumentarse con 3 o 4 álbumes más. Sin ir más lejos, nos hemos reservado a los pioneros Leng Tch'e de Naked City y Lysol de The Melvins para la siguiente ocasión.

• Siete grandes álbums de downtempo metal

Composición musical para cuatro rostros

El último vídeo de Daito Manabe da una vuelta de tuerca al sobrecogedor sistema electrónico que vimos hace unos meses y que sincroniza una composición musical con los músculos faciales mediante electrodos adheridos a la piel. En esta ocasión ha contado con la inestimable colaboración de cuatro intérpretes para crear la primera obra para cuatro rostros.

Trucos y recursos para Spotify

Después de dos meses utilizándo Spotify lo declaro "software imprescindible". Personalmente lo que me ha enganchado definitivamente han sido sus playlists. A diferencia de iTunes, Spotify permite compartir listas de canciones con otros usuarios gracias a su enlace Spotify URI o HTTP. Pero más interesantes aun son las denominadas Collaborative playlists, un tipo de lista que puede ser ampliada y modificada por otros usuarios. Lo malo es que Spotify se encuentra en fase embrionaria y apenas ofrece opciones de configuración. Apuesto a que en próximas versiones podremos restringir sus permisos así como consultar un historial de modificaciones. Aun así, son de gran utilidad para para compartir nuestros gustos y recibir recomendaciones.

Otro carencia importante en las playlists es su organización. Si usas Spotify a menudo, probablemente en tus listas reine el desorden. Esto podría evitarse sencillamente si se pudiera introducir una playlist dentro de otra. Mientras esperamos nuevas mejoras, podéis usar esta ingeniosa manera de clasificación. Y gracias al blog The Pansentient League he recopilado algunos otros trucos y recursos interesantes. Os detallo a continuación aquellos que considero más útiles y al final del post os remito a otras páginas donde podréis encontrar más información. Gracias al tweet de Tyrexito.

Buscadores de música

Resulta impresionante la velocidad con la que han aparecidos medios de información especializados sobre Spotify. Resultan muy útiles para estar al día sobre novedades así como para descubrir los tesoros que guarda su inmenso catálogo.

• The Pansentient League: Uno de los mejores blogs sobre Spotify, y gracias al cual hemos podido redactar este artículo. Podréis encontrar trucos, playlists y recomendaciones músicales.
• Spotify Blog: Blog oficial del programa. la mejor manera de estar informado sobre sus ampliaciones de catálogo.
• On the Spot: Un blog de recomendaciones musicales. Sirve de ejemplo sobre esta nuevo tipo de publicaciones a pesar de que sus gustos musicales son cuestionables.
• Indiefy: Más de lo mismo pero especializado en música indie, shoegaze, dream pop, etc.

Aplicaciones y recursos

Estas son algunas aplicaciones que te ayudarán a multiplicar potencial de Spotify.

• Freshspotify: Un interesantes servicio que envía notificaciones por e-mail cuando Spotify añade música de tus artistas favoritos.
• Last.fm Spotify Search: Script que añade un icono en la música de Last.fm que está disponible en Spotify. Requiere Greesemonkey.
• Last FM + Spotify + Find new albums: Una aplicación muy sencilla que busca losnuevos álbums añadidos a partir de los artistas favoritos que figuran en tu ficha de Last.fm.
• Spotify Super Search: Un buscador avanzado que permite buscar por géneros.
• Mixifier: Una aplicación de Facebook para compartir playlists
• Spotify Search for Firefox: Un addon de Firefox con el podrás buscar buscar en Spotify acerca de un artista mientras navegas pulsando con el botón derecho sobre su nombre.

Black Spotify

No han tardado en aparecer y probablemente causarán algunos dolores de cabeza a los creadores de Spotify.

• Mutify: Aunque Spotify lo ha bloqueado, merece una mención. Esta aplicación fue creada para desactivar el volumen durante las transmisiones de publicidad de la versión gratuita.
• SpotSave: Permite grabar en tu disco duro los temas que escuchas en Spotify. He aquí un vídeo demo.
• Despotify: Cliente Spotify Open-source para poder usar Spotify en Linux.
• A proxy server: Instrucciones para poder spotificar desde los paises con acceso restringido.

Playlists

Parece ser que las webs especializadas en playlists van a multiplicarse desmesuradamente. He aquí algunas de las más populares hasta la fecha.

• Listiply
• Specify
• Spotifylist
• Spotyshare
• Spoty Friends

• Más recursos sobre Spotify en The Pansentient League
• Más aplicaciones Black Spotify

Death: el eslabón perdido entre el rock de Detroit de principios de los 70 y el punk

En cierta ocasión a Iggy Pop le preguntaron de dónde provenía el sonido punk, a lo que contestó que por supuesto de su ciudad natal, Detroit. Desconozco si el cantante de The Stooges había coincidido en alguna ocasión con el trío Death, pero es evidente que la respuesta de La Iguana no iba desencaminada. Death es uno de esos grupos que por circunstancias de la vida ha sido ignorado durante las últimas tres décadas, y que por algún capricho, el destino ha querido que 2009 fuera su año. Olvidados incluso para los coleccionistas más fervientes de los vinilos imposibles, éste trío pseudo-punk probablemente permanecería en la absoluta oscuridad si no fuera por una maqueta encontrada en el ático del miembro y fundador Bobby Hackney hace tan solo un año.

La cinta en cuestión fue grabada en 1974 -compartiendo estudio con Funkadelic y su "Standing on the Verge of Getting It On"- después de que la banda firmara con Groovesville Productions. Dos años después y tras un estrepitoso fracaso con la discográfica, decidieron publicar 500 copias de un single que contenía los cortes "Politicians in My Eyes" y "Keep On Knocking" con su propio sello Tryangle. Un trabajo seminal que nunca consiguió el respaldo de las radios locales y las disqueras de la época y que ha tenido que esperar 34 años para ver la luz gracias a Drag City Records. En total 7 canciones a medio camino entre MC5 y Marvin Gaye que vendrían a corroborar que el punk procede de Detroit.

• Audio: “Politicians in My Eyes”
• Banda punk antes de que el punk fuera punk (NY Times)

Más ediciones limitadas para celebrar los 70 años de Alan Vega

El tiempo pasa tan deprisa que el 23 de junio del 2008 Alan Vega pasó a ser septagenario. Para celebrarlo, el sello Blast First (petite) ha lanzado una colección de 10'' en los que varios artistas rinden homenaje a Suicide versionando sus temas. Se pueden adquirir mediante descarga así como en ediciones de vinilo limitadas. El primero en agotar sus 4.000 copias de stock ha sido Bruce Springsteen con su "Dream Baby Dream", una canción que en el 2005 solía interpretar para cerrar los conciertos de su gira "Devils & Dust Tour". El veterano rockero mencionó en 1984 a Suicide como una gran influencia en su álbum "Nebraska", y tal influjo puede evidenciarse en el tema "State Trooper" (en esta entrada podréis comprobarlo).

Menos mediáticos y más interesantes son los otros dos vinilos que la Alan Vega 70th Birthday EP Series ha editado recientemente. El primero de ellos con Lydia Lunch versionando "Frankie Teardrop", el angustioso gran tema del "First Album" que retrata el abismo de un veterano de Vietnam. El otro lanzamiento destacable es el de Primal Scream con "Diamonds, Furcoat, Champaigne". Tanto el uno como el otro no honran demasiado a las ediciones originales, pero cuentan en sus caras B con un preciado material inédito de Suicide. En la cara B del primero encontramos una demo del 1976 del mismo tema y en el de Primal otra de "Ghostrider".

Podéis escuchar todas las ediciones citadas en Spotify. Os dejamos con la versión de Lydia Lunch que hemos encontrado en Youtube. Por cierto, en septiembre Suicide interpretarán íntegramente su primera álbum en Don't Look Back del festival All Tomorrow Parties en NY.

• Lydia Lunch, "Frankie Teardrop"
• Primal Scream, "Diamonds, Furcoat, Champaigne"
• Bruce Springsteen, "Dream Baby Dream"

Bicycle Built For 2,000 o cómo una red de usuarios interpreta "Daisy Bell"

Amazon’s Mechanical Turk es una poderosa herramienta "crowdsourcing" destinada a crear una red de usuarios que cobran por realizar tareas difíciles de llevar a cabo por un ordenador. Aquellas funciones que uno cree que puede realizarlas mejor un humano que una máquina, se proponen bien definidas en su web y se fija un precio por cada una de ellas. Un ejemplo de tarea ser